Мне подарили

22:40 14.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Известный канадский художник

Jonathon Earl Bowser – известный канадский художник, великолепно владеющий искусством графического рисунка, создавший сотни потрясающих по красоте иллюстраций и картин.

Jonathon Earl Bowser родился в 1962 году. Начал рисовать в возрасте восьми лет. В 1984 году окончил колледж искусств (Alberta College of Art).

Jonathon Earl Bowser с удовольствием работает в жанре, который он называет натурализмом. Мистические образы дикой природы с её причудливым ландшафтом и таинственностью живого мира, чарующие женские образы,(женщины-богини, женщины— ангелы), вдохновляют художника. Его фантазиям нет предела, он создает всё новые, потрясающие своим великолепием произведения

Метки: живопись, искусство, АЯТ
06:16 27.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Женщина как украшение интерьера

.

Картина: Франсуа Буше

Что такое арт-объект, как отличить винтаж от ретро, а гламур от китча, в чем сакральный смысл узоров на ковре в бабушкиной гостиной и как комод вдохновил архитектора на создание дворца для графа Апраксина — обо этом и многом другом рассказывает культуролог Максим Лаврентьев в книге «Дизайн в пространстве культуры», которая выходит в июне в издательстве «Альпина Паблишер»...

ДЕКОР

Как, в сущности, мало мы знаем о вещах, окружающих нас в повседневности!

Возьмем обычный ковер — из числа тех, которые до недавнего времени висели почти в каждой квартире. Вот как теперь аттестуют его на просторах интернета: «Пошлая растиражированная симметрия, поглощающая свет, звук и смысл самого предмета, суррогат роскоши». Давайте, однако, самостоятельно присмотримся к узору на ковре, и начнем с центрального рисунка, так называемого медальона. У большинства старых, еще советских, изделий медальон выглядит следующим образом: от более крупной овальной части отходят в стороны две меньшего размера. Между прочим, это — схематичная модель мироздания: Срединный (наш), Верхний и Нижний миры (кстати, правильным поэтому является не горизонтальное, как чаще всего встречается, а вертикальное положение ковра на стене). В том, что перед нами, по сути, индийская мандала, нетрудно убедиться, отыскав на краю ковра многочисленных будд, сидящих в «позе лотоса». Разумеется, нужно обладать известной долей фантазии, потому что в результате бездумного копирования вытканное изображение выглядит грубым и превратилось в элемент орнамента.

Мало кому, как актеру Александру Кайдановскому, легендарному Сталкеру из фильма Андрея Тарковского, повезло жить в комнате с лепными потолками и, проснувшись однажды поутру, заметить в верхнем, обычно затемненном углу комнаты «собственное» лицо. Посему осмотрим фасад здания — допустим, бывший доходный дом Бройдо (Плотников пер., 4/5), построенный в 1907 году по проекту архитектора Николая Жерихова. Тут и фантазии никакой не требуется, достаточно быть мало-мальски образованным человеком и помнить, как выглядят на портретах русские писатели — Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Толстой. Их порядком облупившиеся профили, приданные атлетическим торсам, облаченным то ли в римские тоги, то ли в простыни (отчего возникла городская легенда о «веселом заведении» внутри), все еще можно различить без большого труда в аляповатом барельефе.

Интересна история появления писателей в Плотниковом переулке. Согласно наиболее устойчивой версии, композицию под названием «Парнас» скульптор Синаев-Бернштейн поначалу предлагал сделать фризом строившегося в тот момент на Волхонке Музея изящных искусств. По замыслу автора, деятели отечественного искусства шествовали в окружении греческих богов и муз прямиком к Аполлону. Однако заказчик, Иван Цветаев, усмотрел в работе китч, каковым она, собственно говоря, и являлась, и композицию Синаева-Бернштейна завернул. Тогда тот, не теряя времени, продал уже готовые фрагменты семейству Бройдо, зарабатывавшему постройкой в Москве доходного жилья. Правда, пришлось разделить барельеф на части, чтобы уместить фигуры между окнами третьего этажа. Но, между прочим, здесь мы видим первый скульптурный портрет Л. Н. Толстого, к тому же прижизненный.

И еще одна история, далеко не комическая. На рубеже 1930-х годов в советской столице ежегодно закрывалось порядка 50 храмов. Снятые с них колокола иной раз продавали за границу, поэтому, например, в английском Оксфорде можно теперь услышать благовест Сретенского монастыря. Гораздо же чаще звонкоголосые гиганты попадали в переплавку. Так, 16-тонная махина с колокольни Рогожского кладбища отправилась прямиком на завод «Динамо», директор которого, обращаясь в Президиум ВЦИК, обосновывал свою просьбу тем, что «из-за отсутствия цветных металлов для производства бронзовых отливок по целому ряду срочных и особо важных заказов (вкладыши бронзовые к электровозным моторам Сурамского перевала, вкладыши моторов для заводов черной металлургии, бронзовых венцов для червяков электролебедок для оборудования судов и т.д.)» срывается месячный план. А за год до того в ту же инстанцию адресовался Наркомпрос РСФСР. Для отливки бронзовых горельефов при отделке нового здания библиотеки имени В. И. Ленина потребовалось дополнительно около 100 тонн цветмета. Поскольку постановлением МК ВКП(б) и Моссовета стройка была признана ударной, ВЦИК немедленно удовлетворил запрос, предоставив «для осуществления бронзовых горельефов при отделке и облицовке здания публичной библиотеки СССР колокола со зданий церквей г. Москвы: Иакова по Яковлевской, Николая в Курицкой, Николая в Кленниках, Воскресения и Успения на Остоженке, Николая на Студенцах». В намеченный срок на фасаде Публичной библиотеки со стороны Моховой появились знакомые изображения писателей, в отличие от дома в Плотниковом эстетически вполне приемлемые.

ЖЕНЩИНА В ИНТЕРЬЕРЕ

Настоящий мужчина едва ли воспротивится утверждению, что в мире нет создания более прекрасного и совершенного, чем женщина. Тем не менее в мужской компании циркулирует немало женоненавистнических мифов. Кто-то разглагольствует о происхождении Евы из Адамова ребра — «единственной в человеческом организме кости без мозга». Атеисты указывают на «исторический факт»: якобы до VI века н. э. христиане спорили, есть ли у женщины душа. В связи с этим часто упоминается некий Никейский собор, на котором вопрос был поставлен и решен в пользу женщин отцами Церкви с перевесом всего-то в пару голосов! Разумеется, ничего подобного никогда не происходило в действительности ни на Первом, ни на Втором Никейском, ни на каком-либо ином из так называемых Вселенских соборов. Может, некоторые подозрительного вида фанатики и спорили о чем-то таком, но кулуарно — официально на соборах обсуждались совсем иные и, надо заметить, более животрепещущие для тогдашнего христианства проблемы: борьба с ересями, установление времени празднования Пасхи и т.д.

Если церковникам было по тем или иным причинам не до женщин, то с художниками и прочими служителями муз дело обстояло совершенно иначе. Куртуазные трубадуры, а затем поэты и живописцы Ренессанса создали вокруг женщины эстетический культ. Однако, объявив себя его жрецами, на деле они ставили во главу угла собственное мастерство, коим и упивались. Их божеству в том было мало проку — искусство, на все лады воспевавшее слабый пол, служило удовлетворению прихотей пола сильного.

Наконец, в XVIII веке женщины, словно сойдя с живописных полотен, где всего лишь играли отведенную им роль, сделались настоящими Венерами, Дианами, Мельпоменами. Таким необходим был подобающий комфорт — не рисованный, как раньше, а вполне осязаемый. Тут-то и от служителей прекрасного потребовалось иное рвение.

Основатель династии придворных мебельщиков Андре Шарль Буль долгие годы возглавлял мастерскую Лувра. Мебель в стиле буль щедро украшена позолоченной резьбой, инкрустирована черепаховым панцирем, перламутром, латунью и бронзой. Сыновья мастера своими руками воплощали принципы рококо для официальной фаворитки Людовика XV Жанны-Антуанетты Пуассон, более известной как маркиза де Помпадур. Их усилиями в дворцовых помещениях маркизы была создана совершенно особенная обстановка (так называемый стиль à la Reine) — гремучая смесь пышности и утонченности, сказочной таинственности и расчетливого эротизма, прообраз гламурных апартаментов.

Но все-таки формально первым в истории дизайна мебельщиком, именем которого был назван стиль, считается английский мастер того же времени Томас Чиппендейл. Его стулья имели решетчатые спинки в духе шинуазри (фр. сhinoiserie — китайщина). Изогнутые ножки делал он тоже ориентальными — в виде птичьих или звериных лап, держащих шар. К слову, стиль голливудских кинодив 1930–40-х годов, эта интерпретация модерна в ар-деко, непредставим без экзотических форм и соответствующих материалов. Кокос, бамбук, слоновая кость, крокодиловая кожа, даже шкурки ящериц — все шло в ход, чтобы угодить экранным властительницам дум и сердец. Выглядевшая как дорогой обтекаемый автомобиль, мебель для Джудит Баррет и Присциллы Лейн, Виктории Уинтон и Эдны Каллахэн обычно покрывалась еще и шпоном красного дерева, за 200 лет до того введенного в западную моду именно Чиппендейлом, поскольку оно было завезено в Англию из колоний на четверть века раньше, чем в страны континентальной Европы.

Раз уж зашла речь о «фабрике грез», то следует упомянуть и о том неожиданном вкладе, что внес в интерьер английский политик XVIII века Филипп Дормер Стэнхоуп, четвертый граф Честерфилд. Стиль честерфилд первоначально представлял собой полностью кожаный и для пущей надежности стеганый диван, заказанный графом, на досуге занимавшимся литературным трудом (свои трактаты в духе Вольтера он публиковал в журнале «Старая Англия» под псевдонимом Джеффри Толстопузый). Диван аристократа-моралиста настолько пришелся по душе прекрасной половине человечества, что постепенно начал ассоциироваться с женским представлением о личном комфорте. Много нынешних кинозвезд не скрывают своей страсти к кожаному честерфилду в различных его вариациях. Граф, однако, не должен быть на них за это в обиде. А в историю он вошел, между прочим, еще и тем, что активно способствовал переходу Великобритании на григорианский календарь, который современники так и называли: «Календарь Честерфилда».

Конечно, женщина царствует не только в искусстве. И все же, когда мы представляем идеальный женский портрет, на ум приходит, пожалуй, не Гипатия Александрийская с первой астролябией в руках, не Сара Мэтер у запатентованного ею перископа и не Стефания Кволек, синтезировавшая кевлар — основу бронежилета. И это даже не Хеди Ламарр, снявшаяся обнаженной в десятиминутной сцене купания в лесном озере, за что фильм «Экстаз» 1933 года был запрещен к показу в большинстве цивилизованных стран, а саму актрису вождь германских нацистов внес в список врагов Третьего рейха (позднее, уже в Америке, Хеди изобрела на досуге секретную систему связи с расширенным спектром — на которой основан современный Wi-Fi). Скорей уж мы вспомним мадам Рекамье, возлежащую посреди своего парижского салона на знаменитой кушетке (кушетка-рекамье) с S-образной линией изголовья, позаимствованной у древнегреческих кресел клисмос, — именно так изображена мадам на знаменитом полотне Жак-Луи Давида.

Метки: живопись, искусство, декор, АЯТ, отношение к женщине
18:58 18.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Eugenio Zampighi

Eugenio Zampighi (1859-1959) родился в Модене, Италия. Он проявил интерес к искусству в раннем возрасте и в тринадцать лет он учился в Академии Дизайна. После окончания курсов он принимал участие в выставках и завоевал шесть медалей за сое творчество. В двадцать лет он выиграл стипендию на обучение в Риме. Здесь он принимал участие в многочисленных выставках и стал почетным членом палаты Академии Модены. В 1884 году он переехал жить во Флоренцию и здесь начал рисовать свои известные предметы жанра, которые были успешно проданы и он получил степень профессора, которая была присуждена ему Советом Академии. Картины художника хранятся в музее искусства в Модене. /

Метки: живопись, искусство, АЯТ
16:18 16.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Дмитрий Левин

Все-таки ужасно приятно иметь еще на земле уголок, куда можно приехать, сесть и слушать, как тикают ходики, и ни о чем почти не думать. ********************* Василий Шукшин
Художник Дмитрий Лёвкин
.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
18:22 14.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Ольга Абрамова

Ольга Абрамова родилась в 1976 году в Москве. В 1996 году окончила Московское Художественное училище Прикладного Искусства имени Калинина (МХУПИ), специальность — художник по тканям. В 2000 году окончила Московский Государственный Открытый Педагогический Университет, художественно графический факультет. Диплом был выполнен в технике пастельной живописи. С тех пор пастельная техника является основным и любимым стилем рисования. Участник многих персональных и групповых выставок в России и за рубежом. Автор статей о живописи в технике пастель. С 2001 года является членом Международного ХудожествеОскар Уайльд

нного Фонда.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
14:44 13.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон (1830-1896

Художник Фредерик Лейтон (Leighton Frederick) (1830–1896)
Автопортрет
Процессия с Мадонной Чимабуэ (Cimabue's Celebrated Madonna)_
Обаятельная девушка Лейтон Фредерик (Leighton Frederick) (1830–1896), английский художник и скульптор. Родился 3 декабря 1830 в Скарборо (графство Йоркшир). Его отец был врачом, а дед, сэр Джеймс Лейтон, придворным врачом русского императора Александра I. В детстве Фредерику Лейтону пришлось много путешествовать по Европе. Лейтон начал изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, а позже в Лондоне, Дрездене и Флоренции. Фредерик Лейтон жил и творил в эпоху королевы Виктории. В 1855 впервые выставил свои произведения в Королевской академии художеств и получил награду за картину, приобретенную впоследствии королевой Викторией.
Пылающий июнь Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Лейтон часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника. Среди наиболее известных картин Лейтона – признанный шедевр "Пылающий июнь", 1895; также "Сиракузская невеста", 1866; "Электра у гробницы Агамемнона", 1869; "Летняя луна", 1872; "Купание Психеи", 1890
"Электра у гробницы Агамемнона"
Купание Психеи
Портрет девушки
Патрицианка
Дездемона_
Дева с желтыми волосами
Портрет Мэй Сарторис
Гюльнихаль
Воспоминания
Мать с ребенком
Элегия
Сад Гесперид

Метки: живопись, искусство, работы, АЯТ, портретист
14:22 08.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Willem Haenraets

+ Танго требует стабильной мимики,максимальной неподвижности тела.Танго серьезен,танго трагичен.Танго грустен,лиричен. В танго нет улыбки. Она запрещена..Танго говорит...о неизбежности роковых законов любви !
Художник Willem Haenraets
Художник Willem Haenraets - 2
Художник Willem Haenraets - 3
Художник Willem Haenraets - 4
Художник Willem Haenraets - 5
=
Метки: живопись, искусство, танец, танго, АЯТ
12:05 25.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

СЕКРЕТЫ "АВИНЬОНСКИХ ДЕВИЦ" ПИКАССО

Экспериментаторы привыкли к критике. Публика консервативна и не понимает смелых решений! Но Пабло Пикассо выделился и тут: его картину «Авиньонские девицы» осудили даже друзья и единомышленники.

VS05_039_KulturniyKod.jpg
Нажмите для увеличения

Картина «Авиньонские девицы»
Холст, масло 243,9×233,7 см
1907
Ныне хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке

Когда Анри Матисс, один из самых эпатажных художников в те годы, увидел в мастерской Пикассо эту работу, то оскорбился. Матисс решил, что его младший товарищ просто издевается над сторонниками обновления искусства, прежде всего над ним самим. «Вы как будто хотите заставить нас набрать в рот керосина и выдыхать огонь», — высказал автору свои впечатления от полотна другой живописец, Жорж Брак. «Какая потеря для французского искусства!» — сокрушался о «сбившемся с пути» художнике русский меценат Сергей Щукин. «Работа безумца», — припечатал французский коллекционер Амбруаз Воллар. Еще один художник выразил опасение, что Пикассо в один прекрасный день повесится перед своим непонятым и непринятым произведением.

Картину, позже прославившуюся под названием «Авиньонские девицы», не спешили ни покупать, ни выставлять. Публике ее впервые показали только в 1916 году, спустя девять лет после создания. Однако отношение к произведению менялось. Под влиянием «Авиньонских девиц» тот же Жорж Брак вместе с Пикассо стал отцом-основателем нового направления — кубизма. Впоследствии эту картину назвали шедевром, с которого, возможно, в искусстве по-настоящему начался XX век.

1. Интерьер. Действие происходит в публичном доме. Пикассо так всегда и говорил о картине — «мой „Бордель“». Более пристойное название, «Авиньонские девицы», дал ей в 1916 году друг художника и организатор выставки Андре Сальмон. Авиньон в данном случае не город во Франции, а название оживленной улицы в Барселоне.

2. Женщины. Арт-критик Лео Штейнберг в статье 1972 года одним из первых предположил, что, изобразив этих женщин агрессивными и жуткими, художник дал выход страху заразиться от них венерическим заболеванием — довольно распространенному опасению в Париже начала XX века.

VS05_039_KulturniyKod-3.jpg

3. Фрукты. Кусок дыни, напоминающий острый серп, яблоко и груша, похожие на куски мяса, — зловещие запретные плоды, отражение той же фобии.

VS05_039_KulturniyKod-4.jpg

4. «Африканские маски». Пикассо отрицал влияние африканского искусства в этой картине. Однако известно, что в 1907 году художника впечатлила выставка масок Черного континента в Этнографическом музее в Париже, которую он посетил до того, как завершил шедевр. Традиционное искусство народов Африки считалось примитивным, но Пикассо привлекала экспрессия и свобода от европейских изобразительных канонов.

VS05_039_KulturniyKod-5.jpg

5. «Иберийские скульптуры». Лица этих двух девушек напоминают скульптуры VI–III веков. до н. э., найденные на Иберийском полуострове. Сам Пикассо подтверждал, что учился у древнего иберийского искусства.

VS05_039_KulturniyKod-6.jpg

6. «Таитянка». Американский исследователь Уильям Рубин увидел в этой фигуре отсылку к портретам и скульптурам Поля Гогена — поклонника традиционного искусства Океании.

7. Совмещенные ракурсы. Попытки совместить в двухмерном пространстве изображения предмета с разных точек зрения — шаг к кубизму. По мнению историка науки Артура Миллера, к этому новому принципу Пикассо пришел под влиянием идей математиков Эспри Жуффре и Анри Пуанкаре о визуализации четвертого измерения.

VS05_039_KulturniyKod-7-8.jpg

8. Геометрические элементы. Совет Поля Сезанна, творчество которого Пикассо очень ценил, — различать в природе простые геометрические формы — кубисты взяли на вооружение. Само название нового направления в искусстве появилось в 1908 году, после того как арткритик Луи Восель язвительно высказался о творческой манере Жоржа Брака: художник-де весь окружающий мир сводит к кубам.

Метки: искусство, Пикассо, АЯТ, разбор картины
22:38 04.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Зловещая "Анатомия": в одесском музее выставлены картины с фрагментами расчлененных тел

До 23 мая в Художественном музее (Софиевская, 5а) будет работать выставка известной украинской художницы Влады Ралко. За последние 15 лет автор создала немало полотен, в которых арт-критики видят «препарирование действительности» и «разрушение устойчивых форм».

Неподготовленный зритель будет шокирован сюжетами картин с фонтанирующими кровью фрагментами тел, стреляющими скелетами, прозрачными биороботами, лоскутами снятой кожи… Влада Ралко, как и подобает настоящему художнику, остро ощущает, что жизнь – боль, ее душа уж точно без кожи. Влада – участница Одесской международной биеннале современного искусства и обладательница премии Всеукраинской триеннале живописи. Как и любой художник, она училась рисовать человеческое тело как с натуры, так и по анатомическим моделям.

«Однажды я тайно взяла костяк человеческой ноги домой, так как не успевала нарисовать его в школе, — вспоминает Влада. – Я везла его завернутым в рулон бумаги, на котором собиралась рисовать. Внезапно поезд метро затормозил, и то, что было человеческой ногой, выпало из рулона на пол. Люди, стоявшие рядом, отпрянули с ужасом. Для меня же этот фрагмент скелета не представлялся страшным – он был будничным объектом, рутинной натурой».


Новый директор музея, Александр Ройтбурд, и сам написал немало картин с рассеченными и даже как будто самовольно отпочковавшимися фрагментами тел, а в одном из проектов использовал фото из анатомического театра. «Героями анатомических таблиц, которые потрясены тайнами собственного строения» называет своих персонажей Влада Ралко. Тут нет противоречия, однако, хоть и вход на выставку с детьми не воспрещается, на наш взгляд, «анатомия» адресована прежде всего взрослому, думающему зрителю.

С другой стороны, в прежние годы в выставочных залах демонстрировалось немало китчевого искусства. И от детей его не прятали.

Автор — Ирэн Адлер, фото Владимира Андреева

Метки: выставка, искусство, АЯТ, современность, жуть и кошмар
21:29 03.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из запасников одесского Худмузея

Новый директор Одесского художественного музея Александр Ройтбурд на своей странице в «Фейсбуке» последовательно привлекает внимание к тем музейным экспонатам, которые долгое время хранятся в фондах, не попадая на глаза зрителям. Одним требуется реставрация, другие в достаточно хорошем состоянии (но идеологические причины заставили их убрать подальше), третьим попросту не хватило места в постоянной экспозиции, но каждая из них хранит свою историю. «Думская» выбрала двадцать лучших шедевров из запасников учреждения и предлагает воспользоваться возможностью виртуально приобщиться к прекрасному!

Номером первым в нашей двадцатке — благостная картина Алессандро Риццони «В Ватикане». Алессандро Риццони — итальянец, российский академик, принимавший активное участие в формировании знаменитой коллекции Третьякова. Религиозность не помешала Риццони впасть в грех самоубийства после того как в журнале «Мир искусства» в 1901 году критик Альфред Нурок назвал его самым худшим из всех современных художников, позором русского искусства и призвал общество избавиться от всех его работ. Не выдержав такой несправедливой жестокости, живописец наложил на себя руки на исторической родине, в Риме, в 1902 году. Страшно подумать, что бы с ним сталось, обвини его кто-нибудь, как Ройтбурда, в рисовании гениталий фекалиями…


Второй номер присваиваем идиллически-красивому, откровенно салонному «Пастушку» (1863) художника-передвижника Василия Перова. В запасники полотно «загремело» еще при советской власти, так как Перова хотели видеть в первую очередь певцом тяжелой народной доли («Тройка», «Проводы покойника», «Приезд станового на следствие»), а не салонным живописцем.

Третий номер – сам Илья Репин, картина «Арабы в пустыне» (1870). Название, скорее всего, дано по недоразумению или чтобы намеренно скрыть истинный смысл, так как в композиции явственно просматриваются ни разу не арабы, а Моисей (с посохом), коленопреклоненный Аарон и сидящая прокаженная Мариам, плюс манна небесная в тарелке на переднем плане. А на заднем плане видим гору Синай. Совсем не арабы…

На четвертом месте – варшавянин и живописец-академист Людвиг Веселовский со своей картиной «Две жертвы Тиберия» (1883). Грешный римский император, содомит и насильник, вел столь изощренно-разнузданный образ жизни, что за подробностями, друзья, обращайтесь к музейным экскурсоводам, когда полотно вернется в постоянную экспозицию.

Под номером пять — комсомольская «Юность» Юрия Егорова (1967), одесского живописца, чья выставка проходит в Киеве в Национальном художественном музее Украины.

«Его имя, а тем более творчество, к сожалению, не очень известны киевлянам, — комментирует экспонат Александр Ройтбурд. — А он был самым значимым художником Одессы второй половины ХХ века, живописцем мирового класса. Для одесской школы он был тем же, чем Яблонская для киевской. Понять одесскую школу без Егорова нельзя — ни официальное искусство того времени, ни одесский нонконформизм, ни Хруща, ни Ястреб, ни Фрейдина, ни Басанца, ни Дульфана, ни Шопина, ни Ануфриева-старшего, ни, кстати, Сергея Ануфриева, ни многих других, в том числе Ройтбурда. Я называл Егорова богом одесской живописи».

Шестой номер из запасников ОХМ — снова Юрий Егоров, тревожное полотно «1918 год». Искусствовед Татьяна Басанец увидела в коллективном герое «грядущего хама».

Номер семь – снова Юрий Егоров, «Лето» (1967).

Под восьмым номером уже последний в нашей двадцатке шедевр Юрия Егорова «Девушка, выходящая из воды» (1969) – тонкая талия и прочие прелести фигуры девушки на фоне игры лучей на морской воде.

Девятый номер в экспозицию можно и не возвращать, и так все ясно: Вячеслав Токарев «Октябрь на рабочей окраине».

Десятый номер обязательно вернуть бы: как-никак, это работа члена Общества независимых художников, одессита Павла Нитше. Картина «К идеалу» — это образец дерзкого нового искусства 1914 года. Эмигрировал, окончил жизнь в 1950 году в Ирландии – в советское время таких авторов старались в постоянную экспозицию не пущать.

На одиннадцатом месте — картина, которую мы бы и сами в экспозицию не пустили. Художник (или художница) Лазаренко (имя уточняется) в оптимистичной соцреалистической манере изобразил (-а) добрых
Лазаря Моисеевича и Никиту Сергеевича со счастливыми трудящимися. Сюжет, прямо скажем, не опередил свое время.

Двенадцатое место – глоток свежего воздуха, картина на века, работа неизвестного автор XVIII столетия «Мальчик с птичкой». Охота считалась достойным занятием для благородного ребенка в те времена. Не спешите осуждать!

Тринадцатый номер совсем не случайно мы присваиваем портрету Сталина работы Исаака Бродского. Это вам не сахарный Лазарь Моисеевич с номера одиннадцатого, это работа крупного мастера.

Четырнадцатый номер – «Революционерка» Юлия Бершадского (1900-е годы), неоднозначный и содержательный женский типаж, долгое время присутствовавший в постоянной экспозиции, затем убранный в запасники. А может, вернуть?

Под пятнадцатым номером – нуждающаяся в реставрации «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской (1939), студенческая работа классика украинской живописи. Ройтбурд обещает, что имя подарившего работе вторую жизнь в течение 10 лет будет указано на табличке, а также на обновленном сайте музея. Сейчас полотно реставрируется.

Метки: искусство, одесса, музей, АЯТ, запасник
04:30 02.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Одесском художественном музее отреставрируют еще один шедевр

Еще один шедевр из запасников Одесского художественного музея будет отреставрирован за счет мецената.

Об этом рассказал директор учреждения Александр Ройтбурд.


Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года
Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года

«Стартует процесс лечения, наверное, самого тяжелобольного экспоната, — говорит он. — Это «Христос и грешница» Людвига Веселовского, того самого, который написал «Две жертвы Тиберия». Реставраторы обещают через год вернуть полотно к жизни и в экспозицию».

Картина написана масляными красками на холсте. По словам Ройтбурда, реставрировать ее будут специалисты национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины Илья Поляков и Вадим Оноприенко. Профинансирует работу телеведущий Андрей Суханов («Говорит Украина»).

«Христос и грешница» — уже четвертое полотно из запасников ОХМ, восстановлением которого занялись после смены руководства музея. 11 мая публике представят картину Константина Маковского «Ромео и Джульетта». Она обрела новую раму. Кроме того, сейчас реставрируется «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской и «Мясо» Бориса Яковлева.

Ройтбурд также поделился планами по изменению экспозиции музея: «Мы с главным хранителем Людмилой Ереминой условно назвали грядущие перемены «раскрестьяниванием» — жанровая живопись передвижников и сценки из крестьянского быта ужмутся, чтобы большее место занял, например, некогда репрессированный салон», — отметил руководитель.

А еще Одесский художественный станет первым музеем Украины, в котором появится не просто автоматизированная система продажи билетов, а полноценный билетный принтер. Оборудование, программное обеспечение и клише учреждение получило тоже при поддержке меценатов, привлеченных волонтерской инициативой Museum for Change.

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
06:43 15.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Реставрация оперного театра в Баварии

В Баварии завершена реставрация Маркграфского оперного театра в Байройте, построенного в эпоху барокко и включенного в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Маркграфский оперный театр

Первый спектакль после завершения реставрации Маркграфского оперного театра (Markgräfliches Opernhaus) состоится в Байройте в четверг, 12 апреля. Премьерная публика увидит оперу Иоганна Адольфа Хассе "Артаксеркс", показом которой он был открыт в 1748 году.

Накануне премьеры в театр пригласили фотографов. Сначала посмотрим, на что были потрачены 30 миллионов евро из баварской государственной казны, а затем познакомимся с историей этого уникального места, а также с советами и рекомендациями одного из оперных певцов, выступавших на его сцене.

Отметим также, что большинству любителей классической музыки и знатоков Германии Байройт известен, в первую очередь, как место проведения Фестиваля музыки Рихарда Вагнера. Он проходит здесь — с некоторыми перерывами с 1876 года и постоянно с 1951 года — в специально построенном для этой цели при участии самого композитора театре — Фестивальном доме (Festspielhaus). Байройтский оперный театр появился в этом городе намного раньше.

Фотогалерея: Маркграфский оперный театр

  • Маркграфский оперный театр

    МАРКГРАФСКИЙ ОПЕРНЫЙ ТЕАТР

    Маркграфский оперный театр в Байройте, Бавария


В Европе осталось немного прекрасно сохранившихся оперных театров XVIII века, Маркграфский оперный театр (Markgräfliche Opernhaus) в баварском городе Байройт (Bayreuth) — один из них. В середине 2012 года он был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Уникальный памятник европейского барокко

Торжественное открытие театра состоялось в 1748 году. Его возвели всего за четыре года по заказу маркграфини Вильгельмины Прусской (Wilhelmine von Preußen) — любимой сестры Фридриха Великого (Friedrich der Große) и супруги маркграфа Фридриха Бранденбург-Байрейтского (Friedrich III. von Brandenburg-Bayreuth).

Считается, что этот храм оперного искусства предвосхитил появление театров для широкой публики в XIX веке. Его зал рассчитан на пятьсот зрителей. В нем до сих пор сохранились оригинальная отделка и интерьеры барочной эпохи. Уникальными считаются лепнина, великолепные занавесы из расписной ткани и ложи с резьбой по дереву.

Памятник маркграфине Вилгельмине

Памятник маркграфине Вилгельмине перед театром

Метки: искусство, реставрация, АЯТ, оперный театр
13:09 10.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Флейта — древнейший музыкальный инструмент

Флейта неспроста относится к одному из наиболее древнейших по происхождению музыкальных инструментов, ввиду того, что возрастной показатель археологических находок варьируется в пределах 35.000-40.000 лет. Данный инструмент в каждой стране мира сыскал своих сторонников, которые просто в восторге от игры на нем. Благодаря такой популярности, с течением времени флейты усовершенствовали, поэтому на сегодняшний день их ассортимент восхищает.

К сожалению, на сегодняшний день крайне сложно найти действительно виртуозного игрока на этом инструменте. А если верить статистическим данным, то во всем мире количество мастеров всего в 7.000 человек! И этот факт действительно печален, но если вы читаете данную статью значит заинтересованы в данном инструменте самолично либо желаете, чтобы ваш ребенок был обучен им. Именно поэтому предлагаю познакомиться с программой обучения в музыкальной школы "Вируозы" — здесь.

Немного истории:
Так, этот инструмент находится в Книге Рекордов именно благодаря своему возрастному показателю. Первые упоминания о ней свидетельствуют, о том, что ее истоки уходят в далекий 19 98 год, именно тогда на нее впервые наткнулся некто Иван Тюрк доктор палеонтологии Иван Тюрк.


Также, продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий была известна в Древнем Египте аккурат 5.000 лет назад, а в КНР — порядка 3.000 лет назад. Япония и Индия узнали о ней — более 2.000 лет назад.


Так мы уже говорили, инструмент частенько претерпевал изменения — одно из них: добавление к пальцевым отверстиям клапанов (XVII век) французскими мастерами, в число которых входит и небезызвестный Жак Оттетер. Благодаря расширенному новшеству, стало возможным воспроизводить на инструменте хроматический звукоряд.


Впрочем, век духовного инструмента был не долгим, ближе к концу XVIII данную разновидность флейты вытеснила на задний план поперечная, ввиду своих более эффективных функциональных возможностей.

Одним их передовых специалистов, который придал инструменту именно тот внешний вид и функциональные возможности, был Теобальд Бем, уроженец Германии, флейтист и по совместительству композитор. Следует отметить, что после осуществленных им действий по улучшению инструмента, в дальнейшем флейта не особо была видоизменена.


Примечательно и то, что во многих странах этот духовный инструмент получил собственную национальную разновидность. На практике это выглядит следующим образом: Инструмент Ирландии являет собой поперечное изделие самой классической системы, не имеющей в своем строении клапанов, чего нельзя сказать о кене — представляющая собой продольную тростниковую флейту Андского региона (Южная Америка). Еще одна разновидность: ди — древний Китайский инструмент (поперечный), изготовлен из бамбука, тростника, разных пород дерева и даже камня (нефрита) и др.

Интересный факт: По утверждениям ученых умов, получается, что игра на духовном инструменте весьма благотворно сказывается на положительно сказывается на общем состоянии здоровья, в том числе и на умственном развитии детей.

Эти инструменты на протяжении всего времени производили с различных материалов, которые только существуют в мире, начиная от костей животных и заканчивая шоколадом! Да, да — Вы не ослышались, именно из этого продукта!



Метки: музыка, история, искусство, инструмент, АЯТ, флейта
12:50 04.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Экспозиция голландской живописи

В ГМИИ имени А. С. Пушкина привезли шедевры из крупнейшего в мире частного собрания старой голландской живописи, принадлежащего Томасу Каплану и Дафне Реканати-Каплан.

Царь Давид на фоне Святого Петра

Это не просто искусство, созданное во времена Рембрандта и Вермеера (выставка, открывшаяся 28 марта, так и называется: «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции»), здесь присутствуют и сам Рембрандт Харменс ван Рейн — дюжиной живописных работ и рисунком «Отдых молодого льва» (1638-1642), и Ян Вермеер Делфтский, чья «Девушка за верджинелом» (1670-1672) из коллекции Капланов — единственный холст художника, находящийся в частных руках.

В экспозиции участвуют работы Геррита Дау, первого ученика Рембрандта, и автопортрет Говерта Флинка, одного из самых значительных его учеников; по несколько вещей лейденца Габриэла Метсю (по происхождению большинства художников коллекция и названа Лейденской) и ученика Дау Франса ван Мириса Старшего, включая его «Даму с попугаем» (1663), с которой современники снимали копии.

Здесь есть и третье поколение учеников, и четвертое — делфтских, утрехтских. На выставку привезли две работы Франса Халса из Харлема — трудно было коллекционеру удержаться от приятного дополнения. Как и от соблазна показать созданную Леонардо да Винчи голову медведя: считается, что в «Даме с горностаем» художник, никогда не видевший горностая, использовал рисунок той самой медвежьей головы, слегка ее удлинив.

В Белом зале Пушкинского музея выставлена живопись Яна Ливенса, друга и соперника Рембрандта, с которым тот делил мастерскую в Лейдене (в том числе блестящий его ранний автопортрет), а на галерее — «Давид и Урия» (1619) их с Рембрандтом общего учителя Питера Ластмана. Ластман, известный своей страстью к непопулярным ветхозаветным сюжетам, писал их как вполне исторические, перенося действие в знакомый и понятный контекст. Сцена, где царь Давид — разумеется, в плаще, подбитом горностаем, — передает обманутому супругу Вирсавии смертоносное письмо, изображена на фоне римской базилики Святого Петра.

Другой не часто цитируемый сюжет — ангел, который указывает обезумевшей от жажды Агари на источник, — написал Карел Фабрициус, самый талантливый ученик Рембрандта. «Явление ангела Агари» (около 1645 года), одна из главных здесь вещей, — единственная хранящаяся в частном собрании картина художника. Фабрициус, погибший молодым при взрыве порохового склада в Делфте (для тех, кто читал «Щегла» Донны Тарт, — речь в романе идет именно о его картине), успел очень мало: известно всего 16 его подтвержденных работ. Конкретно это полотно было продано в 1704 году как работа Фердинанда Бола (еще одного ученика Рембрандта, чьи холсты тоже привезли в ГМИИ), а в течение двух с половиной столетий, когда оно хранилось в австрийской коллекции графов Шенборн-Буххайм, его приписывали Рембрандту. Только в 2011-м при расчистке обнаружилась подпись Фабрициуса в левом углу.

Портрет за рудник

Начало Лейденской коллекции, которой — невозможно в это поверить! — всего-то 15 лет, было положено в 2003-м, когда американский предприниматель и филантроп Томас Каплан, глава нью-йоркской Electrum Group LLC и учредитель (вместе с супругой Дафной) фонда защиты от вымирания крупных кошачьих Pantera приобрел своего первого Геррита Дау — «Портрет Дирка ван Беренстайна» (около 1652 года), продав для этого серебряный рудник.

Главные завоевания — конечно, Рембрандт, которого у Капланов больше, чем у кого-либо из частных собирателей. У них и «Минерва» (1635), заставляющая вспомнить образцовых «рембрандтов» из Эрмитажа и Прадо, и «Девушка в расшитой золотом накидке», украденная в 1975-м из Музея изящных искусств в Бостоне и через 10 лет проданная на аукционе. Благодаря Рембрандту, увиденному в музее Метрополитен, шестилетний Томас Каплан пристрастился к старым голландцам, и в восемь родители взяли его в Амстердам. Ему было 44, когда он купил первых «рембрандтов». Покупал у дилеров, занимающихся старой живописью, редко на аукционах, считая невероятной удачей, что все эти вещи продавались: «Мне везло, потому что я очень быстро принимал решение».

Сейчас Томасу Каплану 55 лет, жене и того меньше, а Лейденская коллекция насчитывает 250 вещей, из которых 30 были показаны в 2017 году в Лувре, после этого вдвое больше — в Национальном музее Китая, и теперь 82 — у нас.

Вторая поразительная особенность Лейденской коллекции, после ее исключительного уровня, — открытость. Решив, что лучшее, что можно сделать с искусством, — предъявить его миру, супруги Каплан выставляли его в американских музеях анонимно. В музее Гетти в Лос-Анджелесе долго висел, например, «Мальчик в плаще и тюрбане» Ливенса без упоминания владельца. По мере накопления картин и знаний, проведения исследований и реставраций, чувствуя необходимость делиться информацией, владелец коллекции запустил сайт, где теперь можно увидеть полное собрание и узнать о нем все.

По картине в неделю

В 2015 году Капланы купили живописную панель «Пациент, упавший в обморок (Аллегория обоняния)» — одну из аллегорий четырех чувств, созданных 18-летним Рембрандтом, в дополнение к еще двум панелям, которые у них уже были. До 2015 года она считалась утерянной, как и «Аллегория вкуса», пока не всплыла на третьеразрядном американском аукционе под видом работы неизвестного автора с эстимейтом 500-800 долларов. Продана, правда, была почти за миллион.

Предвосхищая вопрос, связанный с Вермеером — потому что он всегда вызывает вопросы, сохранилось всего 36 его вещей, — следует объяснить, что на этот раз происхождение бесспорно: экспертиза подтвердила, что холст для картины был отрезан от того же рулона, что и для висящей в Лувре «Кружевницы». Другое дело, что шаль, в которую кутается девушка, дописана позже, другой рукой и заметно грубее.

Так или иначе, почти у каждого шедевра в Лейденской коллекции своя история, и отдельные из них тянут на детективы. Дело не только в неправильной атрибуции, хотя Каплан признается, что исправление ошибки обычно происходило в его пользу и еще ни разу он не прогадал при покупке. Просто за 300-350 лет существования шедевров с ними чего только не случалось. Особенно во времена Третьего рейха, когда гонения на евреев, которых хватало среди арт-дилеров, вынудили многих бежать, а кто-то и погиб, как голландский коллекционер Жак Гаудстиккер. Принадлежавшая ему картина Питера Ластмана была реквизирована в собрание Германа Геринга, после войны оказалась в голландском музее и лишь в 2006 году в результате многолетних судов возвратилась к наследнице дилера, проживающей в США. Тот же путь проделало «Жертвоприношение Ифигении» (1671) лейденского художника Яна Стена, а его «Притча о богаче и Лазаре» (1677), отданная владельцем картины за свое и своей семьи спасение в 1940 году, на пять лет попало к Гитлеру в Линц.

В Лейденской коллекции есть работы, украшавшие собрания короля Августа и герцога Орлеанского, висевшие в мюнхенской Старой пинакотеке. «Портрет сидящей женщины со скрещенными руками» (1658), атрибутируемый сейчас Рембрандту, а прежде считавшийся работой учеников, принадлежал семейству Гуггенхайм. Но для российских зрителей он важен еще тем, что позировала для него, похоже, та же модель, что и для рембрандтова «Портрета старушки», висящего по соседству с нынешней выставкой в ГМИИ.

Лейденская коллекция в целом выглядит здесь не случайной — и в Москве, где выставка работает до 22 июля, и тем более в Санкт-Петербурге, куда она отправится потом. Многое в ней напоминает об Эрмитаже — не только нам, но и владельцу сокровищ. Вспоминая счастливое время, когда они с женой покупали по картине в неделю, Томас Каплан замечает, что Екатерина II всю такую коллекцию могла бы купить за день. Некоторые из этих вещей как раз она и купила. Например, «Торговку селедью» (1964) Геррита Дау вместе с другими его работами, часть из которых — в том числе знаменитый «Старик, рассматривающий глобус», подаренный одному из братьев Орловых, — со временем все-таки вернулась в Эрмитаж. А «Торговка…», также подаренная фавориту, в конце 1920-х ушла на Запад. «Она изображена в своей лавке, где видны связки лука, пучки моркови, кочан красной капусты и бочка с сельдью. Женщина достает одну селедку и показывает ее мальчику, которому, очевидно, весьма хочется ее отведать», — говорится об этой картине в первом, рукописном еще каталоге Эрмитажа, где она значится под номером 534.

Дау много в Эрмитаже. Но миниатюрные образцы лейденской тонкой живописи (fijnschilderij), которую Дау фактически создал, задали отдельное направление и в Лейденской коллекции. Гладкая, как эмаль, поверхность, досконально выписанные мелочи, бытовые сценки, в деталях изображенные на доске или медной пластине — кабинетная живопись, всегда очень скромных размеров, редко писались на холстах, — все сделано c такой ювелирной точностью, что понятно, почему мастера тонкой живописи были так популярны при жизни.

Она и сейчас выглядит как кунштюк и показана здесь в отдельных витринах, как в кунсткамере. Ирина Соколова, куратор будущей эрмитажной выставки (куратором московской экспозиции стал заведующий отделом искусства старых мастеров ГМИИ Вадим Садков), считает, что собрание Капланов в целом «воплощает замысел, весьма сходный с кабинетами живописи европейских знатоков искусства XVII-XVIII веков». Выставленные в ряд, эти откровенные, пусть и невинные сцены — «Кошка, присевшая в мастерской художника» (1657) или «Молящийся старик» (около 1665-1670 годов), кажутся подсмотренными в замочную скважину и напоминают о вынужденной традиции протестантской Голландии не задергивать шторы в окнах, выставляя жизнь напоказ.

Метки: живопись, искусство, экспозиция, АЯТ
17:58 28.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

КОТЫ В ЖИВОПИСИ

Первые изображения домашних кошек относят к временам Древнего Египта. С тех пор как кошки прижились подле человека, они вошли не только в быт, но и в искусство. О пушистых питомцах, обитающих на страницах художественных произведений, мы уже поговорили, теперь пришло время обратиться к образу кошки в изобразительном искусстве.

древнеегипетский барельеф
На этом древнеегипетском барельефе человек охотится на птицу, причем в охоте участвует кот. Какую роль он выполнял — вспугивал ли дичь или приносил добычу — точно неизвестно

Кошки в древнем искусстве

В искусстве древних народов, прежде всего Древнего Египта, встречается множество изображений котов и кошек. Это связано не только с тем, что кошки почитались в Египте как священные животные, но и с тем, что их роль в жизни человека становилась незаменимой. Кошки помогали бороться со страшными паразитами, разносчиками болезней — крысами и мышами.

Изображения кошек в Римской империи

В искусстве греко-римского мира особенно привлекают внимание барельефы с изображением кошек на поводках. Эти изображения свидетельствуют, что кошки уже тогда были приручены и рассматривались в качестве домашних животных.

Кошка с куропаткой в пасти
Кошка с куропаткой в пасти. Римская мозаика
Грехопадение (фрагмент)
Грехопадение (фрагмент), Корнелиус ван Хаарлем, 1592 г. Государственный музей, Амстердам (Нидерланды)

Кошки в искусстве Средневековья и Возрождения

В средневековом искусстве кошка предстает как воплощение дьявола, и лишь на некоторых картинах мы видим доброе отношение к кошке как к домашнему питомцу. Вот такая парочка приютилась у корней древа познания — они символизируют животную природу, но в то же время более миролюбивы, чем змей-искуситель. Кошка служит символом быстротечности и непрочности земного бытия в противовес небесному. Постепенно отношение к кошкам меняется, и в моду входят портреты с этими домашними питомцами.

Двое детей дразнят кота
Двое детей дразнят кота, Агостино Карраччи, между 1588 и 1590 гг. Метрополитен— музей, Нью-Йорк (США)

Кошки в искусстве XIX в.

Особенной популярностью пользовалась тема домашних питомцев в Европе XIX в. Целый ряд работ посвятили этим очаровательным животным голландская художница Генриетта Роннер-Книп, французские художники Альфред Артур Б. де Нёрвиль, Теофиль Стейлен, английские живописцы Горацио Коулдри, Луис Уэйн, немецкий художник-анималист Юлиус Адам II, бельгийский художник Шарль Ван ден Эйкен II.

Четыре кота в разных позах
"Четыре кота в разных позах", Куниоши Утагава

Кошки в живописи Японии

Хотелось бы отдельно упомянуть о кошках в японской живописи. Их образ там столь же неоднозначен, как и само поведение кошек. С одной стороны, кошки предстают в образе хитрецов, пособников лис и даже оборотней. С другой стороны, считается, что кошка приносит счастье.

Вместе с тем кошка символизирует гармонию и равновесие. Трехцветные кошки (обратите внимание — темные пятна обязательно находятся в обрамлении рыжего или серого тона), по преданию, приносят своему владельцу счастье.

Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.
Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.

Кошки в человеческой одежде

Английский художник Луис Уэйн так любил рисовать кошек, что они стали для него универсальным образом, через который он воспринимал и передавал мир людей. Первоначально его кошки не носили одежек, но уже занимались чисто человеческими делами — играли в гольф, пели и танцевали. А на более поздних картинах они стали пародировать человеческое поведение и манеру одеваться. Уэйн признавался, что на самом деле скорее рисует людей, чем кошек, наделяя их кошачьими чертами. Он считал такие работы своими лучшими шутками.

Метки: коты, живопись, искусство, АЯТ
22:26 19.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Балет.Петипа

Матильда Кшесинская (справа) и Николай Солянников (слева) в балете Мариуса Петипа «Пробуждение Флоры»

«Окончательно исчез наш прекрасный балет, — писала "Северная пчела" в январе 1847 года. — Материально он еще существует. Есть прелестные танцовщицы, искусные танцоры, удивительный кордебалет, есть ежедневно распускающийся рассадник самых редких дарований; нет только в публике охоты смотреть на них. Единственным средством к возбуждению этой охоты было бы, может быть, сочинение новых, занимательных балетов, но для этого нужен новый Дидло, новый Прометей, новый гениальный хореограф, а теперь такого, кажется, нет во всей Европе».

До прибытия Мариуса Петипа в Петербург оставалось полгода.

Он еще только собирался в Россию. 28 лет, в долгах как в шелках, плюс проблемы с испанской и французской полицией. Работая до того в Мадриде и давая частные уроки танцев в одном благородном семействе, он закрутил роман с юной девицей; за матерью той девицы ухаживал французский посольский чиновник, быстро решивший, что Петипа посягает именно на его сокровище. Дуэль на пистолетах, раздробленная челюсть противника — и необходимость быстро убираться из Мадрида.

Вся предыдущая жизнь Петипа была жизнью бродячего человека театра: он, можно сказать, родился в кулисах. Отец — танцовщик, мать — актриса; старший брат стал танцовщиком, сестра актрисой. На свет Мариус Петипа появился в Марселе, затем семейство переехало в Брюссель, где наш герой впервые вышел на сцену (ему было пять лет). Никакого академического образования — Мариуса учил отец, и правильной постановке рук способствовали удары скрипичным смычком (в давние времена балетный класс шел под скрипку, а не под фортепиано). Смычки периодически ломались, мальчишка злился и заявлял, что не хочет заниматься танцами, ибо не мужское это занятие. Но тут вступала мать — она уговаривала ребенка терпеть и работать, и ребенок ее слушался. Семья кочевала: из Брюсселя в Антверпен, оттуда в Бордо. Когда Мариусу исполнилось девятнадцать, он получил собственный контракт в Нанте. Там он дебютировал как хореограф (получая 10 франков авторских за каждый спектакль), затем вернулся в Бордо уже как премьер, потом уехал в Испанию, где имел большой успех... И вот из Испании пришлось убегать как можно быстрее, пересекая границу под вымышленным именем. Контракт танцовщика, предложенный ему директором Императорских театров Гедеоновым (Дирекция постоянно искала таланты за рубежом), был как нельзя кстати. Петипа приехал в Россию. Бродячая жизнь закончилась. Следующие шестьдесят с лишним лет он будет принадлежать Петербургу.

Дебютировав в сентябре 1847 года сразу как танцовщик и как постановщик в «Пахите» (на спектакле был Николай I, одаривший нового артиста своего театра перстнем с восемнадцатью бриллиантами), Петипа работал чрезвычайно много. Он поставил в России более ста балетов — и вообще-то именно он создал тот «большой стиль», ту «большую классику», что ныне считается фундаментом русского классического балета.

«Лебединое озеро» первым поставил не он — мировая премьера была в Москве в 1877 году, спектакль выпускал хореограф Вацлав Рейзингер, и балет успеха не имел. То «Лебединое озеро», что сейчас известно всему свету, появилось лишь в 1895 году — и сделал его Петипа вместе со Львом Ивановым. Последний ставил сцены с белыми лебедями, Петипа — всю историю с лебедью черной. Зато «Спящая красавица» (премьера в 1890-м) принадлежала ему с первого такта. Он расписывал Чайковскому, сколько минут музыки нужно для того или другого танца, и гениальный композитор послушно работал по этой схеме. «Раймонда» (1898) предсказала поворот балета к мирискусническим красотам; менее всего известная широкой публике из «мировых балетов» и самая захватывающая сюжетно «Баядерка» (1878) поражает воображение контрастом буйных красок Индии и строгостью прозрачных привидений в акте «Теней». Шестьдесят лет работы Петипа — это эволюция балетной техники, фантастическое мастерство построения больших сцен (он мог и двести человек на сцену выпустить — и всем работа находилась), бешено работающая фантазия и прекрасное понимание того, что есть балетный человек. Он любил своих балерин и периодически разрешал им в своих балетах менять па на те, что они считали более выгодными для себя. Он сочинял балеты так, чтобы они были не только красивы, но и удобны для исполнения.

За долгую жизнь ему пришлось работать с разными начальниками (директорами Императорских театров), начиная с Александра Гедеонова, который в середине XIX века поразил его своей щедростью. Когда нищий Петипа в конце сезона прибыл в Петербург, ему выдали немалый аванс и четыре месяца платили зарплату просто так, пока не открылся сезон; хореограф все вспоминал, как в Нанте ему даже больничный со сломанной ногой пришлось выторговывать хитростью. И завершал свою работу Петипа с Владимиром Теляковским, который в начале ХХ века считал, что Петипа устарел и чем скорее удастся сдвинуть его в отставку, тем лучше. Своего добился, старик ушел в отставку, уехал в Гурзуф и там доживал последние годы. Большого прогресса в подведомственном двору балете после этого не случилось. Петипа яростно ревновал к поднимающейся славе Александра Горского (дирекция командировала того в Москву переносить балеты Петипа в Большой, а молодой хореограф не перенес, но основательно переделал «Дон Кихота» — и переделал так эффектно, что после и в Мариинском театре взяли его редакцию; подлинного спектакля Петипа не сохранилось, сейчас его пробуют восстанавливать балетмейстеры-реставраторы).

Он знал силу печатного слова; он придумывал о себе легенды; он вполне понимал, что такое театральная интрига, и мог ее ловко провернуть. Обе его жены — Мария Суровщикова и, после смерти первой, Любовь Савицкая — были танцовщицами; все его дети пошли служить в театр (сыновья — в драматический, дочери — в балетный). Он, принявший русское подданство только в 1894 году, собственно говоря, и являл собой русский балет — величественный, изобретательный, обидчивый и пылкий. Неудивительно, что ему часто приписывают вообще все старинные балеты — например, «Щелкунчик», который целиком поставил Лев Иванов. И естественно, что осваивающие наше национальное искусство зарубежные артисты периодически «крестят» его именем даже сочинения советских авторов. Поэт — Пушкин, фрукт — яблоко, балет — Петипа. И не поспоришь.

Метки: искусство, балет, АЯТ, Петипа
12:35 06.02.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Манчестерская галерея убрала из экспозиции картину, чтобы "поговорить о правах женщин". Музей обвинили в цензуре, картину пришлось вернуть

Манчестерская художественная галерея 26 января временно убрала из постоянной экспозиции картину Джона Уильяма Уотерхауса «Гилас и нимфы». Об этом решении представители музея сообщили в своем блоге. Сотрудники галереи записали на видео, как произведение Уотерхауса снимали со стены: в марте этот ролик станет частью выставки современной британской художницы Сони Бойс. На стене, где висела картина, разместили текст, объясняющий, что ее убрали, чтобы «вызвать дискуссию о том, как Манчестерская галерея демонстрирует и интерпретирует произведения из своей коллекции».

Прерафаэлит Джон Уильям Уотерхаус написал «Гилас и нимфы» в 1896 году. Основой для произведения послужил сюжет из древнегреческой мифологии: прекрасный юноша, любимец Геракла и участник похода Аргонавтов, отправился за водой к реке, где речные нимфы, пораженные его красотой, затащили Гиласа к себе на дно.

В тексте галереи говорилось, что на картинах из собрания музея женщина традиционно изображена или как «пассивная декоративная форма» — или как «роковая женщина». Куратор отдела современного искусства Клэр Гэннеуэй позднее добавила в комментарии в блоге галереи, что зал, в котором было размещено полотно Уотрехауса, называется «В погоне за красотой», и одна из целей сотрудников манчестерского музея — изменить представления о том, что женское тело является «пассивным объектом мужского потребления» и по-новому взглянуть на картины в 2018 году. Сообщение на стене, с которой убрали «Гиласа и нимф», завершалось призывом: «Давайте бросим вызов этой викторианской фантазии!» Открытки с изображением картины из сувенирного магазина музея тоже временно исчезли.

Посетителям предложили написать свое мнение на стикере и наклеить его на стену, где висела картина, а также разместить комментарий в музейном блоге или в твиттере с хэштегом #MAGSoniaBoyce. За несколько дней галерея получила около 800 комментариев в блоге и несколько тысяч отзывов по хэштегу. Большинство комментаторов требовали вернуть картину и обвиняли музей в цензуре и пуританстве. Стикеров, которые посетители оставляли на стене, тоже в основном содержали призывы вернуть картину.

1 февраля представители Манчестерской галереи ответили на обвинения в цензуре. Куратор Клэр Гэннеуэй заявила в комментарии The Guardian, что целью музея было не цензурировать искусство, а спровоцировать дискуссию: «Речь шла не о том, чтобы отрицать существование конкретных работ. <…> Дело не только в этой картине, а в том контексте, в котором существует галерея». По словам Гэннеуэй, решение снять картину связано с широким обсуждением движений против объективации и эксплуатации женщин — Timeʼs Up, #MeToo и скандала на британском аукционе The Presidents Club, где более 30 лет проводился закрытый ужин только для мужчин и гости домогались официанток.

Как пишет «Би-би-си», на заявления галереи посетители отреагировали стикерами на стене со словами «Феминизм сошел с ума» и «Создавайте и показывайте искусство, которое отражает сегодняшние идеологии, наравне со старым. Места хватит и для того, и для другого».

Искусствовед Лиз Преттеджон, которая курировала выставку Уотерхауса в Лондоне в 2009 году, сказала «Би-би-си»: «Изъятие из экспозиции — это убийство любых дебатов, которые могли возникнуть вокруг по-настоящему интересных проблем сексуальности и гендерных отношений».

2 февраля Манчестерская художественная галерея выпустила пресс-релиз, в котором объявила, что снятие полотна Уотерхауса было частью совместного проекта галереи и художницы Сони Бойс из Лондона, которая, в частности, занимается перформансом с элементами импровизации и видеоартом. Новая работа Бойс нацелена на то, чтобы объединять группы людей в разных ситуациях и исследовать, какую это вызовет реакцию. Изъятие картины Уотерхауса стало частью перформанса Бойс, запись которого продемонстрируют на ее персональной выставке 23 марта.

В пресс-релизе сообщается, что, «учитывая, какое широкое обсуждение вызвал акт снятия картины, галерея планирует провести серию мероприятий, чтобы открыто обсудить этот и более глобальные вопросы». Временный директор галереи Аманда Уоллес заявила, что представители галереи были поражены «глубиной и диапазоном чувств, которые у посетителей вызвало удаление „Гиласа и нимф“». 3 февраля музей вернул картину на ее старое место — прямо поверх стикеров с записками посетителей.

Метки: искусство, музей, АЯТ, предложение к диалогу, спорная картина
12:20 24.12.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник-иллюстратор Mila Marguis

Художник-иллюстратор Мила Маркос (Mila Marquis) живет и работает в Германии, в городе Гамбург. У нее дома прекрасно "уживаются" двое замечательных сыновей, собака, мышки и черепаха. Рисунки этой художницы светлые, добрые, они создают у нас ощущение счастья и радости. "Мечтать! Летать! И думать о прекрасном!" — говорит о своих работах Мила. Мне, например, ее девочки напоминают кукол Тильд, которых я очень люблю. А еще детские рисунки сказочных принцесс и волшебных фей.
Думаю, всем маленьким и не очень девочкам понравятся ее работы. Вот только почему же Мила не рисует еще и счастливых толстеньких феечек? Жаль...

Метки: искусство, иллюстрации, АЯТ
14:25 21.11.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Гиперреалистичные картины художника Игаля Озери

Игаль Озери (Yigal Ozeri)израильский художник, живущий и работающий в Нью-Йорке. Он известен своими крупными кинематографическими портретами молодых женщин на фоне пейзажей. Его работы представляют собой фотореалистичные картины, написанные маслом.


Высочайший уровень детализации просто обескураживает. Чтобы поверить, что художник писал картины, а не снимал на цифровую фотокамеру, нужно очень тщательно всматриваться в полотна, убеждаясь, что они были кропотливо созданы кистью мастера.


Автор сначала фотографирует своих моделей на фоне природы, после чего редактирует снимки в фоторедакторе, а затем воссоздаёт их масляными красками. В своём творчестве Игаль Озери вдохновляется эстетикой английских художников XIX века.













Метки: искусство, картины, реализм, АЯТ, Игаль Озери
18:57 18.11.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Музыка Генделя

Aria Larghetto

Звучал орган и вслед ему
Струился звук виолончели,
Как будто Божии качели
Спустились к сердцу моему.
Качался звук к себе маня,
Под своды храмового зала,
И я почти уже не знала
Где я и как зовут меня.
Мне чудился старинный сад,
Осенним кружевом увитый,
Деревья став придворной свитой
За мною плыли чинно в ряд.
Я по аллее золотой
Шла с кем-то, очень мной любимым,
Был мир вокруг необозримым,
Как за небесною чертой.

И голос что-то мне шептал,
Преображаясь лаской нежной
И я была как будто прежней,
А на щеках румянец ал

Ещё горел. И сердца стук,
В груди звучал что было силы…
И ветром встречным доносило
МузЫки томной чистый звук.

Что это было? Явь иль сон?
Ларгетто Генделя звучало!
Мне вечной жизни обещало
Под сводом зала, средь колонн.

И не было надёжней уз —
Шедевров истинный творитель,
И безупречный исполнитель,
И зритель – обожатель муз!

Валентина Назарова

Метки: музыка, фото, стихи, искусство, ролик, АЯТ, Гендель
12:46 21.10.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Сальвадор Дали.Картина "Рога носорога"

Испанский живописец Сальвадор Дали любил писать свои картины в весьма необычных местах, и именно в таком месте была написана его работа «Рога носорогов». Эта картина была написана 30 апреля 1955 года в зоопарке, где художник расположился в вольере с носорогом по кличке Франсуа. Обстоятельства, при которых творил великий художник, и вовсе поражают. На его голове стояла корочка хлеба, которую он пытался удержать всеми силами, рядом с ним лежала другая его работа «Кружевница», сам Дали сидел на тачке, а его помощники всячески дразнили носорога, чтобы тот проткнул холст своим рогом. Художник оказался очень доволен результатом, а чтобы работа была закончена до конца, он самостоятельно проткнул ее пикой, так как животное наотрез отказалось это делать.

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)


Метки: искусство, Сальвадор Дали, АЯТ
19:08 25.09.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из флоры — фауна

Насколько удивительна человеческая фантазия, чтобы догадаться сделать из флоры фауну.

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)
Метки: искусство, поделки, АЯТ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Анастасия Бузько
Войти