Мне подарили

22:38 04.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Зловещая "Анатомия": в одесском музее выставлены картины с фрагментами расчлененных тел

До 23 мая в Художественном музее (Софиевская, 5а) будет работать выставка известной украинской художницы Влады Ралко. За последние 15 лет автор создала немало полотен, в которых арт-критики видят «препарирование действительности» и «разрушение устойчивых форм».

Неподготовленный зритель будет шокирован сюжетами картин с фонтанирующими кровью фрагментами тел, стреляющими скелетами, прозрачными биороботами, лоскутами снятой кожи… Влада Ралко, как и подобает настоящему художнику, остро ощущает, что жизнь – боль, ее душа уж точно без кожи. Влада – участница Одесской международной биеннале современного искусства и обладательница премии Всеукраинской триеннале живописи. Как и любой художник, она училась рисовать человеческое тело как с натуры, так и по анатомическим моделям.

«Однажды я тайно взяла костяк человеческой ноги домой, так как не успевала нарисовать его в школе, — вспоминает Влада. – Я везла его завернутым в рулон бумаги, на котором собиралась рисовать. Внезапно поезд метро затормозил, и то, что было человеческой ногой, выпало из рулона на пол. Люди, стоявшие рядом, отпрянули с ужасом. Для меня же этот фрагмент скелета не представлялся страшным – он был будничным объектом, рутинной натурой».


Новый директор музея, Александр Ройтбурд, и сам написал немало картин с рассеченными и даже как будто самовольно отпочковавшимися фрагментами тел, а в одном из проектов использовал фото из анатомического театра. «Героями анатомических таблиц, которые потрясены тайнами собственного строения» называет своих персонажей Влада Ралко. Тут нет противоречия, однако, хоть и вход на выставку с детьми не воспрещается, на наш взгляд, «анатомия» адресована прежде всего взрослому, думающему зрителю.

С другой стороны, в прежние годы в выставочных залах демонстрировалось немало китчевого искусства. И от детей его не прятали.

Автор — Ирэн Адлер, фото Владимира Андреева

Метки: выставка, искусство, АЯТ, современность, жуть и кошмар
21:29 03.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из запасников одесского Худмузея

Новый директор Одесского художественного музея Александр Ройтбурд на своей странице в «Фейсбуке» последовательно привлекает внимание к тем музейным экспонатам, которые долгое время хранятся в фондах, не попадая на глаза зрителям. Одним требуется реставрация, другие в достаточно хорошем состоянии (но идеологические причины заставили их убрать подальше), третьим попросту не хватило места в постоянной экспозиции, но каждая из них хранит свою историю. «Думская» выбрала двадцать лучших шедевров из запасников учреждения и предлагает воспользоваться возможностью виртуально приобщиться к прекрасному!

Номером первым в нашей двадцатке — благостная картина Алессандро Риццони «В Ватикане». Алессандро Риццони — итальянец, российский академик, принимавший активное участие в формировании знаменитой коллекции Третьякова. Религиозность не помешала Риццони впасть в грех самоубийства после того как в журнале «Мир искусства» в 1901 году критик Альфред Нурок назвал его самым худшим из всех современных художников, позором русского искусства и призвал общество избавиться от всех его работ. Не выдержав такой несправедливой жестокости, живописец наложил на себя руки на исторической родине, в Риме, в 1902 году. Страшно подумать, что бы с ним сталось, обвини его кто-нибудь, как Ройтбурда, в рисовании гениталий фекалиями…


Второй номер присваиваем идиллически-красивому, откровенно салонному «Пастушку» (1863) художника-передвижника Василия Перова. В запасники полотно «загремело» еще при советской власти, так как Перова хотели видеть в первую очередь певцом тяжелой народной доли («Тройка», «Проводы покойника», «Приезд станового на следствие»), а не салонным живописцем.

Третий номер – сам Илья Репин, картина «Арабы в пустыне» (1870). Название, скорее всего, дано по недоразумению или чтобы намеренно скрыть истинный смысл, так как в композиции явственно просматриваются ни разу не арабы, а Моисей (с посохом), коленопреклоненный Аарон и сидящая прокаженная Мариам, плюс манна небесная в тарелке на переднем плане. А на заднем плане видим гору Синай. Совсем не арабы…

На четвертом месте – варшавянин и живописец-академист Людвиг Веселовский со своей картиной «Две жертвы Тиберия» (1883). Грешный римский император, содомит и насильник, вел столь изощренно-разнузданный образ жизни, что за подробностями, друзья, обращайтесь к музейным экскурсоводам, когда полотно вернется в постоянную экспозицию.

Под номером пять — комсомольская «Юность» Юрия Егорова (1967), одесского живописца, чья выставка проходит в Киеве в Национальном художественном музее Украины.

«Его имя, а тем более творчество, к сожалению, не очень известны киевлянам, — комментирует экспонат Александр Ройтбурд. — А он был самым значимым художником Одессы второй половины ХХ века, живописцем мирового класса. Для одесской школы он был тем же, чем Яблонская для киевской. Понять одесскую школу без Егорова нельзя — ни официальное искусство того времени, ни одесский нонконформизм, ни Хруща, ни Ястреб, ни Фрейдина, ни Басанца, ни Дульфана, ни Шопина, ни Ануфриева-старшего, ни, кстати, Сергея Ануфриева, ни многих других, в том числе Ройтбурда. Я называл Егорова богом одесской живописи».

Шестой номер из запасников ОХМ — снова Юрий Егоров, тревожное полотно «1918 год». Искусствовед Татьяна Басанец увидела в коллективном герое «грядущего хама».

Номер семь – снова Юрий Егоров, «Лето» (1967).

Под восьмым номером уже последний в нашей двадцатке шедевр Юрия Егорова «Девушка, выходящая из воды» (1969) – тонкая талия и прочие прелести фигуры девушки на фоне игры лучей на морской воде.

Девятый номер в экспозицию можно и не возвращать, и так все ясно: Вячеслав Токарев «Октябрь на рабочей окраине».

Десятый номер обязательно вернуть бы: как-никак, это работа члена Общества независимых художников, одессита Павла Нитше. Картина «К идеалу» — это образец дерзкого нового искусства 1914 года. Эмигрировал, окончил жизнь в 1950 году в Ирландии – в советское время таких авторов старались в постоянную экспозицию не пущать.

На одиннадцатом месте — картина, которую мы бы и сами в экспозицию не пустили. Художник (или художница) Лазаренко (имя уточняется) в оптимистичной соцреалистической манере изобразил (-а) добрых
Лазаря Моисеевича и Никиту Сергеевича со счастливыми трудящимися. Сюжет, прямо скажем, не опередил свое время.

Двенадцатое место – глоток свежего воздуха, картина на века, работа неизвестного автор XVIII столетия «Мальчик с птичкой». Охота считалась достойным занятием для благородного ребенка в те времена. Не спешите осуждать!

Тринадцатый номер совсем не случайно мы присваиваем портрету Сталина работы Исаака Бродского. Это вам не сахарный Лазарь Моисеевич с номера одиннадцатого, это работа крупного мастера.

Четырнадцатый номер – «Революционерка» Юлия Бершадского (1900-е годы), неоднозначный и содержательный женский типаж, долгое время присутствовавший в постоянной экспозиции, затем убранный в запасники. А может, вернуть?

Под пятнадцатым номером – нуждающаяся в реставрации «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской (1939), студенческая работа классика украинской живописи. Ройтбурд обещает, что имя подарившего работе вторую жизнь в течение 10 лет будет указано на табличке, а также на обновленном сайте музея. Сейчас полотно реставрируется.

Метки: искусство, одесса, музей, АЯТ, запасник
04:30 02.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Одесском художественном музее отреставрируют еще один шедевр

Еще один шедевр из запасников Одесского художественного музея будет отреставрирован за счет мецената.

Об этом рассказал директор учреждения Александр Ройтбурд.


Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года
Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года

«Стартует процесс лечения, наверное, самого тяжелобольного экспоната, — говорит он. — Это «Христос и грешница» Людвига Веселовского, того самого, который написал «Две жертвы Тиберия». Реставраторы обещают через год вернуть полотно к жизни и в экспозицию».

Картина написана масляными красками на холсте. По словам Ройтбурда, реставрировать ее будут специалисты национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины Илья Поляков и Вадим Оноприенко. Профинансирует работу телеведущий Андрей Суханов («Говорит Украина»).

«Христос и грешница» — уже четвертое полотно из запасников ОХМ, восстановлением которого занялись после смены руководства музея. 11 мая публике представят картину Константина Маковского «Ромео и Джульетта». Она обрела новую раму. Кроме того, сейчас реставрируется «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской и «Мясо» Бориса Яковлева.

Ройтбурд также поделился планами по изменению экспозиции музея: «Мы с главным хранителем Людмилой Ереминой условно назвали грядущие перемены «раскрестьяниванием» — жанровая живопись передвижников и сценки из крестьянского быта ужмутся, чтобы большее место занял, например, некогда репрессированный салон», — отметил руководитель.

А еще Одесский художественный станет первым музеем Украины, в котором появится не просто автоматизированная система продажи билетов, а полноценный билетный принтер. Оборудование, программное обеспечение и клише учреждение получило тоже при поддержке меценатов, привлеченных волонтерской инициативой Museum for Change.

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
06:43 15.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Реставрация оперного театра в Баварии

В Баварии завершена реставрация Маркграфского оперного театра в Байройте, построенного в эпоху барокко и включенного в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Маркграфский оперный театр

Первый спектакль после завершения реставрации Маркграфского оперного театра (Markgräfliches Opernhaus) состоится в Байройте в четверг, 12 апреля. Премьерная публика увидит оперу Иоганна Адольфа Хассе "Артаксеркс", показом которой он был открыт в 1748 году.

Накануне премьеры в театр пригласили фотографов. Сначала посмотрим, на что были потрачены 30 миллионов евро из баварской государственной казны, а затем познакомимся с историей этого уникального места, а также с советами и рекомендациями одного из оперных певцов, выступавших на его сцене.

Отметим также, что большинству любителей классической музыки и знатоков Германии Байройт известен, в первую очередь, как место проведения Фестиваля музыки Рихарда Вагнера. Он проходит здесь — с некоторыми перерывами с 1876 года и постоянно с 1951 года — в специально построенном для этой цели при участии самого композитора театре — Фестивальном доме (Festspielhaus). Байройтский оперный театр появился в этом городе намного раньше.

Фотогалерея: Маркграфский оперный театр

  • Маркграфский оперный театр

    МАРКГРАФСКИЙ ОПЕРНЫЙ ТЕАТР

    Маркграфский оперный театр в Байройте, Бавария


В Европе осталось немного прекрасно сохранившихся оперных театров XVIII века, Маркграфский оперный театр (Markgräfliche Opernhaus) в баварском городе Байройт (Bayreuth) — один из них. В середине 2012 года он был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Уникальный памятник европейского барокко

Торжественное открытие театра состоялось в 1748 году. Его возвели всего за четыре года по заказу маркграфини Вильгельмины Прусской (Wilhelmine von Preußen) — любимой сестры Фридриха Великого (Friedrich der Große) и супруги маркграфа Фридриха Бранденбург-Байрейтского (Friedrich III. von Brandenburg-Bayreuth).

Считается, что этот храм оперного искусства предвосхитил появление театров для широкой публики в XIX веке. Его зал рассчитан на пятьсот зрителей. В нем до сих пор сохранились оригинальная отделка и интерьеры барочной эпохи. Уникальными считаются лепнина, великолепные занавесы из расписной ткани и ложи с резьбой по дереву.

Памятник маркграфине Вилгельмине

Памятник маркграфине Вилгельмине перед театром

Метки: искусство, реставрация, АЯТ, оперный театр
13:09 10.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Флейта — древнейший музыкальный инструмент

Флейта неспроста относится к одному из наиболее древнейших по происхождению музыкальных инструментов, ввиду того, что возрастной показатель археологических находок варьируется в пределах 35.000-40.000 лет. Данный инструмент в каждой стране мира сыскал своих сторонников, которые просто в восторге от игры на нем. Благодаря такой популярности, с течением времени флейты усовершенствовали, поэтому на сегодняшний день их ассортимент восхищает.

К сожалению, на сегодняшний день крайне сложно найти действительно виртуозного игрока на этом инструменте. А если верить статистическим данным, то во всем мире количество мастеров всего в 7.000 человек! И этот факт действительно печален, но если вы читаете данную статью значит заинтересованы в данном инструменте самолично либо желаете, чтобы ваш ребенок был обучен им. Именно поэтому предлагаю познакомиться с программой обучения в музыкальной школы "Вируозы" — здесь.

Немного истории:
Так, этот инструмент находится в Книге Рекордов именно благодаря своему возрастному показателю. Первые упоминания о ней свидетельствуют, о том, что ее истоки уходят в далекий 19 98 год, именно тогда на нее впервые наткнулся некто Иван Тюрк доктор палеонтологии Иван Тюрк.


Также, продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий была известна в Древнем Египте аккурат 5.000 лет назад, а в КНР — порядка 3.000 лет назад. Япония и Индия узнали о ней — более 2.000 лет назад.


Так мы уже говорили, инструмент частенько претерпевал изменения — одно из них: добавление к пальцевым отверстиям клапанов (XVII век) французскими мастерами, в число которых входит и небезызвестный Жак Оттетер. Благодаря расширенному новшеству, стало возможным воспроизводить на инструменте хроматический звукоряд.


Впрочем, век духовного инструмента был не долгим, ближе к концу XVIII данную разновидность флейты вытеснила на задний план поперечная, ввиду своих более эффективных функциональных возможностей.

Одним их передовых специалистов, который придал инструменту именно тот внешний вид и функциональные возможности, был Теобальд Бем, уроженец Германии, флейтист и по совместительству композитор. Следует отметить, что после осуществленных им действий по улучшению инструмента, в дальнейшем флейта не особо была видоизменена.


Примечательно и то, что во многих странах этот духовный инструмент получил собственную национальную разновидность. На практике это выглядит следующим образом: Инструмент Ирландии являет собой поперечное изделие самой классической системы, не имеющей в своем строении клапанов, чего нельзя сказать о кене — представляющая собой продольную тростниковую флейту Андского региона (Южная Америка). Еще одна разновидность: ди — древний Китайский инструмент (поперечный), изготовлен из бамбука, тростника, разных пород дерева и даже камня (нефрита) и др.

Интересный факт: По утверждениям ученых умов, получается, что игра на духовном инструменте весьма благотворно сказывается на положительно сказывается на общем состоянии здоровья, в том числе и на умственном развитии детей.

Эти инструменты на протяжении всего времени производили с различных материалов, которые только существуют в мире, начиная от костей животных и заканчивая шоколадом! Да, да — Вы не ослышались, именно из этого продукта!



Метки: музыка, история, искусство, инструмент, АЯТ, флейта
12:50 04.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Экспозиция голландской живописи

В ГМИИ имени А. С. Пушкина привезли шедевры из крупнейшего в мире частного собрания старой голландской живописи, принадлежащего Томасу Каплану и Дафне Реканати-Каплан.

Царь Давид на фоне Святого Петра

Это не просто искусство, созданное во времена Рембрандта и Вермеера (выставка, открывшаяся 28 марта, так и называется: «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции»), здесь присутствуют и сам Рембрандт Харменс ван Рейн — дюжиной живописных работ и рисунком «Отдых молодого льва» (1638-1642), и Ян Вермеер Делфтский, чья «Девушка за верджинелом» (1670-1672) из коллекции Капланов — единственный холст художника, находящийся в частных руках.

В экспозиции участвуют работы Геррита Дау, первого ученика Рембрандта, и автопортрет Говерта Флинка, одного из самых значительных его учеников; по несколько вещей лейденца Габриэла Метсю (по происхождению большинства художников коллекция и названа Лейденской) и ученика Дау Франса ван Мириса Старшего, включая его «Даму с попугаем» (1663), с которой современники снимали копии.

Здесь есть и третье поколение учеников, и четвертое — делфтских, утрехтских. На выставку привезли две работы Франса Халса из Харлема — трудно было коллекционеру удержаться от приятного дополнения. Как и от соблазна показать созданную Леонардо да Винчи голову медведя: считается, что в «Даме с горностаем» художник, никогда не видевший горностая, использовал рисунок той самой медвежьей головы, слегка ее удлинив.

В Белом зале Пушкинского музея выставлена живопись Яна Ливенса, друга и соперника Рембрандта, с которым тот делил мастерскую в Лейдене (в том числе блестящий его ранний автопортрет), а на галерее — «Давид и Урия» (1619) их с Рембрандтом общего учителя Питера Ластмана. Ластман, известный своей страстью к непопулярным ветхозаветным сюжетам, писал их как вполне исторические, перенося действие в знакомый и понятный контекст. Сцена, где царь Давид — разумеется, в плаще, подбитом горностаем, — передает обманутому супругу Вирсавии смертоносное письмо, изображена на фоне римской базилики Святого Петра.

Другой не часто цитируемый сюжет — ангел, который указывает обезумевшей от жажды Агари на источник, — написал Карел Фабрициус, самый талантливый ученик Рембрандта. «Явление ангела Агари» (около 1645 года), одна из главных здесь вещей, — единственная хранящаяся в частном собрании картина художника. Фабрициус, погибший молодым при взрыве порохового склада в Делфте (для тех, кто читал «Щегла» Донны Тарт, — речь в романе идет именно о его картине), успел очень мало: известно всего 16 его подтвержденных работ. Конкретно это полотно было продано в 1704 году как работа Фердинанда Бола (еще одного ученика Рембрандта, чьи холсты тоже привезли в ГМИИ), а в течение двух с половиной столетий, когда оно хранилось в австрийской коллекции графов Шенборн-Буххайм, его приписывали Рембрандту. Только в 2011-м при расчистке обнаружилась подпись Фабрициуса в левом углу.

Портрет за рудник

Начало Лейденской коллекции, которой — невозможно в это поверить! — всего-то 15 лет, было положено в 2003-м, когда американский предприниматель и филантроп Томас Каплан, глава нью-йоркской Electrum Group LLC и учредитель (вместе с супругой Дафной) фонда защиты от вымирания крупных кошачьих Pantera приобрел своего первого Геррита Дау — «Портрет Дирка ван Беренстайна» (около 1652 года), продав для этого серебряный рудник.

Главные завоевания — конечно, Рембрандт, которого у Капланов больше, чем у кого-либо из частных собирателей. У них и «Минерва» (1635), заставляющая вспомнить образцовых «рембрандтов» из Эрмитажа и Прадо, и «Девушка в расшитой золотом накидке», украденная в 1975-м из Музея изящных искусств в Бостоне и через 10 лет проданная на аукционе. Благодаря Рембрандту, увиденному в музее Метрополитен, шестилетний Томас Каплан пристрастился к старым голландцам, и в восемь родители взяли его в Амстердам. Ему было 44, когда он купил первых «рембрандтов». Покупал у дилеров, занимающихся старой живописью, редко на аукционах, считая невероятной удачей, что все эти вещи продавались: «Мне везло, потому что я очень быстро принимал решение».

Сейчас Томасу Каплану 55 лет, жене и того меньше, а Лейденская коллекция насчитывает 250 вещей, из которых 30 были показаны в 2017 году в Лувре, после этого вдвое больше — в Национальном музее Китая, и теперь 82 — у нас.

Вторая поразительная особенность Лейденской коллекции, после ее исключительного уровня, — открытость. Решив, что лучшее, что можно сделать с искусством, — предъявить его миру, супруги Каплан выставляли его в американских музеях анонимно. В музее Гетти в Лос-Анджелесе долго висел, например, «Мальчик в плаще и тюрбане» Ливенса без упоминания владельца. По мере накопления картин и знаний, проведения исследований и реставраций, чувствуя необходимость делиться информацией, владелец коллекции запустил сайт, где теперь можно увидеть полное собрание и узнать о нем все.

По картине в неделю

В 2015 году Капланы купили живописную панель «Пациент, упавший в обморок (Аллегория обоняния)» — одну из аллегорий четырех чувств, созданных 18-летним Рембрандтом, в дополнение к еще двум панелям, которые у них уже были. До 2015 года она считалась утерянной, как и «Аллегория вкуса», пока не всплыла на третьеразрядном американском аукционе под видом работы неизвестного автора с эстимейтом 500-800 долларов. Продана, правда, была почти за миллион.

Предвосхищая вопрос, связанный с Вермеером — потому что он всегда вызывает вопросы, сохранилось всего 36 его вещей, — следует объяснить, что на этот раз происхождение бесспорно: экспертиза подтвердила, что холст для картины был отрезан от того же рулона, что и для висящей в Лувре «Кружевницы». Другое дело, что шаль, в которую кутается девушка, дописана позже, другой рукой и заметно грубее.

Так или иначе, почти у каждого шедевра в Лейденской коллекции своя история, и отдельные из них тянут на детективы. Дело не только в неправильной атрибуции, хотя Каплан признается, что исправление ошибки обычно происходило в его пользу и еще ни разу он не прогадал при покупке. Просто за 300-350 лет существования шедевров с ними чего только не случалось. Особенно во времена Третьего рейха, когда гонения на евреев, которых хватало среди арт-дилеров, вынудили многих бежать, а кто-то и погиб, как голландский коллекционер Жак Гаудстиккер. Принадлежавшая ему картина Питера Ластмана была реквизирована в собрание Германа Геринга, после войны оказалась в голландском музее и лишь в 2006 году в результате многолетних судов возвратилась к наследнице дилера, проживающей в США. Тот же путь проделало «Жертвоприношение Ифигении» (1671) лейденского художника Яна Стена, а его «Притча о богаче и Лазаре» (1677), отданная владельцем картины за свое и своей семьи спасение в 1940 году, на пять лет попало к Гитлеру в Линц.

В Лейденской коллекции есть работы, украшавшие собрания короля Августа и герцога Орлеанского, висевшие в мюнхенской Старой пинакотеке. «Портрет сидящей женщины со скрещенными руками» (1658), атрибутируемый сейчас Рембрандту, а прежде считавшийся работой учеников, принадлежал семейству Гуггенхайм. Но для российских зрителей он важен еще тем, что позировала для него, похоже, та же модель, что и для рембрандтова «Портрета старушки», висящего по соседству с нынешней выставкой в ГМИИ.

Лейденская коллекция в целом выглядит здесь не случайной — и в Москве, где выставка работает до 22 июля, и тем более в Санкт-Петербурге, куда она отправится потом. Многое в ней напоминает об Эрмитаже — не только нам, но и владельцу сокровищ. Вспоминая счастливое время, когда они с женой покупали по картине в неделю, Томас Каплан замечает, что Екатерина II всю такую коллекцию могла бы купить за день. Некоторые из этих вещей как раз она и купила. Например, «Торговку селедью» (1964) Геррита Дау вместе с другими его работами, часть из которых — в том числе знаменитый «Старик, рассматривающий глобус», подаренный одному из братьев Орловых, — со временем все-таки вернулась в Эрмитаж. А «Торговка…», также подаренная фавориту, в конце 1920-х ушла на Запад. «Она изображена в своей лавке, где видны связки лука, пучки моркови, кочан красной капусты и бочка с сельдью. Женщина достает одну селедку и показывает ее мальчику, которому, очевидно, весьма хочется ее отведать», — говорится об этой картине в первом, рукописном еще каталоге Эрмитажа, где она значится под номером 534.

Дау много в Эрмитаже. Но миниатюрные образцы лейденской тонкой живописи (fijnschilderij), которую Дау фактически создал, задали отдельное направление и в Лейденской коллекции. Гладкая, как эмаль, поверхность, досконально выписанные мелочи, бытовые сценки, в деталях изображенные на доске или медной пластине — кабинетная живопись, всегда очень скромных размеров, редко писались на холстах, — все сделано c такой ювелирной точностью, что понятно, почему мастера тонкой живописи были так популярны при жизни.

Она и сейчас выглядит как кунштюк и показана здесь в отдельных витринах, как в кунсткамере. Ирина Соколова, куратор будущей эрмитажной выставки (куратором московской экспозиции стал заведующий отделом искусства старых мастеров ГМИИ Вадим Садков), считает, что собрание Капланов в целом «воплощает замысел, весьма сходный с кабинетами живописи европейских знатоков искусства XVII-XVIII веков». Выставленные в ряд, эти откровенные, пусть и невинные сцены — «Кошка, присевшая в мастерской художника» (1657) или «Молящийся старик» (около 1665-1670 годов), кажутся подсмотренными в замочную скважину и напоминают о вынужденной традиции протестантской Голландии не задергивать шторы в окнах, выставляя жизнь напоказ.

Метки: живопись, искусство, экспозиция, АЯТ
17:58 28.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

КОТЫ В ЖИВОПИСИ

Первые изображения домашних кошек относят к временам Древнего Египта. С тех пор как кошки прижились подле человека, они вошли не только в быт, но и в искусство. О пушистых питомцах, обитающих на страницах художественных произведений, мы уже поговорили, теперь пришло время обратиться к образу кошки в изобразительном искусстве.

древнеегипетский барельеф
На этом древнеегипетском барельефе человек охотится на птицу, причем в охоте участвует кот. Какую роль он выполнял — вспугивал ли дичь или приносил добычу — точно неизвестно

Кошки в древнем искусстве

В искусстве древних народов, прежде всего Древнего Египта, встречается множество изображений котов и кошек. Это связано не только с тем, что кошки почитались в Египте как священные животные, но и с тем, что их роль в жизни человека становилась незаменимой. Кошки помогали бороться со страшными паразитами, разносчиками болезней — крысами и мышами.

Изображения кошек в Римской империи

В искусстве греко-римского мира особенно привлекают внимание барельефы с изображением кошек на поводках. Эти изображения свидетельствуют, что кошки уже тогда были приручены и рассматривались в качестве домашних животных.

Кошка с куропаткой в пасти
Кошка с куропаткой в пасти. Римская мозаика
Грехопадение (фрагмент)
Грехопадение (фрагмент), Корнелиус ван Хаарлем, 1592 г. Государственный музей, Амстердам (Нидерланды)

Кошки в искусстве Средневековья и Возрождения

В средневековом искусстве кошка предстает как воплощение дьявола, и лишь на некоторых картинах мы видим доброе отношение к кошке как к домашнему питомцу. Вот такая парочка приютилась у корней древа познания — они символизируют животную природу, но в то же время более миролюбивы, чем змей-искуситель. Кошка служит символом быстротечности и непрочности земного бытия в противовес небесному. Постепенно отношение к кошкам меняется, и в моду входят портреты с этими домашними питомцами.

Двое детей дразнят кота
Двое детей дразнят кота, Агостино Карраччи, между 1588 и 1590 гг. Метрополитен— музей, Нью-Йорк (США)

Кошки в искусстве XIX в.

Особенной популярностью пользовалась тема домашних питомцев в Европе XIX в. Целый ряд работ посвятили этим очаровательным животным голландская художница Генриетта Роннер-Книп, французские художники Альфред Артур Б. де Нёрвиль, Теофиль Стейлен, английские живописцы Горацио Коулдри, Луис Уэйн, немецкий художник-анималист Юлиус Адам II, бельгийский художник Шарль Ван ден Эйкен II.

Четыре кота в разных позах
"Четыре кота в разных позах", Куниоши Утагава

Кошки в живописи Японии

Хотелось бы отдельно упомянуть о кошках в японской живописи. Их образ там столь же неоднозначен, как и само поведение кошек. С одной стороны, кошки предстают в образе хитрецов, пособников лис и даже оборотней. С другой стороны, считается, что кошка приносит счастье.

Вместе с тем кошка символизирует гармонию и равновесие. Трехцветные кошки (обратите внимание — темные пятна обязательно находятся в обрамлении рыжего или серого тона), по преданию, приносят своему владельцу счастье.

Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.
Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.

Кошки в человеческой одежде

Английский художник Луис Уэйн так любил рисовать кошек, что они стали для него универсальным образом, через который он воспринимал и передавал мир людей. Первоначально его кошки не носили одежек, но уже занимались чисто человеческими делами — играли в гольф, пели и танцевали. А на более поздних картинах они стали пародировать человеческое поведение и манеру одеваться. Уэйн признавался, что на самом деле скорее рисует людей, чем кошек, наделяя их кошачьими чертами. Он считал такие работы своими лучшими шутками.

Метки: коты, живопись, искусство, АЯТ
22:26 19.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Балет.Петипа

Матильда Кшесинская (справа) и Николай Солянников (слева) в балете Мариуса Петипа «Пробуждение Флоры»

«Окончательно исчез наш прекрасный балет, — писала "Северная пчела" в январе 1847 года. — Материально он еще существует. Есть прелестные танцовщицы, искусные танцоры, удивительный кордебалет, есть ежедневно распускающийся рассадник самых редких дарований; нет только в публике охоты смотреть на них. Единственным средством к возбуждению этой охоты было бы, может быть, сочинение новых, занимательных балетов, но для этого нужен новый Дидло, новый Прометей, новый гениальный хореограф, а теперь такого, кажется, нет во всей Европе».

До прибытия Мариуса Петипа в Петербург оставалось полгода.

Он еще только собирался в Россию. 28 лет, в долгах как в шелках, плюс проблемы с испанской и французской полицией. Работая до того в Мадриде и давая частные уроки танцев в одном благородном семействе, он закрутил роман с юной девицей; за матерью той девицы ухаживал французский посольский чиновник, быстро решивший, что Петипа посягает именно на его сокровище. Дуэль на пистолетах, раздробленная челюсть противника — и необходимость быстро убираться из Мадрида.

Вся предыдущая жизнь Петипа была жизнью бродячего человека театра: он, можно сказать, родился в кулисах. Отец — танцовщик, мать — актриса; старший брат стал танцовщиком, сестра актрисой. На свет Мариус Петипа появился в Марселе, затем семейство переехало в Брюссель, где наш герой впервые вышел на сцену (ему было пять лет). Никакого академического образования — Мариуса учил отец, и правильной постановке рук способствовали удары скрипичным смычком (в давние времена балетный класс шел под скрипку, а не под фортепиано). Смычки периодически ломались, мальчишка злился и заявлял, что не хочет заниматься танцами, ибо не мужское это занятие. Но тут вступала мать — она уговаривала ребенка терпеть и работать, и ребенок ее слушался. Семья кочевала: из Брюсселя в Антверпен, оттуда в Бордо. Когда Мариусу исполнилось девятнадцать, он получил собственный контракт в Нанте. Там он дебютировал как хореограф (получая 10 франков авторских за каждый спектакль), затем вернулся в Бордо уже как премьер, потом уехал в Испанию, где имел большой успех... И вот из Испании пришлось убегать как можно быстрее, пересекая границу под вымышленным именем. Контракт танцовщика, предложенный ему директором Императорских театров Гедеоновым (Дирекция постоянно искала таланты за рубежом), был как нельзя кстати. Петипа приехал в Россию. Бродячая жизнь закончилась. Следующие шестьдесят с лишним лет он будет принадлежать Петербургу.

Дебютировав в сентябре 1847 года сразу как танцовщик и как постановщик в «Пахите» (на спектакле был Николай I, одаривший нового артиста своего театра перстнем с восемнадцатью бриллиантами), Петипа работал чрезвычайно много. Он поставил в России более ста балетов — и вообще-то именно он создал тот «большой стиль», ту «большую классику», что ныне считается фундаментом русского классического балета.

«Лебединое озеро» первым поставил не он — мировая премьера была в Москве в 1877 году, спектакль выпускал хореограф Вацлав Рейзингер, и балет успеха не имел. То «Лебединое озеро», что сейчас известно всему свету, появилось лишь в 1895 году — и сделал его Петипа вместе со Львом Ивановым. Последний ставил сцены с белыми лебедями, Петипа — всю историю с лебедью черной. Зато «Спящая красавица» (премьера в 1890-м) принадлежала ему с первого такта. Он расписывал Чайковскому, сколько минут музыки нужно для того или другого танца, и гениальный композитор послушно работал по этой схеме. «Раймонда» (1898) предсказала поворот балета к мирискусническим красотам; менее всего известная широкой публике из «мировых балетов» и самая захватывающая сюжетно «Баядерка» (1878) поражает воображение контрастом буйных красок Индии и строгостью прозрачных привидений в акте «Теней». Шестьдесят лет работы Петипа — это эволюция балетной техники, фантастическое мастерство построения больших сцен (он мог и двести человек на сцену выпустить — и всем работа находилась), бешено работающая фантазия и прекрасное понимание того, что есть балетный человек. Он любил своих балерин и периодически разрешал им в своих балетах менять па на те, что они считали более выгодными для себя. Он сочинял балеты так, чтобы они были не только красивы, но и удобны для исполнения.

За долгую жизнь ему пришлось работать с разными начальниками (директорами Императорских театров), начиная с Александра Гедеонова, который в середине XIX века поразил его своей щедростью. Когда нищий Петипа в конце сезона прибыл в Петербург, ему выдали немалый аванс и четыре месяца платили зарплату просто так, пока не открылся сезон; хореограф все вспоминал, как в Нанте ему даже больничный со сломанной ногой пришлось выторговывать хитростью. И завершал свою работу Петипа с Владимиром Теляковским, который в начале ХХ века считал, что Петипа устарел и чем скорее удастся сдвинуть его в отставку, тем лучше. Своего добился, старик ушел в отставку, уехал в Гурзуф и там доживал последние годы. Большого прогресса в подведомственном двору балете после этого не случилось. Петипа яростно ревновал к поднимающейся славе Александра Горского (дирекция командировала того в Москву переносить балеты Петипа в Большой, а молодой хореограф не перенес, но основательно переделал «Дон Кихота» — и переделал так эффектно, что после и в Мариинском театре взяли его редакцию; подлинного спектакля Петипа не сохранилось, сейчас его пробуют восстанавливать балетмейстеры-реставраторы).

Он знал силу печатного слова; он придумывал о себе легенды; он вполне понимал, что такое театральная интрига, и мог ее ловко провернуть. Обе его жены — Мария Суровщикова и, после смерти первой, Любовь Савицкая — были танцовщицами; все его дети пошли служить в театр (сыновья — в драматический, дочери — в балетный). Он, принявший русское подданство только в 1894 году, собственно говоря, и являл собой русский балет — величественный, изобретательный, обидчивый и пылкий. Неудивительно, что ему часто приписывают вообще все старинные балеты — например, «Щелкунчик», который целиком поставил Лев Иванов. И естественно, что осваивающие наше национальное искусство зарубежные артисты периодически «крестят» его именем даже сочинения советских авторов. Поэт — Пушкин, фрукт — яблоко, балет — Петипа. И не поспоришь.

Метки: искусство, балет, АЯТ, Петипа
12:35 06.02.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Манчестерская галерея убрала из экспозиции картину, чтобы "поговорить о правах женщин". Музей обвинили в цензуре, картину пришлось вернуть

Манчестерская художественная галерея 26 января временно убрала из постоянной экспозиции картину Джона Уильяма Уотерхауса «Гилас и нимфы». Об этом решении представители музея сообщили в своем блоге. Сотрудники галереи записали на видео, как произведение Уотерхауса снимали со стены: в марте этот ролик станет частью выставки современной британской художницы Сони Бойс. На стене, где висела картина, разместили текст, объясняющий, что ее убрали, чтобы «вызвать дискуссию о том, как Манчестерская галерея демонстрирует и интерпретирует произведения из своей коллекции».

Прерафаэлит Джон Уильям Уотерхаус написал «Гилас и нимфы» в 1896 году. Основой для произведения послужил сюжет из древнегреческой мифологии: прекрасный юноша, любимец Геракла и участник похода Аргонавтов, отправился за водой к реке, где речные нимфы, пораженные его красотой, затащили Гиласа к себе на дно.

В тексте галереи говорилось, что на картинах из собрания музея женщина традиционно изображена или как «пассивная декоративная форма» — или как «роковая женщина». Куратор отдела современного искусства Клэр Гэннеуэй позднее добавила в комментарии в блоге галереи, что зал, в котором было размещено полотно Уотрехауса, называется «В погоне за красотой», и одна из целей сотрудников манчестерского музея — изменить представления о том, что женское тело является «пассивным объектом мужского потребления» и по-новому взглянуть на картины в 2018 году. Сообщение на стене, с которой убрали «Гиласа и нимф», завершалось призывом: «Давайте бросим вызов этой викторианской фантазии!» Открытки с изображением картины из сувенирного магазина музея тоже временно исчезли.

Посетителям предложили написать свое мнение на стикере и наклеить его на стену, где висела картина, а также разместить комментарий в музейном блоге или в твиттере с хэштегом #MAGSoniaBoyce. За несколько дней галерея получила около 800 комментариев в блоге и несколько тысяч отзывов по хэштегу. Большинство комментаторов требовали вернуть картину и обвиняли музей в цензуре и пуританстве. Стикеров, которые посетители оставляли на стене, тоже в основном содержали призывы вернуть картину.

1 февраля представители Манчестерской галереи ответили на обвинения в цензуре. Куратор Клэр Гэннеуэй заявила в комментарии The Guardian, что целью музея было не цензурировать искусство, а спровоцировать дискуссию: «Речь шла не о том, чтобы отрицать существование конкретных работ. <…> Дело не только в этой картине, а в том контексте, в котором существует галерея». По словам Гэннеуэй, решение снять картину связано с широким обсуждением движений против объективации и эксплуатации женщин — Timeʼs Up, #MeToo и скандала на британском аукционе The Presidents Club, где более 30 лет проводился закрытый ужин только для мужчин и гости домогались официанток.

Как пишет «Би-би-си», на заявления галереи посетители отреагировали стикерами на стене со словами «Феминизм сошел с ума» и «Создавайте и показывайте искусство, которое отражает сегодняшние идеологии, наравне со старым. Места хватит и для того, и для другого».

Искусствовед Лиз Преттеджон, которая курировала выставку Уотерхауса в Лондоне в 2009 году, сказала «Би-би-си»: «Изъятие из экспозиции — это убийство любых дебатов, которые могли возникнуть вокруг по-настоящему интересных проблем сексуальности и гендерных отношений».

2 февраля Манчестерская художественная галерея выпустила пресс-релиз, в котором объявила, что снятие полотна Уотерхауса было частью совместного проекта галереи и художницы Сони Бойс из Лондона, которая, в частности, занимается перформансом с элементами импровизации и видеоартом. Новая работа Бойс нацелена на то, чтобы объединять группы людей в разных ситуациях и исследовать, какую это вызовет реакцию. Изъятие картины Уотерхауса стало частью перформанса Бойс, запись которого продемонстрируют на ее персональной выставке 23 марта.

В пресс-релизе сообщается, что, «учитывая, какое широкое обсуждение вызвал акт снятия картины, галерея планирует провести серию мероприятий, чтобы открыто обсудить этот и более глобальные вопросы». Временный директор галереи Аманда Уоллес заявила, что представители галереи были поражены «глубиной и диапазоном чувств, которые у посетителей вызвало удаление „Гиласа и нимф“». 3 февраля музей вернул картину на ее старое место — прямо поверх стикеров с записками посетителей.

Метки: искусство, музей, АЯТ, предложение к диалогу, спорная картина
12:20 24.12.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник-иллюстратор Mila Marguis

Художник-иллюстратор Мила Маркос (Mila Marquis) живет и работает в Германии, в городе Гамбург. У нее дома прекрасно "уживаются" двое замечательных сыновей, собака, мышки и черепаха. Рисунки этой художницы светлые, добрые, они создают у нас ощущение счастья и радости. "Мечтать! Летать! И думать о прекрасном!" — говорит о своих работах Мила. Мне, например, ее девочки напоминают кукол Тильд, которых я очень люблю. А еще детские рисунки сказочных принцесс и волшебных фей.
Думаю, всем маленьким и не очень девочкам понравятся ее работы. Вот только почему же Мила не рисует еще и счастливых толстеньких феечек? Жаль...

Метки: искусство, иллюстрации, АЯТ
14:25 21.11.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Гиперреалистичные картины художника Игаля Озери

Игаль Озери (Yigal Ozeri)израильский художник, живущий и работающий в Нью-Йорке. Он известен своими крупными кинематографическими портретами молодых женщин на фоне пейзажей. Его работы представляют собой фотореалистичные картины, написанные маслом.


Высочайший уровень детализации просто обескураживает. Чтобы поверить, что художник писал картины, а не снимал на цифровую фотокамеру, нужно очень тщательно всматриваться в полотна, убеждаясь, что они были кропотливо созданы кистью мастера.


Автор сначала фотографирует своих моделей на фоне природы, после чего редактирует снимки в фоторедакторе, а затем воссоздаёт их масляными красками. В своём творчестве Игаль Озери вдохновляется эстетикой английских художников XIX века.













Метки: искусство, картины, реализм, АЯТ, Игаль Озери
18:57 18.11.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Музыка Генделя

Aria Larghetto

Звучал орган и вслед ему
Струился звук виолончели,
Как будто Божии качели
Спустились к сердцу моему.
Качался звук к себе маня,
Под своды храмового зала,
И я почти уже не знала
Где я и как зовут меня.
Мне чудился старинный сад,
Осенним кружевом увитый,
Деревья став придворной свитой
За мною плыли чинно в ряд.
Я по аллее золотой
Шла с кем-то, очень мной любимым,
Был мир вокруг необозримым,
Как за небесною чертой.

И голос что-то мне шептал,
Преображаясь лаской нежной
И я была как будто прежней,
А на щеках румянец ал

Ещё горел. И сердца стук,
В груди звучал что было силы…
И ветром встречным доносило
МузЫки томной чистый звук.

Что это было? Явь иль сон?
Ларгетто Генделя звучало!
Мне вечной жизни обещало
Под сводом зала, средь колонн.

И не было надёжней уз —
Шедевров истинный творитель,
И безупречный исполнитель,
И зритель – обожатель муз!

Валентина Назарова

Метки: музыка, фото, стихи, искусство, ролик, АЯТ, Гендель
12:46 21.10.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Сальвадор Дали.Картина "Рога носорога"

Испанский живописец Сальвадор Дали любил писать свои картины в весьма необычных местах, и именно в таком месте была написана его работа «Рога носорогов». Эта картина была написана 30 апреля 1955 года в зоопарке, где художник расположился в вольере с носорогом по кличке Франсуа. Обстоятельства, при которых творил великий художник, и вовсе поражают. На его голове стояла корочка хлеба, которую он пытался удержать всеми силами, рядом с ним лежала другая его работа «Кружевница», сам Дали сидел на тачке, а его помощники всячески дразнили носорога, чтобы тот проткнул холст своим рогом. Художник оказался очень доволен результатом, а чтобы работа была закончена до конца, он самостоятельно проткнул ее пикой, так как животное наотрез отказалось это делать.

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)

Как Сальвадор Дали рисовал картину «Рога носорогов» (6 фото)


Метки: искусство, Сальвадор Дали, АЯТ
19:08 25.09.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из флоры — фауна

Насколько удивительна человеческая фантазия, чтобы догадаться сделать из флоры фауну.

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)

Креативные растительные образы животных (30 фото)
Метки: искусство, поделки, АЯТ
14:20 15.09.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Копия Моны Лизы

Копия. Автору 8 лет)))...здесь Мона Лиза ещё загадочнее.

Метки: юмор, искусство, АЯТ
11:52 18.07.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Твоих волос блаженный шёлк Меж пальцев моих льётся

Анджело Асти — художник
Твоих волос блаженный шелк Меж пальцев моих льется,
В касаньях нежен и глубок, Как луч в глазах от солнца.
Твоих волос прекрасней нет, Они, как вдохновенье,
Рождают тихий, чистый свет, И нежное томленье.
Нет волос твоих нежнее И рук пленящих, каждый раз
С тобой я становлюсь добрее, С тобой мне дорог каждый час.
Нет девушки, тебя милее. И меркнет красота подчас.
Когда ты рядом, нет роднее Тебя и чудных твоих глаз.
Есть в волосах твоих томленье И непростая красота,
Они — святое искушенье, В них нежность есть и чистота.
Они легки и непослушны, И лучше их в природе нет,
Они стремительно воздушны, Как неба легкий силуэт.
Angelo Asti/Анджело Асти (1807-1903) — французский художник итальянского происхождения. Родился в Париже в итальянской семье.
Одни считают его отцом пин-ап искусства, так как его работы были широко использованы для календарей и открыток.
Так же были широко воспроизведены на фарфоровых тарелках Royal Vienna.
***
***
Angelo Asti демонстрировал свои работы на Парижском Салоне.
Фирма "Браун и Байглоу" из Сент-Пола, штат Миннесота, является старейшей в мире компанией по производству календарей. В 1904 году эта фирма выпустила свой первый календарь "Колетт" с изображением женщины в стиле Арт-Нуво (с картины Анжело Асти) — "очаровательный, хотя и несколько старомодный портрет молодой красавицы", как писали в то время.
Было продано более полутора миллионов экземпляров. В 1904 году первый настенный календарь показал, что производство календарей "с красотками" может приносить солидную прибыль.
Это было началом эпохи настенных календарей в "гламурном" стиле, которые теперь нам так хорошо знакомы.
Производители художественных открыток очень любили "девушек Асти".
Angelo Asti/Анджело Асти

Метки: стихи, искусство, картины, инет, АЯТ
10:11 17.06.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Антарктике нашли 118-летнюю картину. Она лежала под слоем пингвиньего гуано

Сотрудники Новозеландского фонда наследия Антарктики восстановилиакварельный набросок британского полярного исследователя Эдварда Уилсона, погибшего в 1912 году во время похода на Южный полюс.

Как рассказала реставратор фонда Джозефина Бергмарк-Химинес, она обнаружила картину в хижине на мысу Адэр. Картина полностью сохранилась, но была скрыта под слоем пыли и экскрементов пингвинов.

Набросок датирован 1899 годом. На нем изображена пищуха.

Antarctic Heritage Trust finds 118 year old painting in Antarctica
Antarctic Heritage

Эдвард Уилсон участвовал в двух полярных экспедициях, возглавляемых капитаном Робертом Скоттом. Первая проходила с 1901 по 1904 год, вторая — «Терра Нова» — с 1910 по 1912 год. В марте 1912 года группа из пяти человек, в которую входили Уилсон и Скотт, отправилась на Южный полюс. Все пять исследователей погибли, когда возвращались на базу с Южного полюса.

Сотрудник фонда Лиззи Мик считает, что Уилсон нарисовал картину не в Антарктике, а в Европе — когда лечился от туберкулеза. «Он мог взять рисунок с собой в одну из экспедиций Скотта, мы предполагаем, что картина была с ним в экспедиции 1911 года, и каким-то образом попала с мыса Эванса на мыс Адэр», — рассказала Мик.

Метки: видео, искусство, находка, Антарктика, АЯТ
21:21 31.05.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бюсты Церетели с "Аллеи правителей"

Кандидат исторических наук и доцент РГГУ Сергей Шокарев сравнилскульптуры XIX века и бюсты российских правителей Зураба Церетели, которые были установлены 26 мая на «Аллее правителей». И они очень похожи.

Шокарев обратил внимание на сходство Николая I работы Церетели и бюста Николая I немецкого скульптора Кристиана Рауха, созданного в 1841 году.

По мнению Шокарева, шесть бюстов (из 33) Церетели скопировал со скульптур Завода художественной бронзы Ф. Шопена. «Если не всех, то многих средневековых государей Церетели, не мудрствуя лукаво, заимствовал из аналогичной „государской“ серии настольных бюстов бронзолитейной мастерской Феликса Шопена, работавшей в Санкт-Петербурге во второй половине XIX века», — заявил историк.

Например, бюст Бориса Годунова скопирован с работы мастерской Шопена вплоть до малейших деталей — орнаментов и расположения креста.

Бюст Бориса Годунова на «Аллее правителей»
Фото: Евгения Новоженина / Sputnik / Scanpix / LETA
Бюст Бориса Годунова работы мастерской Шопена
Фото: Artnet

Кроме того, на бюсте Ивана Грозного опечатка — вместо «Иоанн» на подставке написано «Nоанн».

Правда, ума не приложу, откель взялся бритый красавец «Федор Иванович». Есть у меня скромное предложение, что слямзили его с какого-то неизвестного мне пока скульптурного изображения Лжедмитрия I. Уж больно похож.

В Москве открыли «Аллею правителей» России. Там установлены 33 бюста работы Церетели

Метки: скульптуры, искусство, АЯТ, Церетели
22:37 27.05.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Уникальные здания из дерева

В современном мире господства стекла и стали сооружения и конструкции из дерева выглядят ещё более завораживающе! Яркие примеры красивой деревянной архитектуры можно увидеть в самых разных и неожиданных уголках мира, и сегодня мы познакомим вас с некоторыми самыми необычными и удивительными сооружениями и конструкциями из дерева!

Деревянная инсталляция на фестивале Burning Man в пустыне Блэк-Рок (Невада)
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Здание выставочного зала Landesgarten, возведённое из 243 деревянных панелей, Швебиш-Гмюнд, Германия
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Ассиметрично расположенные павильоны высотой 9-24 м представляют собой культурный центр Жан-Мари Тжибау, Нумеа, Новая Каледония
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Коттедж под названием "Волга", расположенный на берегу одноимённой реки в Тверской области, возведённый по проекту Петра Костелева.
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Сауна, построенная из дерева с помощью компьютерного моделирования, на берегу озера Гурон, Канада
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Смотровая башня в заповеднике Грасвардер, Хайлигенхафен, Германия
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Бамбуковая ферма "The Mason Lane", построенная по проекту архитектурной студией De Leon & Primmer, Северная Каролина, США
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Деревянная часовня Святого Генриха, Турку, Финляндия
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Камин, построенный из дерева, Тронхейм, Норвегия
Уникальные здания из дерева (11 фото)

Деревянная смотровая площадка "Evolver" на курорте Церматт (Zermatt), Швейцария
Уникальные здания из дерева (11 фото)

"Зелёная школа" на Бали, построенная из бамбука, имеет три этажа, и всё здание поддерживают более чем 2,5 тысячи стеблей
Уникальные здания из дерева (11 фото)
Метки: фото, искусство, архитектура, дерево, инсталляции, АЯТ
17:19 24.04.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Мы уже знакомили вас с творчеством французского аниме-художника Томаса Ромена (Thomas Romain), живущего и работающего в Токио, и его забавным проектом под названием "Мастерская дизайна отца и сыновей" (Father And Sons Design Workshop).

Работая вместе с сыновьями, Томас и его дети придумывают всевозможных странных и необычных персонажей. Впрочем, на самом деле их придумывают дети, а Томас своей профессиональной рукой лишь превращает их в кого угодно: от стимпанк-докторов и боевых змей до облачных обитателей и песчаных монстров!

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Художник превращает рисунки сыновей в невероятных аниме-персонажей (11 фото)

Метки: фото, искусство, АЯТ, детское творчество
23:34 23.04.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Этого никогда не видел Ван Гог

Один неприятный случай вдохновил художницу Аджа Кьюзик создать любопытную серию, в которой элементы поп-культуры включаются в «Звездную ночь» Ван Гога.
Все началось, когда блог по образованию ошибочно разместил картину Аджа с Эйфелевой башней как картину Ван Гога.
Эйфелева башня была завершена в 1889 году, а Ван Гог умер в 1890 году, проведя свои последние годы на юге Франции, так что это очень маловероятно, что он даже видел башню.

Художница решила пойти дальше, она спросила себя: «Что же еще Ван Гог не видел?» Таким образом, родилась серия «Этого никогда не видел Ван Гог».
(Collapse)























Метки: искусство, Ван Гог, поп-культура, АЯТ
22:50 28.03.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Скульптуры,помещающиеся в игольном ушке

Используя волосок мухи в качестве кисти, житель Бирмингема, Англия Виллард Виган раскрашивает микроскопические Скульптуры, которые он вырезал из зёрен риса и сахара. Каждый мазок кисти должен быть сделан между ударами сердца, и Виган говорит, что пульсация в одном из пальцев может разрушить весь труд. На одну скульптуру у него уходит в среднем месяц времени. Чтобы создать такое, нужно иметь крепкую нервную систему и твердую руку, потому что одно неверное движение может испортить всю кропотливую работу. Все его работы — это настоящие шедевры, смотрите и сами убедитесь в этом.

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Скульптуры, помещающиеся в ушке иголки (16 фото)

Метки: искусство, минимализм, АЯТ
20:26 08.03.2017
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Кто такая Мона Лиза (Джоконда) ?


Кто такая Мона Лиза (Джоконда)?





Итальянские ученые пришли к выводу, что за спиной Моны Лизы на легендарном полотне Леонардо да Винчи изображен не абстрактный, а вполне конкретный пейзаж, сообщает РИА "Новости" со ссылкой на британскую газету Daily Telegraph. Это, как утверждает исследовательница Карла Глори, чьи доводы приводит газета, окрестности городка Боббио на севере Италии.

Поэтому, развивает свою мысль Карла Глори, если место действия — не центр Италии, как ученые полагали прежде, исходя из того, что Леонардо начал работу над полотном в 1503-1504 годах во Флоренции, а север, значит, его модель — не жена купца Лиза дель Джокондо, а дочь миланского герцога Бьянка Джованна Сфорца.

Ее отец, Лодовико Сфорца, был одним из главных заказчиков Леонардо и известным меценатом.

Глори считает, что художник и изобретатель гостил у него только в Милане, но и в Боббио — городке со знаменитой в те времена библиотекой, также подвластном миланским правителям.

К своим выводам Глори пришла после того, как журналист, писатель, первооткрыватель могилы Караваджо и глава Национального итальянского комитета по охране культурного наследия Сильвано Винчети сообщил, что разглядел на полотне Леонардо загадочные буквы и цифры.

В частности, под аркой моста, расположенного по левую руку от Джоконды (то есть, с точки зрения зрителя, в правой части картины), обнаружились цифры "72".

Винчети считает их отсылкой к неким мистическим теориям Леонардо. По мнению Глори, это указание на 1472 год, когда протекающая мимо Боббио речка Треббия (Trebbia) вышла из берегов, снесла старый мост и вынудила властвовавшее в тех краях семейство Висконти возвести новый. Весь остальной вид она считает пейзажем, открывавшимся из окон местного замка.

Ранее Боббио было известно прежде всего как место, где расположен огромный монастырь Сан-Коломбано, послуживший одним из прототипов для "Имени розы" Умберто Эко.

Правда, скептически настроенные специалисты утверждают, что и цифры, и буквы, обнаруженные Винчети в зрачках Моны Лизы, не более чем трещины, образовавшиеся на полотне с течением веков.

Очередное "окончательное" доказательство?

Напомним, вопрос, кто же все-таки изображен на знаменитом портрете, многие годы занимал умы ученых и искусствоведов всех стран мира. Звучали предположения, что для картины позировала любовница да Винчи, его мать и даже он сам.

Впервые женщину на портрете Леонардо да Винчи связал с Лизой дель Джокондо итальянский художник, архитектор и писатель Джорджо Вазари в 1550 году. Однако, по словам представителей библиотеки, его заметки вызывали много сомнения, так как были сделаны спустя 50 лет после написания портрета.

В 2004 году итальянский ученый Джузеппе Паланти после 25-летнего изучения архивных документов выяснил, что изображенная на портрете женщина — жена зажиточного торговца шелком Франческо дель Джокондо и мать пятерых детей Лиза Герардини. Именно фамилия ее мужа послужила впоследствии вторым названием картины.

В 2006 году немецкие искусствоведы с уверенностью заявили, что разгадали тайну Джоконды, занимавшей умы любителей прекрасного на протяжении столетий. По их словам, на знаменитом полотне Леонардо да Винчи запечатлена герцогиня Катерина Сфорца, которая трижды выходила замуж и заводила бесчисленные любовные романы. Как сообщали тогда ученые, женщина, ставшая моделью да Винчи, была матерью одиннадцати детей.

Однако в 2008 году другие немецкие ученые из Гейдельбергского университета с неменьшей уверенностью провозгласили, что на всемирно известном шедевре изображена все же Лиза Герардини.

Исследователи опирались на записи, сделанные в октябре 1503 года на полях старинной книги, принадлежавшей флорентийскому чиновнику Агостино Веспуччи, знакомому Леонардо да Винчи.

В этих комментариях чиновник сравнивает да Винчи с античным художником Апеллесом и говорит, что Леонардо работает над тремя картинами одновременно, одна из которых — портрет Лизы дель Джокондo.

Метки: Расследование, искусство, Мона Лиза, АЯТ, предположение
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Анастасия Бузько
Войти
ONLINE.UA
Подписывайтесь, если вы настоящий ценитель
ONLINE.UA!
ДОБАВИТЬ В ЗАКЛАДКИ
Спасибо, но больше не показывайте мне это окно!