Мне подарили

21:39 17.04.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Цитаты об искусстве

Искусство правдиво тогда, когда оно слито с правдой жизни.Абай

Проникновение в то, что совершается в порыве озарения, составляет основу искусства.Адам Мицкевич

Достоинство произведения искусства мы оцениваем по количеству труда, какой вложил в него художник.Г. Аполлинер

Лицо художника проявляется в его противоречивости.Л. Арагон

Задача искусства не в том, чтобы копировать природу, а в том, чтобы выражать ее.О. Бальзак

Правда природы не может быть и никогда не будет правдой искусства.О. Бальзак

Можно быть ученым с учеными, но с художниками нужно быть поэтом.О. Бальзак

Как только кто-нибудь в искусстве работать начинает ради денег — прощай надежда на хорошее произведение.С. Батлер

История искусств есть история их многократного возрождения.С. Батлер

Искусство без мысли, что человек без души, — труп.В. Г. Белинский

Что красота есть необходимое условие искусства, что без красоты нет и не может быть искусства — это аксиома.В. Г. Белинский

Истинным художникам равно удаются типы и негодяев и порядочных людей.В. Г. Белинский

Верное изображение нравственного безобразия. могущественнее всех выходок против него.В. Г. Белинский

С произведениями искусств, как и с людьми: они могут быть милы даже при наличии самых больших недостатков.Л. Бёрне

Художник может быть и историк, и поэт, и философ, и наблюдатель. И оно подлинно так: все великие художники вместе были ученые люди.А. А. Бестужев-Марлинский

Большое искусство не должно осквернять себя, обращаясь к безнравственным сюжетам.Л. Бетховен

Подлинный художник лишен тщеславия, он слишком хорошо понимает, что искусство неисчерпаемо.Л. Бетховен

Конечная цель искусства — побудить людей делать то, что им нужно, и осознавать то, что они знают.М. Блондель

Форма без содержания — это звонок, который не звонит.О. Блюменталь

Вдохновение приходит всегда, когда человек того хочет, но исчезает оно не всегда, когда он этого желает.Ш. Бодлер

Искусство — всегда метафора действительности.Ю. Бондарев

Прогресс в искусстве заключается не в расширении его границ, но в лучшем их понимании.Ж. Брак

Главное в искусстве — простота, величие и чувство, а главное в его форме — сдержанность.Б. Брехт

Художник не может рассматривать стихийный успех как истинный критерий ценности своего произведения.Б. Брехт

Большое искусство служит большим целям.Б. Брехт

Лакировка и украшательство — самые страшные враги не только прекрасного, но и политической мудрости.Б. Брехт

Восприятие искусства только тогда может привести к подлинному наслаждению, когда существует искусство восприятия.Б. Брехт

У эпох без больших целей нет и большого искусства.Б. Брехт

Все виды искусств служат величайшему из искусств — искусству жить на земле.Б. Брехт

Мастерство художника заключается в том, что он может изобразить значительной любую вещь.Б. Брехт

Любое великое произведение рождается лишь после долгого периода тихих и углубленных размышлений.У. Бэджот

Искусство было всегда прекрасным зеркалом общественного строя.Р. Вагнер

Искусство перестает быть искусством, как только наше сознание начинает воспринимать его как искусство.Р. Вагнер

Творец художественного произведения будущего есть не кто иной, как художник настоящего времени.Р. Вагнер

Сдержанность должна быть в искусстве тем же, что стыдливость в любви.К. Ватле

Художник делает самое малое — большим.В. В. Вересаев

Только действительность имеет право быть неправдоподобной, искусство — никогда. Вот почему искусство не может слиться с жизнью.Э. Верхарн

Секрет искусства в том, что оно исправляет природу.Ф. Вольтер

Без страстной партийности еще никогда не создавалось ни одного крупного произведения искусств.Ф. Вольф

Часто один мощный художественный образ влагает в нашу душу более, чем добыто многими годами жизни.В. М. Гаршин

Искусство — это язык, следовательно, в высшей степени социальная функция.Г. Гауптман

Искусство — это совесть человечества.К. Геббель

Искусство стало первым учителем народов.Г. Гегель

Подлинные бессмертные произведения искусства остаются доступными и доставляют наслаждение всем временам и народам.Г. Гегель

В искусстве, как и во всех человеческих делах, решающим является содержание.Г. Гегель

Искусство имеет своей задачей раскрывать истину в чувственной форме.Г. Гегель

Художник принадлежит своему времени, он живет его нравами и привычками, разделяет его взгляды и представления.Г. Гегель

Искусство существует не для небольшого замкнутого круга, не для немногочисленных очень образованных людей, а в целом для всего народа.Г. Гегель

Один великий гений формируется другим не столько за счет подражания, сколько в результате общения. Один алмаз шлифует другой.Г. Гейне

Коли твое творение не понравилось знатоку, это нехороший признак; если же оно удостоилось похвалы невежды, то его следует совсем выбросить.К. Геллерт

Много прекрасного существует в мире разрозненно, и это — задача нашего духа: обнаружить связи и тем самым создавать произведения искусства.И. Гёте

Каждый художник обладает смелостью, без которой талант немыслим.И. Гёте

Совершенное произведение искусства — это произведение человеческого духа и в этом смысле произведение природы.И. Гёте

В каждом художнике заложен росток дерзновения, без которого немыслим ни один талант. И росток этот оживает особенно часто, когда человека одаренного хотят ограничить, задобрить и заставить служить односторонним целям.И. Гёте

Дилетант относится к искусству, как халтурщик к ремеслу.И. Гёте

Дилетанты, сделав все, что в их силах, обычно говорят себе в оправдание, что работа еще не закончена. Разумеется! Она никогда и не может быть закончена, ибо неправильно начата.И. Гёте

Искусство остаемся искусством! Тот, кто не чувствует его глубоко, не имеет права называться художником.И. Гёте

Своеобразие выражения — альфа и омега всякого искусства.И. Гёте

Никто, кроме художника, не может способствовать искусству. Меценаты поощряют художника. Это справедливо и хорошо; но этим не всегда поощряется искусство.И. Гёте

Все другие искусства мы должны кредитовать, и только у греческого мы вечно остаемся в долгу.И. Гёте

В произведении искусства «что» интересует людей гораздо больше, чем «как». Первое они могут усвоить по частям, второе же им не удается объять как нечто целое.И. Гёте

Вдохновение — это не селедка, которую можно засолить на многие годы.И. Гёте

Вкус развивается не на посредственных, а на самых совершенных образцах.

Метки: цитаты, искусство, АЯТ
20:48 25.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Загадочная картина: "Старый рыбак" художника Чонтвари

Самая загадочная картина Старый рыбак принадлежит кисти венгерского художника-самоучки по имени Тивадар Костка Чонтвари. Аптекарь по профессии, Чонтвари написал картину в 1902 году, заложив в нее свой подтекст и изобразив на ней двух человек, две сущности... Однако при жизни автора секрет картины так и не был разгадан — простому обывателю виделся на полотне лишь образ старого рыбака.

Столетняя загадка была раскрыта лишь недавно: если к середине картины приставить вертикальное зеркало, то в зависимости от того куда оно обращено, можно увидеть или Бога, сидящего в лодке, со спокойной горой на заднем плане, или дьявола, сидящего на вулкане со штормовым озером сзади.

В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо рыбака), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика), словно говорит нам картина.
Загадочная картина: «Старый рыбак» художника Чонтвари.Самая загадочная картина Старый рыбак ...
Загадочная картина: «Старый рыбак» художника Чонтвари.Самая загадочная картина Старый рыбак ... - 2
Метки: искусство, АЯТ, художник-самоучка, картина-загадка
19:24 14.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Лица прекрасной эпохи: гениальные портреты художника Джованни Больдини

Джованни Больдини (итал. Giovanni Boldini) оставил нам восхитительные портреты своих знаменитых современников. Художник жил в конце XIX — начале XX века, дружил с Эдгаром Дега, Джоном Сарджентом, Полем Эллё и был одним из наиболее известных и хорошо оплачиваемых портретистов своего времени. «Вы, месье, чудовищно талантливы!» — как-то сказал ему Дега. Многие искусствоведы согласны с ним, хотя широкой публикойДжованни Больдини сегодня незаслуженно забыт.

«Когда жизнь расставит всё по своим местам, Джованни Больдини будет признан величайшим художником прошлого века. Все новые школы родились от него, так как он первый применил упрощенные линии и плоскости».

Гертруда Стайн

Джованни Больдини родился в Ферраре 31 декабря 1842 г. в семье художника, учился во флорентийской Академии художеств. Поворотным моментом в его творчестве стало посещение Парижа в 1867 году, где на него неизгладимое впечатление произвела живописная манера Эдуара Мане. С 1869 года Джованни Больдини живёт и работает в Лондоне, где знакомится с искусством Гейнсборо и английской портретной живописью XVIII века.


Именно здесь он разработал собственную, эффектную и стремительную манеру письма и получил известность как непревзойдённый портретист своего времени.


Востребованный в высшем парижском обществе, Джованни Больдини преуспел в создании изощренно-элегантных образов грациозных, утонченных красавиц и светских эстетов-денди. Он писал в хорошо узнаваемой свободной импровизационной манере, используя длинные и острые мазки.

Атмосфера fin de siecle — «конца века», ощущение драмы и надрыва в глазах дерзких красавиц высшего света в роскошных туалетах... Женские портреты Больдини динамичны и раскованны с точки зрения позы, но при этом строго выверены по композиции и цветовой гамме. Предлагаем вам насладиться творчеством этого незаслуженно забытого художника и почувствовать атмосферу утончённого декаданса.


Портрет графини Габриэы де Расти, возлюбленной и музы художника


Портрет Джузеппе Верди. 1886


Портрет Адольфа Менцеля


Анри де Тулуз-Лотрек. 1890-е годы


Портрет Сары Бернар. Около 1880


Портрет Лины Кавальери, 1900-е годы


Портрет Леди Колин Кэмпбелл, 1897


Портрет молодой женщины в профиль


Портрет принцессы Марты Люсиль Бибеско, 1911


Портрет сидящего Джузеппе Верди, 1886


Мадам Чарльз Макс, 1890


Портрет художника Эрнеста Анхе Дуэса, 1894


Портрет Клео де Мерод, 1901


Портрет Джеймса Уистлера


Портрет Джеймса Уистлера, фрагмент


Граф Робер де Монтескьё, 1897


Мадам Режан, известная также как Габриэль Режан


Утреннее письмо, 1884

Метки: живопись, искусство, портреты, АЯТ
20:16 06.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Женские образы и натюрморты" — одесские картины с легкой безуминкой

До 31 марта в галерее Всемирного клуба одесситов (Маразлиевская, 7) можно увидеть выставку «Женские образы и натюрморты» из собрания известного коллекционера Евгения Лукашова.

Наряду с вполне традиционными работами Раисы Нудельман и Татьяны Гончаренко на выставке представлены и произведения, отмеченные «легкой безуминкой», признаются организаторы.


«Это уже 14-я выставка, которую за годы существования клуба делает Евгений Отарович в нашем зале, — говорит вице-президент ВКО Евгений Голубовский. — Это не выставка работ одного художника, даже не одной школы или группы. Это букет из натюрмортов, женских образов к 8 марта. Больше всего художников, оказавшихся вне групп. В собрании одного из самых крупных одесских коллекционеров представлены работы тех художников, которых когда-то психиатры считали «непригодными», но они при всей своей «инакости» были гениями. Именно Евгений сохранил картины этих людей. «Иные» — как определил их один из «иных», Валентин Сиренко. К таким мастерам относится Анатолий Асаба, Сергей Юхимов, Настя Уварова. Мне кажется, что на этой выставке каждый может найти в подарок цветок в букет любимой женщине».

Обнаженные красотки на картинах, наверное, больше подошли бы мужчине в качестве подарка (зачем они даме?), а вот цветочные натюрморты действительно очень неплохи. Но мы так поняли, что коллекционер со своим собранием расставаться не собирается, это ведь не выставка-продажа, просто берите за руку свою богиню и приходите с ней на праздничную выставку, благо вход бесплатный.

Автор Ирэн Адлер,

фото Льва Райзмана

Метки: живопись, выставка, искусство, одесса, АЯТ
12:08 05.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Танец фламенко

Точной даты появления фламенко нет. Однако историки выдвигают версию о том, что фламенко-танец в привычном для нас виде появился около двух веков назад. Он стал результатом коллективного творчества европейских и восточных народов. А что касается музыки и самого жанра искусства, то они куда древнее. Историки полагают, что сердцем фламенко стал испанский городе Тартесс, где проживали очень образованные люди, умеющие играть на музыкальных инструментах. Многие авторы отмечают, что даже законы города были написаны в стихах. Именно там зародилась музыка фламенко. А на формирование пения повлияла католическая церковь во II — X веках. Мелодичные ноты религиозного песнопения отпечатались в душе народа. Уже в VIII веке в Испании сложилась «андалусская музыка». На нее сильно повлияли приезжие арабы. Применив испанские музыкальные жанры к своим мелодиям, они создали новые ритмы, которые стали отличаться яркостью, чувством страсти, зноя. А в XV-XVI веке к арабам присоединились цыгане. Они перенимали местные музыкальные традиции и переделывали их на свой лад. Почти 300 лет фламенко вместе с цыганами находился в изгнании. При пламени костра, мелодии гитары цыгане пели о своей нелегкой судьбе — сиротстве, потерянности, изолированности от мира и дополняли печальные рассказы верой в счастливое будущее, которое было выражено любовью.

Многие считают, что фламенко — это творение андалусских цыган. И они правы, благодаря этому народу образовался именно тот танец, который мы знаем сейчас. Ровная спина, поднятые руки в изгибе, миг неподвижности, каблуки четко отбивают ритм, резкий поворот, пластичные и резкие движения — вот магия фламенко.
Позже искусство обрело свободу и стало появляться в тавернах и кафе. Исследователи выяснили, что первые публичные выступления в стиле фламенко проходили в заведениях Мадрида в 1853. Исполнители были профессионалами своего дела. Считают, что искусство передавалось от мастера к ученику и не терпело импровизации. Специфическая техника, сложный ритм были под силу немногим. Конечно же, были и противники дальнейшего развития и распространения стиля. Они боролись за чистоту искусства и не хотели, чтобы жанр фламенко попал на сцену. Однако об испанской традиции к тому времени уже узнали многие, и в 20 веке появилось более 50 разновидностей жанра. Например, такие как фламенко-джаз, фламенко-поп, фламенко-рок, джипси-румба.

.

Метки: искусство, танец, фламенко, АЯТ
19:42 03.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

ВЕСЕННИЕ ЦВЕТОЧНЫЕ ИСТОРИИ ОТ АННЫ КОТТЕРИЛЛ

Энн Коттерилл (Anne Cotterill, British, 1933-2010) родилась в шотландском городе Эдинбурге. В 1956 году она окончила Эдинбургский колледж искусств и получила стипендию для продолжения обучения в аспирантуре с последующим обучением в Европе, что позволило художнице вблизи познакомиться со всеми нюансами техники живописи великих мастеров кисти.
В дальнейшем семейная жизнь привела Энн в британское графство Сомерсет. Множество видов произрастающих на тех землях полевых цветов служило постоянным источником вдохновения для творчества художницы. Детальное понимание ботаники не лишило ее картины творческой свободы, талант живописца победил — эти натюрморты радуют нас своей живостью.

«За те многие годы, что я писала цветы, поняла, что существует предел, до которого цветы подчиняются вам. А после — у них есть своя собственная идея, которая играет важную роль в определении успеха живописи!»

Со временем спрос на картины Анны стал значительно превышать предложение. В 2006 году, по опросу «Fine Art Trade Guild» Анну Коттерилл признали единственным, наиболее продаваемым живописцем, изображающим цветы.

Метки: живопись, искусство, АЯТ, цветочные композиции
08:08 01.03.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Курьёзы в искусстве: как крадут, теряют и выбрасывают мировые шедевры

Полотно Анри Матисса "Лодка" провисело вверх ногами больше месяца, пока один из зрителей не заметил ошибку

  • 6

Курьёзы и смешные случаи происходят не только в жизни простых людей, но и в искусстве. Разница только в том, что о вторых впоследствии узнаёт весь мир. Иногда шедевры вешают вверх ногами, а ещё крадут или выбрасывают по ошибке.

1. 17 октября 1961 года в Нью-Йоркском музее современного искусства выставили картину Анри Матисса "Лодка". Зрители наслаждались полотном около 40 дней, пока один из посетителей не заметил, что картина висит вверх ногами.

span-12" id="picture_17576" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; background: 0px 0px; position: relative; ;">
Анри Матисс
Анри Матисс. Фото: Commons.wikimedia.org

2. В 2012 году в Эстонии с выставки современного искусства "Moh? Fui! Oak! Ossa! Vau! Eesti kaasaegse kunsti klassika" кто-то вынес банку с экскрементами. Оказалось, что стеклянная банка с неожиданным содержимым была частью инсталляции художника Яана Тоомика "15 мая — 1 июня 1992". Организаторы выставки официально извинились перед автором "шедевра" и зрителями за то, что произведение искусства лишилось своей целостности, а расследованием кражи занялась местная полиция.

3. Жительница США чуть не выкинула на помойку картину Ренуара — женщина просто не знала, что полотно, которое она купила за бесценок на блошином рынке, на самом деле является мировым шедевром.

Произошёл этот случай в штате Вирджиния. Женщине понравилась красивая рама неизвестной ей картины, и она её купила (причём полотно продавалось в комплекте с куклой и пластмассовой коровой). Рама, правда, так и не пригодилась, и хозяйка решила выбросить ненужный хлам. Однако мать женщины настояла на том, чтобы сначала показать картину оценщику — в результате оказалось, что это ренуаровский "Пейзаж на берегу Сены".

Шедевр выставили на аукцион, но своё имя владелица предпочла скрыть.

span-12" id="picture_17591" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; background: 0px 0px; position: relative; ;">
Картина Пьера-Огюста Ренуара
Картина Пьера-Огюста Ренуара. Фото: Кадр Первого канала

4. В 2006 году американский миллиардер Стив Уинн, владелец картины Пабло Пикассо "Сон", решил продать жемчужину своей коллекции за 139 миллионов долларов. Это могло стать одной из крупнейших сделок в искусстве, если бы во время демонстрации Уинн не порвал полотно, случайно задев его локтем. Картину восстановили, но продавать её магнат передумал — решил, что инцидент был для него знаком свыше.

span-12" id="picture_17618" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; background: 0px 0px; position: relative; ;">
"Сон", Пабло Пикассо. Фрагмент

5. Во время перевозки из одного музея в другой была украдена картина Гойи "Дети с тележкой". Согласно предположению ФБР, воры, по-видимому, решили, что грузовик вёз игровые приставки PlayStation, так как происходило это перед Рождеством. Похитители нашли самую хорошую коробку, а в ней оказалась картина — скорее всего, злоумышленники даже не догадывались, сколько стоит полотно. Вскоре "Детей с тележкой" обнаружили благодаря анонимному звонку — полотно не было повреждено.

span-12" id="picture_17613" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; background: 0px 0px; position: relative; ;">
"Дети с тележкой", Гойя. Фрагмент

6. Из Музея Дэвиса при американском колледже Уэллсли в 2008 году пропала картина Леже "Женщина с ребёнком": её то ли украли, то ли уничтожили вместе с мусором. Полотно отправляли на выставку в другой музей, запаковав в ящик для транспортировки, но, вероятно, так и не вынули оттуда и уничтожили коробку вместе с шедевром. Страховая компания выплатила музею компенсацию — её точная сумма не разглашается, но известно, что в среднем одна работа Леже на тот момент оценивалась примерно в 2,8 миллиона долларов.

span-12" id="picture_17617" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; background: 0px 0px; position: relative; ;">

"Женщина с ребёнком", Леже. Фрагмент

Метки: искусство, АЯТ
08:17 27.02.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

ПОДВОХ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА

Юный пранкер не впервые шутит над ценителями прекрасного.
17-летний парень ввел в заблуждение посетителей музея современного искусства в Сан-Франциско тем, что положил на пол очки. Несколько "ценителей" искусства решили, что это – очередной современный шедевр, внимательно его рассматривали и даже фотографировали.
"Во время первого посещения, мы были поражены произведениями искусства и картинами, которые были выставлены в огромном пространстве. Однако несколько "произведений" нас озадачили. Мы стояли напротив чучела животного на сером одеяле и спрашивали себя – разве это может кого-то поразить", — рассказал подросток порталу BuzzFeed.
Чтобы проверить теорию, что люди готовы разглядывать любой предмет, лишь бы он стоял в музее, пранкер положил на пол очки и отошел подальше. Вскоре посетители начали окружать "шедевр".
Парень разместил фото из музея 24 мая и уже имеет более 46 тысяч перепостов своей шутки. Ранее шутник так же развлекался с корзиной для мусора и бейсбольной кепкой.
Twitter/TJCruda
.
Метки: курьёзы, шутка, музеи, АЯТ
17:50 10.02.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Украинские дизайнеры и художники открыли совместную выставку в Одессе

Искусство безгранично в своем разнообразии и эксперименты в нем будут продолжаться до тех пор, покуда есть интерес зрителя и неиссякаемый энтузиазм авторов. Один из таких опытов поставили в одесской арт-галерее Invogue, где сегодня открылась выставка "Опасные связи: искусство и мода". Как украинские дизайнеры устроили творческий тандем с художниками и что из этого вышло — читайте в репортаже "Думской".

Художник и дизайнер — одного поля ягоды, оба трудятся на благо искусства и пытаются создавать что-то новое, оба мыслят творчески и могут гармонично дополнять друг друга. Поэтому их тандем вполне логичен и закономерен. Не мудрено, что на Западе тенденция к такому сотрудничеству наметилась еще сто лет назад. В Украине же, по словам эксперта в области современного искусства, одной из создателей проекта Port.agency Кати Тейлор, подобные эксперименты ставят последние лет пять. А вот выставка на стыке моды и искусства проводится в Украине впервые.


"Мы хотели показать не только конечный продукт, а скорее как рождалась и развивалась эта коллаборация, путь исследования и вдохновения авторов. Тут есть эскизы, первые наброски в момент диалога, импульсивные вещи, которые невозможно повторить", — рассказывает Катя Тейлор.

Поучаствовать в проекте и получить новый культурный опыт согласились ведущие украинские дизайнеры и художники. Так, пару дизайнеру Ивану Фролову составил художник Анатолий Белов, Маша Рева работала вместе с Сабиной Фейнман, Лилия Пустовит с Павлом Маковым и Машей Шубиной, Влада Ралко с молодым брендом OCHI, Светлана Бевза сотрудничала с музеем Гончара, а ELENAREVA с Ладой Наконечной, Владой Ралко и Катей Либкинд. Всего в экспозиции представлены семь коллабораций. Кроме того, в рамках проекта представлен результат творческого взаимодействия Светланы Бевзы с работами Сони Делоне.

Порой дизайнеры сами инициировали работы, а порой инициаторами выступали художники, есть примеры, в которых художники становились дизайнерами и наоборот. При этом определенного лейтмотива, как и общей темы у проекта нет. Всех участников объединила возможность создать что-то интересное.

"В конечном итоге это не проявление искусства в чистом виде и нельзя провести четкую черту, что перед нами — предмет дизайна или все же искусства. Иногда это просто утилитарные вещи, а иногда они поднимают острые социальные темы. Например, коллаборация Ивана Фролова и Анатолия Белова затрагивает тему сексуальных меньшинств", — говорит Катя Тейлор.

Одна из центральных работ проекта — коллаборация знаменитого украинского дизайнера Лилии Пустовит и не менее известного художника Павла Макова. Метр делает паттерны из фотографий городских пейзажей, сделанных с высоты птичьего полета, которые в дальнейшем складывает в своеобразные пазлы. Работы Макова настолько вдохновили Лилию Пустовит, что нашли место на ее платьях, скатертях и салфетках.

"Некоторые мои коллеги боятся дизайна, а я считаю, что хороший дизайн встречается также редко, как и хорошее искусство. Все художники эпохи Возрождения и последующих эпох с удовольствием работали в прикладных областях, в том числе и в дизайне. Хороший дизайн не менее важен в повседневной жизни, чем искусство: он также помогает пережить эту жизнь", — говорит Павел Маков.

А вот художница Маша Шубина устроила коллаборацию с самой собой, попробовав себя в роли дизайнера. Для проекта она предоставила украшения, сделанные из гаек и автомобильных клемм, а также купальники, платья, блузы и футболки. Эскизы принта создавались художницей, а вышивались вручную в Индии, на родине Камасутры.

Автор Надежда Маркевич,

Фото Олега Синькова

Метки: искусство, одесса, АЯТ
14:41 07.02.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Дверные ручки как произведение искусства

Дверная ручка — вроде бы обычная вещь, которой мы пользуемся ежедневно. Но ведь есть даже среди такой обыденной вещи настоящие шедевры, поражающие фантазией мастеров и красотой исполнения.

Некоторые из этих архитектурных и исторических артефактов действительно тщательно продуманные произведения искусства, некоторые обладают скрытым (тайным) значением, которое часто имеет отношение к духовным проходам или открытию волшебных дверных проемов в потусторонний мир.

Иногда до ручек страшно дотрагиваться

Метки: АЯТ, дверные ручки, соо Искусство
13:49 16.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Вор по кличке Человек-паук совершил "ограбление века" в парижском музее.

Вьеран Томич в 2017 году
Pascal Vila / Sipa / Scanpix / LETA

В 2010 году 42-летний Вьеран Томич ограбил Музей современного искусства в Париже, украв оттуда картины Пикассо, Матисса, Модильяни, Леже и Брака общей стоимостью в десятки миллионов евро. Вора, которого в прессе стали называть «человеком-пауком», арестовали год спустя; он и его сообщники были осуждены, но местонахождение картин до сих пор неизвестно. Журнал The New Yorker подробно рассказал историю ограбления и биографию самого Томича — сына мигрантов из Боснии, который утверждает, что у него с искусством особые отношения.

Француз боснийского происхождения Вьеран Томич начал воровать еще в детстве. Он тренировался, прыгая по могилам на Пер-Лашез

Вьеран Томич родился в 1968 году в Париже в семье эмигрантов из Боснии. Из-за болезни матери его в младенчестве отправили к бабушке на родину родителей. Там, он по собственным словам, впервые стал проявлять дурные наклонности, засовывая шипы в обувь кузенов, а также начал заниматься своего рода паркуром — например, забираясь по каменному мосту через реку Неретву. В боснийском Мостаре он совершил первую кражу, проникнув через окно в библиотеку и забрав оттуда две старинных книги — впоследствии их вернул его брат.

В 11 лет Томич вернулся в Париж. Его родители постоянно ссорились; в дальнейшем в письмах подруге из тюрьмы он писал, что они «украли его жизнь», увезя его из Боснии. По собственным словам, Томич в юном возрасте заинтересовался рисованием, а в 16 лет увидел в Музее Оранжереи картины Ренуара — и остался под очень сильным впечатлением. Как рассказал Томич журналисту The New Yorker, он объявил родителям, что хочет стать художником, однако отец заявил, что это не настоящая работа.

После этого Томич стал думать о побеге из дома, пропускать школу и проводить с друзьями время на кладбище Пер-Лашез. Там они фактически занимались паркуром, прыгая со склепа на склеп. Компания заняла заброшенный дом неподалеку и жила за счет продажи стеклянных изделий, ворованных с местной фабрики. Томич с друзьями также стали забираться в квартиры и красть оттуда вещи.

Постепенно Вьеран Томич стал вором-одиночкой, обкрадывая квартиры в богатых районах Парижа и используя свои навыки в паркуре. Иногда он обследовал одну квартиру несколько раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет — одно преступление позволяло ему жить несколько месяцев на Лазурном берегу. Среди его жертв были известные люди — дизайнер Филипп Старк рассказал журналу, что проникся к «своему вору» (это был именно Томич) уважением из-за того, что он по сути прожил у него несколько дней дома, оставаясь незаметным.

The New Yorker отмечает, что в письмах из тюрьмы Томич указывает на свою способность хорошо действовать в стрессовых ситуациях и выходить сухим из воды. В действительности еще до ограбления 2010 года он несколько раз попадал в тюрьму — в том числе из-за импульсивности и невнимательности. Однажды, забыв бумажник и обнаружив, что у него нет денег на бензин, Томич ограбил булочную с помощью игрушечного пистолета и провел год в тюрьме.

В мае 2010 года Томич ограбил в Париже музей современного искусства. Он шел туда за одной картиной, а вынес пять

Чаще всего Томич крал драгоценности, однако иногда забирал из домов и живопись — если она ему очень нравилась. В 2000 году он украл из квартиры, в которой в это время спали хозяева, несколько картин, в том числе две работы Ренуара; пробрался он в квартиру, выстрелив из лука в окно и забравшись в него по веревке. Продать ценное произведение искусства на черном рынке сложно; самые любимые картины Томич, по собственным словам, держал у себя дома на стене. В письме автору статьи он написал, что некоторые картины могут производить на него очень сильное эмоциональное впечатление, уточнив, что в жизни не прочитал ни одной книги об искусстве. Подруга Томича пояснила The New Yorker, что он «подключается к энергии и вибрациям» произведения, и сравнила преступника с «шаманом».

Сбывать краденое Томичу помогал бизнесмен и владелец небольшой галереи Жан-Мишель Корве. Он дал грабителю список художников, работами которых интересуются покупатели, — речь шла в том числе о Модильяни, Моне, Шагале и Леже.

Две картины, украденных Томичем: «Натюрморт с подсвечниками» Фернана Леже и «Женщина с веером» Амедео Модильяни
Wikimedia Commons

В мае 2010 года Вьеран Томич заметил в окне дома на набережной Сены кубистское полотно. Дом оказался Музеем современного искусства в Париже — он расположен в восточном крыле Токийского дворца. Томич обратил внимание на конструкцию оконных рам — и понял, что уже успешно вскрывал такие окна и без труда заберется в здание. Исследовав музей внутри, он обнаружил, что там не работают некоторые датчики движения. В экспозиции была картина Фернана Леже «Натюрморт с подсвечниками», арендованная из другого музея и застрахованная на четыре миллиона евро. Томич встретился с Корве и тот предложил ему украсть полотно за 40 тысяч долларов. Вор согласился.

Подготовка к ограблению заняла шесть дней. Начиная с 14 мая, Томич по ночам выворачивал винты в одном из окон, заменяя их муляжами. Ночью 20 мая он наконец вынул окно, ненадолго залез внутрь и снова выбрался на улицу, проверяя сигнализацию. Поняв, что она не сработала, он вернулся в музей и нашел картину Леже, за которой пришел. Однако, как позже Томич рассказал журналисту The New Yorker, остановиться на этом он просто не мог — картины как будто сами манили его к себе. Внимание грабителя привлекли «Пастораль» Анри Матисса, «Женщина с веером» Модильяни, а также «Голубь с зеленым горошком» Пабло Пикассо и «Олива близ Эстака» Жоржа Брака.

Томич говорит, что чуть было не украл еще одну картину — «Женщину с голубыми глазами» Модильяни, — однако она якобы «сказала» ему, что он будет «жалеть до конца своих дней», если прикоснется к ней. Грабитель в два захода отнес картины в свою машину, а наутро отдал их на хранение Корве, получив от него 40 тысяч евро за Леже (партнеру грабителя не понравилось, что тот украл сразу пять дорогих картин, но он все равно забрал их). Вечером о крупнейшей за последние годы краже произведений искусства стали говорить во всех новостях — разумеется, происшествие назвали «ограблением века».

Вскоре Томича и его подельников арестовали, судили и посадили в тюрьму. Что стало с украденными картинами, достоверно неизвестно

Вскоре у полиции появился свидетель — скейтбордист, который видел подозрительного человека около музея за несколько дней до ограбления. Как следует из материала The New Yorker, в первые месяцы улик у следствия практически не было. Однако осенью имя Томича всплыло в другом расследовании об ограблении, и в ходе прослушки его телефонных разговоров полиция услышала его беспокойные рассуждения об ограблении музея. За ним начали следить — в декабре 2010-го полиция увидела, как Томич осматривает экстренные выходы парижского Центра Помпиду, а на следующий день покупает перчатки, клей и присоски. Автоответчик на телефоне Томича и вовсе сообщал, что к нему можно обратиться по поводу покупки пяти очень дорогих картин.

Полиция у Музея современного искусства в Париже после ограбления, 20 мая 2010 года.
Benoit Tessier / Reuters / Scanpix / LETA

Корве перестал выходить с Томичем на связь, чем вызвал у грабителя подозрения; когда они случайно встретились на вокзале, Корве, по воспоминаниям Томича, не смог внятно ответить ему на вопрос о судьбе картин. В дальнейшем Корве сообщил, что продал картину Леже — как выяснилось позже, покупатель действительно заплатил ему 80 тысяч за картину, однако через два дня, испугавшись, вернул полотно и не попросил деньги назад. Кроме того, партнер грабителя сказал, что нашел покупателя для Модильяни — им оказался 33-летний часовщик Джонатан Бирн. У него же якобы в тот момент хранились остальные украденные картины.

Как пишет The New Yorker, Корве и Бирн пытались продать картины; Бирн для этого даже ездил в Израиль (Корве говорил Томичу, что они нашли некоего «русского еврея, который может взять картины»). Чем закончились переговоры, в статье не сказано. Тем временем у Томича начали заканчиваться деньги — и он решил пойти на новое ограбление.

Обокрасть он собирался квартиру неподалеку от посольства Канады. По словам Томича, в мае 2011 года он залез туда около 15 раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет, и в итоге взял картину Камиля Писсарро и коллекцию часов. После этого Томич был арестован — и на допросе сразу сознался в ограблении Музея современного искусства. Прокурору показалось, что Томич гордился своей работой.

Процесс широко освещался французской прессой — журналисты даже начали называть Томича «Человеком-пауком» из-за того, как он влезал на стены, чтобы обворовывать квартиры. На суде грабитель заявлял, что картины, которые он унес из музея, принадлежат ему — и подтверждал эту позицию в переписке с журналистом The New Yorker. В 2017 году его приговорили к восьми годам лишения свободы.

Где находятся картины сейчас, неизвестно. Джонатан Бирн, который вместе с Корве был осужден как соучастник преступления, заявил в суде, что полиция упустила их во время обыска у него дома, а он затем их якобы уничтожил. Многие — в том числе Томич — в эти утверждения не верят. Грабитель попытался выяснить у Бирна судьбу картин в тюрьме, в которой они находились одновременно, однако часовщик уклонялся от общения с ним и даже попросил охрану загородить стеклянную дверь в его камеру матрасом, чтобы Томич не мог его видеть.

На прямой вопрос журналиста, уничтожены ли картины, Томич ответил так. «Бирн любит картины больше всего на свете, он бы их как-то защитил, — написал грабитель. — Однажды ему придется отдать их тому, кому они принадлежат. То есть мне».

Метки: искусство, музей, ограбление, АЯТ
20:49 14.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Деревянные скульптуры

Николай Глеба в селе Кушница Закарпатской области – местная знаменитость: умельца знает вся округа. Он вырезает поразительные деревянные фигуры.

.

Метки: искусство, дерево, Резьба, АЯТ, народный умелец
21:20 21.12.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Японский театр кабуки

Кабуки – вид японского национального театра, традиционный японский театр, сочетающий в себе жанры танца, пения, драмы и музыкальные композиции.

Театр кабуки в Японии

Актерам кабуки наносится сложный грим, их облачают в яркие наряды, на которые нанесено большое количество особой символики, имеющей определенный смысл. На японском кабуки пишется так — 歌舞伎. Эти иероглифы означают «танец, песня и мастерство». Театр кабуки пользуется огромной популярностью не только среди японцев, но и по всему миру.

Театр кабуки видео

Также вы можете узнать больше в документальном фильме о японском театре

Грим театра кабуки

Традиционно в кабуки мужчины играют все роли.

Отличительной чертой японского театра является сложный разноцветный грим, нанесенный на лица актеров, носящий определенный раскрас в зависимости от того, какую роль исполняет актер. Если актер играет молодую девушку или парня, его лицо раскрашивается в белый цвет, а для того, чтобы показать другой возраст, добавляются иные цвета, например, коричневый. В качестве показателя силы пальцами наносят разноцветные полосы на лице актера. Кумадори – уникальный канон, по которому наносятся линии различной формы и цвета, усиливающие эмоциональный окрас мужского персонажа и показывающие его характер. Его главные цвета – синий, черный и красный. Красный символизирует храбрость, преданность и честность, черный – волшебство и божественность, синий – зло, ярость и потусторонние силы.

Театр кабуки фото

Фото театр кабуки

Особое искусство – играть роль женщины (оннагата). Искусство игры и грим совершенны до такой степени, что актеров оннагата невозможно отличить от настоящих женщим. Грим оннагата состоит из белой основы, уши, веки, брови и щеки окрашиваются красными, черными и зелеными цветами.

Сцена кабуки

Сцена имеет особое устройство. Деревянный помост ханамити тянется от левого края сцены через весь зрительский зал. Ханамити используется как для прихода и ухода актеров со сцены, так и для обыгрывания некоторых моментов пьесы. Также в кабуки была впервые в мире применена вращающаяся сцена. Очень важное место занимают декорации, именуемые одогу. Платформа с тремя ступеньками на сцене может быть позицией полководца, магазинчиком купца или каморкой куртизанки в зависимости от декораций, которые на ней установлены. Декорации и утварь специально делаются меньше натуральных размеров для того, чтобы повысить значимость актеров.

Сцена театра кабуки фото

Сцена

Амплуа актеров японского народного театра

— Татияку — главный герой, мудрый, мощный, ловкий, красивый. Существует несколько видов: арагото – боец, который имеет необыкновенную силу; вагато – утонченный красавчик, прекрасный любовник; дзицугото -мудрый, честный, стоический мужчина.

— Катакияку – отрицательный персонаж, враг татияку. Его типы: дзицуаку — мерзкий проходимец, злодей; кугэаку — благородный человек из знатной семьи, из-за сложившегося положения вынужденный совершать плохие поступки; ироаку – отрицательный персонаж, имеющий облик утонченного красавца.

— Докэката — смешной персонаж. Это бездельник и дурачок.

— Кояку — персонаж ребенка, который, как правило играется сыновьями актеров.

— Оннагата – женский персонаж, которого играет мужчина. Существуют различные типы оннагата. Основной — юная прекрасная девушка. Среди этих девушек есть несколько видов: мусмэката –молодая скромница, облаченная в кимоно с длинными рукавами; акахимэ — соблазнительная красотка родом из знатной семьи одетая в красное платье; кэйсэй — известная куртизанка; сэванёбо – покорная и кроткая жена купца; онна будо — воительница; акуба, или докуфу, — злобная и хитрая дама, женщина — вамп. Кроме того, присутствует амплуа женщин в возрасте: касягата — старуха и фукэояма — женщина среднего возраста.

Метки: Япония, искусство, театр, АЯТ, кабуки
20:50 14.11.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Кружевной шедевр

Кружевной самовар — ручная работа ,тончайшее искусство чудесной кружевницы Синициной Татьяны из Тальчино .

Метки: искусство, рукоделие, АЯТ, кружева, домоводство
21:23 30.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бумажное изящество

Художник из Японии, известный в Интернете под ником "Мистер Риу", создает узоры из бумаги непостижимой сложности, вырезанные художественным ножом. Его работы — это главным образом мандалы и симметричные узоры, созданные в технике зентангла.
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ...
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 2
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 3
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 4
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 5
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 6

Метки: искусство, бумага, АЯТ, художество
19:16 15.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Скульптуры из тыквы. Рэй Виллефейн — американский скульптор по тыкве

Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, однако знаменитыми они его не сделали. Любимым его жанром является хоррор, поэтому решил творить в этом направлении уже не на бумаге или глины, а из тыквы. Резьба по тыкве принесла ему не только славу, но и стала удивительным материалом для его произведения искусства.
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ...
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 2
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 3
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 4
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 5
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 6
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 7
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 8
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 9
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 10
.
Метки: скульптуры, искусство, тыква, хоррор, АЯТ
19:05 07.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Рисунки на перьях

Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную женщина начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях. Она считает, и мы не можем с этим не согласиться, что нанесение красок на такую столь деликатную и хрупкую поверхность является одновременно интересным и трудным занятием:
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

"Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц", — рассказала художница.
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Метки: АЯТ
20:26 04.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Янтарная комната

«Восьмое чудо света» — Янтарная комната или «кабинет» — уникальный и единственный в истории пример использования янтарного материала в монументальной работе. Как известно, янтарь очень капризен и неустойчив, его «парадный вид» слишком зависит от температуры и влажности. Сразу же после установки этого янтарного чуда вначале в Зимнем дворце для обслуживания янтарного кабинета был выделен специальный смотритель. Три крупные реставрации были проведены только в одном 19 веке, а уж мелких ремонтов никто не считал.

Янтарь – это слезы сестер Гелиад по поводу смерти брата – Фаэтона, легенда о котором известна своей аллегорией дерзости и гордыни. Боги, сжалившись над безутешными сестрами, превратили их слезы в капли янтаря. С конца 17 века это «золото» Балтики активно использовалось в качестве драгоценного материала, с ним напрямую связан и расцвет прусского искусства этого периода. Янтарным «центром» в Европе владели курфюсты Брандербургские.

Что именно собирался делать Петр с этим янтарным чудом точно неизвестно, но лишь при Елизавете янтарный кабинет приказано обустроить в Зимнем дворце. Так в 1746 году появляется комната для официальных приемов в Зимнем, а с 1755 она перебирается в новый Большой дворец в Царском Селе. Интересно, что переносят янтарные панели кабинета в бережно упакованных ящиках вручную из Петербурга за город. Однако выделенный для устройства янтарной комнаты зал оказался слишком большим по размерам, потому комната дополнительно украшается резьбой и зеркалами, а места «нехватки» затягиваются холстами и расписываются «под янтарь».

Интерьер янтарной комнаты в основном сведен к показу янтаря, к материальной составляющей, поскольку никаких содержательных мотивов в нем особо нет. Интересно, что в обустройстве этого шедевра европейского интерьера принимало участие семь монархов, хотя испокон века величественность и великолепие имперских палат напрямую связывалось с золотом, а уж никак не с янтарем — капризным, ненадежным, трудоемким и «хлопотным» материалом.

К 300-летию Санкт-Петербурга всему миру предстала «обновленная», воссозданная за 24 года по чертежам и эскизам Янтарная комната, она располагается в Царскосельском дворце Екатерины.
Янтарная комната. «Восьмое чудо света» - Янтарная комната или «кабинет» - уникальный и единственный ...
.
Метки: искусство, АЯТ, янтарная комната
11:24 19.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Музей западного и восточного искусства отреставрировал своих "голландцев":

В Одесском музее западного и восточного искусства отреставрировали картины голландских мастеров XVII века, большая часть которых многие годы хранилась в запасниках.

Реставрацию проводили эксперты Национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины, его одесского филиала, а также реставраторы музея.


Кроме того, была проведена технико-технологическая и химическая экспертиза, которая позволила подтвердить, а в одном случае — опровергнуть подлинность полотен. Так, картина «Зимний пейзаж», автором которой ранее считали Яна ван Гойена, оказалась копией неизвестного немецкого художника XVIII века.

Как сообщили в музее, реставрация и экспертизы проводились в рамках подготовки к выставке «Золотой век: искусство Голландии XVII столетия», которая стартует 27 июля. В экспозицию войдут более 60 работ: 27 картин, 28 гравюр, один оригинальный рисунок и несколько изделий из делфтского сине-белого фарфора. Только пять картин из этого списка находятся в постоянной экспозиции Музея западного и восточного искусства.

Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"
Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
22:40 14.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Известный канадский художник

Jonathon Earl Bowser – известный канадский художник, великолепно владеющий искусством графического рисунка, создавший сотни потрясающих по красоте иллюстраций и картин.

Jonathon Earl Bowser родился в 1962 году. Начал рисовать в возрасте восьми лет. В 1984 году окончил колледж искусств (Alberta College of Art).

Jonathon Earl Bowser с удовольствием работает в жанре, который он называет натурализмом. Мистические образы дикой природы с её причудливым ландшафтом и таинственностью живого мира, чарующие женские образы,(женщины-богини, женщины— ангелы), вдохновляют художника. Его фантазиям нет предела, он создает всё новые, потрясающие своим великолепием произведения

Метки: живопись, искусство, АЯТ
06:16 27.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Женщина как украшение интерьера

.

Картина: Франсуа Буше

Что такое арт-объект, как отличить винтаж от ретро, а гламур от китча, в чем сакральный смысл узоров на ковре в бабушкиной гостиной и как комод вдохновил архитектора на создание дворца для графа Апраксина — обо этом и многом другом рассказывает культуролог Максим Лаврентьев в книге «Дизайн в пространстве культуры», которая выходит в июне в издательстве «Альпина Паблишер»...

ДЕКОР

Как, в сущности, мало мы знаем о вещах, окружающих нас в повседневности!

Возьмем обычный ковер — из числа тех, которые до недавнего времени висели почти в каждой квартире. Вот как теперь аттестуют его на просторах интернета: «Пошлая растиражированная симметрия, поглощающая свет, звук и смысл самого предмета, суррогат роскоши». Давайте, однако, самостоятельно присмотримся к узору на ковре, и начнем с центрального рисунка, так называемого медальона. У большинства старых, еще советских, изделий медальон выглядит следующим образом: от более крупной овальной части отходят в стороны две меньшего размера. Между прочим, это — схематичная модель мироздания: Срединный (наш), Верхний и Нижний миры (кстати, правильным поэтому является не горизонтальное, как чаще всего встречается, а вертикальное положение ковра на стене). В том, что перед нами, по сути, индийская мандала, нетрудно убедиться, отыскав на краю ковра многочисленных будд, сидящих в «позе лотоса». Разумеется, нужно обладать известной долей фантазии, потому что в результате бездумного копирования вытканное изображение выглядит грубым и превратилось в элемент орнамента.

Мало кому, как актеру Александру Кайдановскому, легендарному Сталкеру из фильма Андрея Тарковского, повезло жить в комнате с лепными потолками и, проснувшись однажды поутру, заметить в верхнем, обычно затемненном углу комнаты «собственное» лицо. Посему осмотрим фасад здания — допустим, бывший доходный дом Бройдо (Плотников пер., 4/5), построенный в 1907 году по проекту архитектора Николая Жерихова. Тут и фантазии никакой не требуется, достаточно быть мало-мальски образованным человеком и помнить, как выглядят на портретах русские писатели — Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Толстой. Их порядком облупившиеся профили, приданные атлетическим торсам, облаченным то ли в римские тоги, то ли в простыни (отчего возникла городская легенда о «веселом заведении» внутри), все еще можно различить без большого труда в аляповатом барельефе.

Интересна история появления писателей в Плотниковом переулке. Согласно наиболее устойчивой версии, композицию под названием «Парнас» скульптор Синаев-Бернштейн поначалу предлагал сделать фризом строившегося в тот момент на Волхонке Музея изящных искусств. По замыслу автора, деятели отечественного искусства шествовали в окружении греческих богов и муз прямиком к Аполлону. Однако заказчик, Иван Цветаев, усмотрел в работе китч, каковым она, собственно говоря, и являлась, и композицию Синаева-Бернштейна завернул. Тогда тот, не теряя времени, продал уже готовые фрагменты семейству Бройдо, зарабатывавшему постройкой в Москве доходного жилья. Правда, пришлось разделить барельеф на части, чтобы уместить фигуры между окнами третьего этажа. Но, между прочим, здесь мы видим первый скульптурный портрет Л. Н. Толстого, к тому же прижизненный.

И еще одна история, далеко не комическая. На рубеже 1930-х годов в советской столице ежегодно закрывалось порядка 50 храмов. Снятые с них колокола иной раз продавали за границу, поэтому, например, в английском Оксфорде можно теперь услышать благовест Сретенского монастыря. Гораздо же чаще звонкоголосые гиганты попадали в переплавку. Так, 16-тонная махина с колокольни Рогожского кладбища отправилась прямиком на завод «Динамо», директор которого, обращаясь в Президиум ВЦИК, обосновывал свою просьбу тем, что «из-за отсутствия цветных металлов для производства бронзовых отливок по целому ряду срочных и особо важных заказов (вкладыши бронзовые к электровозным моторам Сурамского перевала, вкладыши моторов для заводов черной металлургии, бронзовых венцов для червяков электролебедок для оборудования судов и т.д.)» срывается месячный план. А за год до того в ту же инстанцию адресовался Наркомпрос РСФСР. Для отливки бронзовых горельефов при отделке нового здания библиотеки имени В. И. Ленина потребовалось дополнительно около 100 тонн цветмета. Поскольку постановлением МК ВКП(б) и Моссовета стройка была признана ударной, ВЦИК немедленно удовлетворил запрос, предоставив «для осуществления бронзовых горельефов при отделке и облицовке здания публичной библиотеки СССР колокола со зданий церквей г. Москвы: Иакова по Яковлевской, Николая в Курицкой, Николая в Кленниках, Воскресения и Успения на Остоженке, Николая на Студенцах». В намеченный срок на фасаде Публичной библиотеки со стороны Моховой появились знакомые изображения писателей, в отличие от дома в Плотниковом эстетически вполне приемлемые.

ЖЕНЩИНА В ИНТЕРЬЕРЕ

Настоящий мужчина едва ли воспротивится утверждению, что в мире нет создания более прекрасного и совершенного, чем женщина. Тем не менее в мужской компании циркулирует немало женоненавистнических мифов. Кто-то разглагольствует о происхождении Евы из Адамова ребра — «единственной в человеческом организме кости без мозга». Атеисты указывают на «исторический факт»: якобы до VI века н. э. христиане спорили, есть ли у женщины душа. В связи с этим часто упоминается некий Никейский собор, на котором вопрос был поставлен и решен в пользу женщин отцами Церкви с перевесом всего-то в пару голосов! Разумеется, ничего подобного никогда не происходило в действительности ни на Первом, ни на Втором Никейском, ни на каком-либо ином из так называемых Вселенских соборов. Может, некоторые подозрительного вида фанатики и спорили о чем-то таком, но кулуарно — официально на соборах обсуждались совсем иные и, надо заметить, более животрепещущие для тогдашнего христианства проблемы: борьба с ересями, установление времени празднования Пасхи и т.д.

Если церковникам было по тем или иным причинам не до женщин, то с художниками и прочими служителями муз дело обстояло совершенно иначе. Куртуазные трубадуры, а затем поэты и живописцы Ренессанса создали вокруг женщины эстетический культ. Однако, объявив себя его жрецами, на деле они ставили во главу угла собственное мастерство, коим и упивались. Их божеству в том было мало проку — искусство, на все лады воспевавшее слабый пол, служило удовлетворению прихотей пола сильного.

Наконец, в XVIII веке женщины, словно сойдя с живописных полотен, где всего лишь играли отведенную им роль, сделались настоящими Венерами, Дианами, Мельпоменами. Таким необходим был подобающий комфорт — не рисованный, как раньше, а вполне осязаемый. Тут-то и от служителей прекрасного потребовалось иное рвение.

Основатель династии придворных мебельщиков Андре Шарль Буль долгие годы возглавлял мастерскую Лувра. Мебель в стиле буль щедро украшена позолоченной резьбой, инкрустирована черепаховым панцирем, перламутром, латунью и бронзой. Сыновья мастера своими руками воплощали принципы рококо для официальной фаворитки Людовика XV Жанны-Антуанетты Пуассон, более известной как маркиза де Помпадур. Их усилиями в дворцовых помещениях маркизы была создана совершенно особенная обстановка (так называемый стиль à la Reine) — гремучая смесь пышности и утонченности, сказочной таинственности и расчетливого эротизма, прообраз гламурных апартаментов.

Но все-таки формально первым в истории дизайна мебельщиком, именем которого был назван стиль, считается английский мастер того же времени Томас Чиппендейл. Его стулья имели решетчатые спинки в духе шинуазри (фр. сhinoiserie — китайщина). Изогнутые ножки делал он тоже ориентальными — в виде птичьих или звериных лап, держащих шар. К слову, стиль голливудских кинодив 1930–40-х годов, эта интерпретация модерна в ар-деко, непредставим без экзотических форм и соответствующих материалов. Кокос, бамбук, слоновая кость, крокодиловая кожа, даже шкурки ящериц — все шло в ход, чтобы угодить экранным властительницам дум и сердец. Выглядевшая как дорогой обтекаемый автомобиль, мебель для Джудит Баррет и Присциллы Лейн, Виктории Уинтон и Эдны Каллахэн обычно покрывалась еще и шпоном красного дерева, за 200 лет до того введенного в западную моду именно Чиппендейлом, поскольку оно было завезено в Англию из колоний на четверть века раньше, чем в страны континентальной Европы.

Раз уж зашла речь о «фабрике грез», то следует упомянуть и о том неожиданном вкладе, что внес в интерьер английский политик XVIII века Филипп Дормер Стэнхоуп, четвертый граф Честерфилд. Стиль честерфилд первоначально представлял собой полностью кожаный и для пущей надежности стеганый диван, заказанный графом, на досуге занимавшимся литературным трудом (свои трактаты в духе Вольтера он публиковал в журнале «Старая Англия» под псевдонимом Джеффри Толстопузый). Диван аристократа-моралиста настолько пришелся по душе прекрасной половине человечества, что постепенно начал ассоциироваться с женским представлением о личном комфорте. Много нынешних кинозвезд не скрывают своей страсти к кожаному честерфилду в различных его вариациях. Граф, однако, не должен быть на них за это в обиде. А в историю он вошел, между прочим, еще и тем, что активно способствовал переходу Великобритании на григорианский календарь, который современники так и называли: «Календарь Честерфилда».

Конечно, женщина царствует не только в искусстве. И все же, когда мы представляем идеальный женский портрет, на ум приходит, пожалуй, не Гипатия Александрийская с первой астролябией в руках, не Сара Мэтер у запатентованного ею перископа и не Стефания Кволек, синтезировавшая кевлар — основу бронежилета. И это даже не Хеди Ламарр, снявшаяся обнаженной в десятиминутной сцене купания в лесном озере, за что фильм «Экстаз» 1933 года был запрещен к показу в большинстве цивилизованных стран, а саму актрису вождь германских нацистов внес в список врагов Третьего рейха (позднее, уже в Америке, Хеди изобрела на досуге секретную систему связи с расширенным спектром — на которой основан современный Wi-Fi). Скорей уж мы вспомним мадам Рекамье, возлежащую посреди своего парижского салона на знаменитой кушетке (кушетка-рекамье) с S-образной линией изголовья, позаимствованной у древнегреческих кресел клисмос, — именно так изображена мадам на знаменитом полотне Жак-Луи Давида.

Метки: живопись, искусство, декор, АЯТ, отношение к женщине
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Анастасия Бузько
Войти