Мне подарили

13:49 16.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Вор по кличке Человек-паук совершил "ограбление века" в парижском музее.

Вьеран Томич в 2017 году
Pascal Vila / Sipa / Scanpix / LETA

В 2010 году 42-летний Вьеран Томич ограбил Музей современного искусства в Париже, украв оттуда картины Пикассо, Матисса, Модильяни, Леже и Брака общей стоимостью в десятки миллионов евро. Вора, которого в прессе стали называть «человеком-пауком», арестовали год спустя; он и его сообщники были осуждены, но местонахождение картин до сих пор неизвестно. Журнал The New Yorker подробно рассказал историю ограбления и биографию самого Томича — сына мигрантов из Боснии, который утверждает, что у него с искусством особые отношения.

Француз боснийского происхождения Вьеран Томич начал воровать еще в детстве. Он тренировался, прыгая по могилам на Пер-Лашез

Вьеран Томич родился в 1968 году в Париже в семье эмигрантов из Боснии. Из-за болезни матери его в младенчестве отправили к бабушке на родину родителей. Там, он по собственным словам, впервые стал проявлять дурные наклонности, засовывая шипы в обувь кузенов, а также начал заниматься своего рода паркуром — например, забираясь по каменному мосту через реку Неретву. В боснийском Мостаре он совершил первую кражу, проникнув через окно в библиотеку и забрав оттуда две старинных книги — впоследствии их вернул его брат.

В 11 лет Томич вернулся в Париж. Его родители постоянно ссорились; в дальнейшем в письмах подруге из тюрьмы он писал, что они «украли его жизнь», увезя его из Боснии. По собственным словам, Томич в юном возрасте заинтересовался рисованием, а в 16 лет увидел в Музее Оранжереи картины Ренуара — и остался под очень сильным впечатлением. Как рассказал Томич журналисту The New Yorker, он объявил родителям, что хочет стать художником, однако отец заявил, что это не настоящая работа.

После этого Томич стал думать о побеге из дома, пропускать школу и проводить с друзьями время на кладбище Пер-Лашез. Там они фактически занимались паркуром, прыгая со склепа на склеп. Компания заняла заброшенный дом неподалеку и жила за счет продажи стеклянных изделий, ворованных с местной фабрики. Томич с друзьями также стали забираться в квартиры и красть оттуда вещи.

Постепенно Вьеран Томич стал вором-одиночкой, обкрадывая квартиры в богатых районах Парижа и используя свои навыки в паркуре. Иногда он обследовал одну квартиру несколько раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет — одно преступление позволяло ему жить несколько месяцев на Лазурном берегу. Среди его жертв были известные люди — дизайнер Филипп Старк рассказал журналу, что проникся к «своему вору» (это был именно Томич) уважением из-за того, что он по сути прожил у него несколько дней дома, оставаясь незаметным.

The New Yorker отмечает, что в письмах из тюрьмы Томич указывает на свою способность хорошо действовать в стрессовых ситуациях и выходить сухим из воды. В действительности еще до ограбления 2010 года он несколько раз попадал в тюрьму — в том числе из-за импульсивности и невнимательности. Однажды, забыв бумажник и обнаружив, что у него нет денег на бензин, Томич ограбил булочную с помощью игрушечного пистолета и провел год в тюрьме.

В мае 2010 года Томич ограбил в Париже музей современного искусства. Он шел туда за одной картиной, а вынес пять

Чаще всего Томич крал драгоценности, однако иногда забирал из домов и живопись — если она ему очень нравилась. В 2000 году он украл из квартиры, в которой в это время спали хозяева, несколько картин, в том числе две работы Ренуара; пробрался он в квартиру, выстрелив из лука в окно и забравшись в него по веревке. Продать ценное произведение искусства на черном рынке сложно; самые любимые картины Томич, по собственным словам, держал у себя дома на стене. В письме автору статьи он написал, что некоторые картины могут производить на него очень сильное эмоциональное впечатление, уточнив, что в жизни не прочитал ни одной книги об искусстве. Подруга Томича пояснила The New Yorker, что он «подключается к энергии и вибрациям» произведения, и сравнила преступника с «шаманом».

Сбывать краденое Томичу помогал бизнесмен и владелец небольшой галереи Жан-Мишель Корве. Он дал грабителю список художников, работами которых интересуются покупатели, — речь шла в том числе о Модильяни, Моне, Шагале и Леже.

Две картины, украденных Томичем: «Натюрморт с подсвечниками» Фернана Леже и «Женщина с веером» Амедео Модильяни
Wikimedia Commons

В мае 2010 года Вьеран Томич заметил в окне дома на набережной Сены кубистское полотно. Дом оказался Музеем современного искусства в Париже — он расположен в восточном крыле Токийского дворца. Томич обратил внимание на конструкцию оконных рам — и понял, что уже успешно вскрывал такие окна и без труда заберется в здание. Исследовав музей внутри, он обнаружил, что там не работают некоторые датчики движения. В экспозиции была картина Фернана Леже «Натюрморт с подсвечниками», арендованная из другого музея и застрахованная на четыре миллиона евро. Томич встретился с Корве и тот предложил ему украсть полотно за 40 тысяч долларов. Вор согласился.

Подготовка к ограблению заняла шесть дней. Начиная с 14 мая, Томич по ночам выворачивал винты в одном из окон, заменяя их муляжами. Ночью 20 мая он наконец вынул окно, ненадолго залез внутрь и снова выбрался на улицу, проверяя сигнализацию. Поняв, что она не сработала, он вернулся в музей и нашел картину Леже, за которой пришел. Однако, как позже Томич рассказал журналисту The New Yorker, остановиться на этом он просто не мог — картины как будто сами манили его к себе. Внимание грабителя привлекли «Пастораль» Анри Матисса, «Женщина с веером» Модильяни, а также «Голубь с зеленым горошком» Пабло Пикассо и «Олива близ Эстака» Жоржа Брака.

Томич говорит, что чуть было не украл еще одну картину — «Женщину с голубыми глазами» Модильяни, — однако она якобы «сказала» ему, что он будет «жалеть до конца своих дней», если прикоснется к ней. Грабитель в два захода отнес картины в свою машину, а наутро отдал их на хранение Корве, получив от него 40 тысяч евро за Леже (партнеру грабителя не понравилось, что тот украл сразу пять дорогих картин, но он все равно забрал их). Вечером о крупнейшей за последние годы краже произведений искусства стали говорить во всех новостях — разумеется, происшествие назвали «ограблением века».

Вскоре Томича и его подельников арестовали, судили и посадили в тюрьму. Что стало с украденными картинами, достоверно неизвестно

Вскоре у полиции появился свидетель — скейтбордист, который видел подозрительного человека около музея за несколько дней до ограбления. Как следует из материала The New Yorker, в первые месяцы улик у следствия практически не было. Однако осенью имя Томича всплыло в другом расследовании об ограблении, и в ходе прослушки его телефонных разговоров полиция услышала его беспокойные рассуждения об ограблении музея. За ним начали следить — в декабре 2010-го полиция увидела, как Томич осматривает экстренные выходы парижского Центра Помпиду, а на следующий день покупает перчатки, клей и присоски. Автоответчик на телефоне Томича и вовсе сообщал, что к нему можно обратиться по поводу покупки пяти очень дорогих картин.

Полиция у Музея современного искусства в Париже после ограбления, 20 мая 2010 года.
Benoit Tessier / Reuters / Scanpix / LETA

Корве перестал выходить с Томичем на связь, чем вызвал у грабителя подозрения; когда они случайно встретились на вокзале, Корве, по воспоминаниям Томича, не смог внятно ответить ему на вопрос о судьбе картин. В дальнейшем Корве сообщил, что продал картину Леже — как выяснилось позже, покупатель действительно заплатил ему 80 тысяч за картину, однако через два дня, испугавшись, вернул полотно и не попросил деньги назад. Кроме того, партнер грабителя сказал, что нашел покупателя для Модильяни — им оказался 33-летний часовщик Джонатан Бирн. У него же якобы в тот момент хранились остальные украденные картины.

Как пишет The New Yorker, Корве и Бирн пытались продать картины; Бирн для этого даже ездил в Израиль (Корве говорил Томичу, что они нашли некоего «русского еврея, который может взять картины»). Чем закончились переговоры, в статье не сказано. Тем временем у Томича начали заканчиваться деньги — и он решил пойти на новое ограбление.

Обокрасть он собирался квартиру неподалеку от посольства Канады. По словам Томича, в мае 2011 года он залез туда около 15 раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет, и в итоге взял картину Камиля Писсарро и коллекцию часов. После этого Томич был арестован — и на допросе сразу сознался в ограблении Музея современного искусства. Прокурору показалось, что Томич гордился своей работой.

Процесс широко освещался французской прессой — журналисты даже начали называть Томича «Человеком-пауком» из-за того, как он влезал на стены, чтобы обворовывать квартиры. На суде грабитель заявлял, что картины, которые он унес из музея, принадлежат ему — и подтверждал эту позицию в переписке с журналистом The New Yorker. В 2017 году его приговорили к восьми годам лишения свободы.

Где находятся картины сейчас, неизвестно. Джонатан Бирн, который вместе с Корве был осужден как соучастник преступления, заявил в суде, что полиция упустила их во время обыска у него дома, а он затем их якобы уничтожил. Многие — в том числе Томич — в эти утверждения не верят. Грабитель попытался выяснить у Бирна судьбу картин в тюрьме, в которой они находились одновременно, однако часовщик уклонялся от общения с ним и даже попросил охрану загородить стеклянную дверь в его камеру матрасом, чтобы Томич не мог его видеть.

На прямой вопрос журналиста, уничтожены ли картины, Томич ответил так. «Бирн любит картины больше всего на свете, он бы их как-то защитил, — написал грабитель. — Однажды ему придется отдать их тому, кому они принадлежат. То есть мне».

Метки: искусство, музей, ограбление, АЯТ
20:49 14.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Деревянные скульптуры

Николай Глеба в селе Кушница Закарпатской области – местная знаменитость: умельца знает вся округа. Он вырезает поразительные деревянные фигуры.

.

Метки: искусство, дерево, Резьба, АЯТ, народный умелец
21:20 21.12.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Японский театр кабуки

Кабуки – вид японского национального театра, традиционный японский театр, сочетающий в себе жанры танца, пения, драмы и музыкальные композиции.

Театр кабуки в Японии

Актерам кабуки наносится сложный грим, их облачают в яркие наряды, на которые нанесено большое количество особой символики, имеющей определенный смысл. На японском кабуки пишется так — 歌舞伎. Эти иероглифы означают «танец, песня и мастерство». Театр кабуки пользуется огромной популярностью не только среди японцев, но и по всему миру.

Театр кабуки видео

Также вы можете узнать больше в документальном фильме о японском театре

Грим театра кабуки

Традиционно в кабуки мужчины играют все роли.

Отличительной чертой японского театра является сложный разноцветный грим, нанесенный на лица актеров, носящий определенный раскрас в зависимости от того, какую роль исполняет актер. Если актер играет молодую девушку или парня, его лицо раскрашивается в белый цвет, а для того, чтобы показать другой возраст, добавляются иные цвета, например, коричневый. В качестве показателя силы пальцами наносят разноцветные полосы на лице актера. Кумадори – уникальный канон, по которому наносятся линии различной формы и цвета, усиливающие эмоциональный окрас мужского персонажа и показывающие его характер. Его главные цвета – синий, черный и красный. Красный символизирует храбрость, преданность и честность, черный – волшебство и божественность, синий – зло, ярость и потусторонние силы.

Театр кабуки фото

Фото театр кабуки

Особое искусство – играть роль женщины (оннагата). Искусство игры и грим совершенны до такой степени, что актеров оннагата невозможно отличить от настоящих женщим. Грим оннагата состоит из белой основы, уши, веки, брови и щеки окрашиваются красными, черными и зелеными цветами.

Сцена кабуки

Сцена имеет особое устройство. Деревянный помост ханамити тянется от левого края сцены через весь зрительский зал. Ханамити используется как для прихода и ухода актеров со сцены, так и для обыгрывания некоторых моментов пьесы. Также в кабуки была впервые в мире применена вращающаяся сцена. Очень важное место занимают декорации, именуемые одогу. Платформа с тремя ступеньками на сцене может быть позицией полководца, магазинчиком купца или каморкой куртизанки в зависимости от декораций, которые на ней установлены. Декорации и утварь специально делаются меньше натуральных размеров для того, чтобы повысить значимость актеров.

Сцена театра кабуки фото

Сцена

Амплуа актеров японского народного театра

— Татияку — главный герой, мудрый, мощный, ловкий, красивый. Существует несколько видов: арагото – боец, который имеет необыкновенную силу; вагато – утонченный красавчик, прекрасный любовник; дзицугото -мудрый, честный, стоический мужчина.

— Катакияку – отрицательный персонаж, враг татияку. Его типы: дзицуаку — мерзкий проходимец, злодей; кугэаку — благородный человек из знатной семьи, из-за сложившегося положения вынужденный совершать плохие поступки; ироаку – отрицательный персонаж, имеющий облик утонченного красавца.

— Докэката — смешной персонаж. Это бездельник и дурачок.

— Кояку — персонаж ребенка, который, как правило играется сыновьями актеров.

— Оннагата – женский персонаж, которого играет мужчина. Существуют различные типы оннагата. Основной — юная прекрасная девушка. Среди этих девушек есть несколько видов: мусмэката –молодая скромница, облаченная в кимоно с длинными рукавами; акахимэ — соблазнительная красотка родом из знатной семьи одетая в красное платье; кэйсэй — известная куртизанка; сэванёбо – покорная и кроткая жена купца; онна будо — воительница; акуба, или докуфу, — злобная и хитрая дама, женщина — вамп. Кроме того, присутствует амплуа женщин в возрасте: касягата — старуха и фукэояма — женщина среднего возраста.

Метки: Япония, искусство, театр, АЯТ, кабуки
20:50 14.11.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Кружевной шедевр

Кружевной самовар — ручная работа ,тончайшее искусство чудесной кружевницы Синициной Татьяны из Тальчино .

Метки: искусство, рукоделие, АЯТ, кружева, домоводство
21:23 30.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бумажное изящество

Художник из Японии, известный в Интернете под ником "Мистер Риу", создает узоры из бумаги непостижимой сложности, вырезанные художественным ножом. Его работы — это главным образом мандалы и симметричные узоры, созданные в технике зентангла.
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ...
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 2
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 3
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 4
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 5
Художник из Японии, известный в Интернете под ником «Мистер Риу», создает узоры из бумаги ... - 6

Метки: искусство, бумага, АЯТ, художество
19:16 15.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Скульптуры из тыквы. Рэй Виллефейн — американский скульптор по тыкве

Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, однако знаменитыми они его не сделали. Любимым его жанром является хоррор, поэтому решил творить в этом направлении уже не на бумаге или глины, а из тыквы. Резьба по тыкве принесла ему не только славу, но и стала удивительным материалом для его произведения искусства.
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ...
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 2
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 3
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 4
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 5
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 6
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 7
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 8
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 9
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 10
.
Метки: скульптуры, искусство, тыква, хоррор, АЯТ
19:05 07.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Рисунки на перьях

Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную женщина начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях. Она считает, и мы не можем с этим не согласиться, что нанесение красок на такую столь деликатную и хрупкую поверхность является одновременно интересным и трудным занятием:
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

"Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц", — рассказала художница.
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Метки: АЯТ
20:26 04.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Янтарная комната

«Восьмое чудо света» — Янтарная комната или «кабинет» — уникальный и единственный в истории пример использования янтарного материала в монументальной работе. Как известно, янтарь очень капризен и неустойчив, его «парадный вид» слишком зависит от температуры и влажности. Сразу же после установки этого янтарного чуда вначале в Зимнем дворце для обслуживания янтарного кабинета был выделен специальный смотритель. Три крупные реставрации были проведены только в одном 19 веке, а уж мелких ремонтов никто не считал.

Янтарь – это слезы сестер Гелиад по поводу смерти брата – Фаэтона, легенда о котором известна своей аллегорией дерзости и гордыни. Боги, сжалившись над безутешными сестрами, превратили их слезы в капли янтаря. С конца 17 века это «золото» Балтики активно использовалось в качестве драгоценного материала, с ним напрямую связан и расцвет прусского искусства этого периода. Янтарным «центром» в Европе владели курфюсты Брандербургские.

Что именно собирался делать Петр с этим янтарным чудом точно неизвестно, но лишь при Елизавете янтарный кабинет приказано обустроить в Зимнем дворце. Так в 1746 году появляется комната для официальных приемов в Зимнем, а с 1755 она перебирается в новый Большой дворец в Царском Селе. Интересно, что переносят янтарные панели кабинета в бережно упакованных ящиках вручную из Петербурга за город. Однако выделенный для устройства янтарной комнаты зал оказался слишком большим по размерам, потому комната дополнительно украшается резьбой и зеркалами, а места «нехватки» затягиваются холстами и расписываются «под янтарь».

Интерьер янтарной комнаты в основном сведен к показу янтаря, к материальной составляющей, поскольку никаких содержательных мотивов в нем особо нет. Интересно, что в обустройстве этого шедевра европейского интерьера принимало участие семь монархов, хотя испокон века величественность и великолепие имперских палат напрямую связывалось с золотом, а уж никак не с янтарем — капризным, ненадежным, трудоемким и «хлопотным» материалом.

К 300-летию Санкт-Петербурга всему миру предстала «обновленная», воссозданная за 24 года по чертежам и эскизам Янтарная комната, она располагается в Царскосельском дворце Екатерины.
Янтарная комната. «Восьмое чудо света» - Янтарная комната или «кабинет» - уникальный и единственный ...
.
Метки: искусство, АЯТ, янтарная комната
11:24 19.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Музей западного и восточного искусства отреставрировал своих "голландцев":

В Одесском музее западного и восточного искусства отреставрировали картины голландских мастеров XVII века, большая часть которых многие годы хранилась в запасниках.

Реставрацию проводили эксперты Национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины, его одесского филиала, а также реставраторы музея.


Кроме того, была проведена технико-технологическая и химическая экспертиза, которая позволила подтвердить, а в одном случае — опровергнуть подлинность полотен. Так, картина «Зимний пейзаж», автором которой ранее считали Яна ван Гойена, оказалась копией неизвестного немецкого художника XVIII века.

Как сообщили в музее, реставрация и экспертизы проводились в рамках подготовки к выставке «Золотой век: искусство Голландии XVII столетия», которая стартует 27 июля. В экспозицию войдут более 60 работ: 27 картин, 28 гравюр, один оригинальный рисунок и несколько изделий из делфтского сине-белого фарфора. Только пять картин из этого списка находятся в постоянной экспозиции Музея западного и восточного искусства.

Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"
Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
22:40 14.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Известный канадский художник

Jonathon Earl Bowser – известный канадский художник, великолепно владеющий искусством графического рисунка, создавший сотни потрясающих по красоте иллюстраций и картин.

Jonathon Earl Bowser родился в 1962 году. Начал рисовать в возрасте восьми лет. В 1984 году окончил колледж искусств (Alberta College of Art).

Jonathon Earl Bowser с удовольствием работает в жанре, который он называет натурализмом. Мистические образы дикой природы с её причудливым ландшафтом и таинственностью живого мира, чарующие женские образы,(женщины-богини, женщины— ангелы), вдохновляют художника. Его фантазиям нет предела, он создает всё новые, потрясающие своим великолепием произведения

Метки: живопись, искусство, АЯТ
06:16 27.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Женщина как украшение интерьера

.

Картина: Франсуа Буше

Что такое арт-объект, как отличить винтаж от ретро, а гламур от китча, в чем сакральный смысл узоров на ковре в бабушкиной гостиной и как комод вдохновил архитектора на создание дворца для графа Апраксина — обо этом и многом другом рассказывает культуролог Максим Лаврентьев в книге «Дизайн в пространстве культуры», которая выходит в июне в издательстве «Альпина Паблишер»...

ДЕКОР

Как, в сущности, мало мы знаем о вещах, окружающих нас в повседневности!

Возьмем обычный ковер — из числа тех, которые до недавнего времени висели почти в каждой квартире. Вот как теперь аттестуют его на просторах интернета: «Пошлая растиражированная симметрия, поглощающая свет, звук и смысл самого предмета, суррогат роскоши». Давайте, однако, самостоятельно присмотримся к узору на ковре, и начнем с центрального рисунка, так называемого медальона. У большинства старых, еще советских, изделий медальон выглядит следующим образом: от более крупной овальной части отходят в стороны две меньшего размера. Между прочим, это — схематичная модель мироздания: Срединный (наш), Верхний и Нижний миры (кстати, правильным поэтому является не горизонтальное, как чаще всего встречается, а вертикальное положение ковра на стене). В том, что перед нами, по сути, индийская мандала, нетрудно убедиться, отыскав на краю ковра многочисленных будд, сидящих в «позе лотоса». Разумеется, нужно обладать известной долей фантазии, потому что в результате бездумного копирования вытканное изображение выглядит грубым и превратилось в элемент орнамента.

Мало кому, как актеру Александру Кайдановскому, легендарному Сталкеру из фильма Андрея Тарковского, повезло жить в комнате с лепными потолками и, проснувшись однажды поутру, заметить в верхнем, обычно затемненном углу комнаты «собственное» лицо. Посему осмотрим фасад здания — допустим, бывший доходный дом Бройдо (Плотников пер., 4/5), построенный в 1907 году по проекту архитектора Николая Жерихова. Тут и фантазии никакой не требуется, достаточно быть мало-мальски образованным человеком и помнить, как выглядят на портретах русские писатели — Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Толстой. Их порядком облупившиеся профили, приданные атлетическим торсам, облаченным то ли в римские тоги, то ли в простыни (отчего возникла городская легенда о «веселом заведении» внутри), все еще можно различить без большого труда в аляповатом барельефе.

Интересна история появления писателей в Плотниковом переулке. Согласно наиболее устойчивой версии, композицию под названием «Парнас» скульптор Синаев-Бернштейн поначалу предлагал сделать фризом строившегося в тот момент на Волхонке Музея изящных искусств. По замыслу автора, деятели отечественного искусства шествовали в окружении греческих богов и муз прямиком к Аполлону. Однако заказчик, Иван Цветаев, усмотрел в работе китч, каковым она, собственно говоря, и являлась, и композицию Синаева-Бернштейна завернул. Тогда тот, не теряя времени, продал уже готовые фрагменты семейству Бройдо, зарабатывавшему постройкой в Москве доходного жилья. Правда, пришлось разделить барельеф на части, чтобы уместить фигуры между окнами третьего этажа. Но, между прочим, здесь мы видим первый скульптурный портрет Л. Н. Толстого, к тому же прижизненный.

И еще одна история, далеко не комическая. На рубеже 1930-х годов в советской столице ежегодно закрывалось порядка 50 храмов. Снятые с них колокола иной раз продавали за границу, поэтому, например, в английском Оксфорде можно теперь услышать благовест Сретенского монастыря. Гораздо же чаще звонкоголосые гиганты попадали в переплавку. Так, 16-тонная махина с колокольни Рогожского кладбища отправилась прямиком на завод «Динамо», директор которого, обращаясь в Президиум ВЦИК, обосновывал свою просьбу тем, что «из-за отсутствия цветных металлов для производства бронзовых отливок по целому ряду срочных и особо важных заказов (вкладыши бронзовые к электровозным моторам Сурамского перевала, вкладыши моторов для заводов черной металлургии, бронзовых венцов для червяков электролебедок для оборудования судов и т.д.)» срывается месячный план. А за год до того в ту же инстанцию адресовался Наркомпрос РСФСР. Для отливки бронзовых горельефов при отделке нового здания библиотеки имени В. И. Ленина потребовалось дополнительно около 100 тонн цветмета. Поскольку постановлением МК ВКП(б) и Моссовета стройка была признана ударной, ВЦИК немедленно удовлетворил запрос, предоставив «для осуществления бронзовых горельефов при отделке и облицовке здания публичной библиотеки СССР колокола со зданий церквей г. Москвы: Иакова по Яковлевской, Николая в Курицкой, Николая в Кленниках, Воскресения и Успения на Остоженке, Николая на Студенцах». В намеченный срок на фасаде Публичной библиотеки со стороны Моховой появились знакомые изображения писателей, в отличие от дома в Плотниковом эстетически вполне приемлемые.

ЖЕНЩИНА В ИНТЕРЬЕРЕ

Настоящий мужчина едва ли воспротивится утверждению, что в мире нет создания более прекрасного и совершенного, чем женщина. Тем не менее в мужской компании циркулирует немало женоненавистнических мифов. Кто-то разглагольствует о происхождении Евы из Адамова ребра — «единственной в человеческом организме кости без мозга». Атеисты указывают на «исторический факт»: якобы до VI века н. э. христиане спорили, есть ли у женщины душа. В связи с этим часто упоминается некий Никейский собор, на котором вопрос был поставлен и решен в пользу женщин отцами Церкви с перевесом всего-то в пару голосов! Разумеется, ничего подобного никогда не происходило в действительности ни на Первом, ни на Втором Никейском, ни на каком-либо ином из так называемых Вселенских соборов. Может, некоторые подозрительного вида фанатики и спорили о чем-то таком, но кулуарно — официально на соборах обсуждались совсем иные и, надо заметить, более животрепещущие для тогдашнего христианства проблемы: борьба с ересями, установление времени празднования Пасхи и т.д.

Если церковникам было по тем или иным причинам не до женщин, то с художниками и прочими служителями муз дело обстояло совершенно иначе. Куртуазные трубадуры, а затем поэты и живописцы Ренессанса создали вокруг женщины эстетический культ. Однако, объявив себя его жрецами, на деле они ставили во главу угла собственное мастерство, коим и упивались. Их божеству в том было мало проку — искусство, на все лады воспевавшее слабый пол, служило удовлетворению прихотей пола сильного.

Наконец, в XVIII веке женщины, словно сойдя с живописных полотен, где всего лишь играли отведенную им роль, сделались настоящими Венерами, Дианами, Мельпоменами. Таким необходим был подобающий комфорт — не рисованный, как раньше, а вполне осязаемый. Тут-то и от служителей прекрасного потребовалось иное рвение.

Основатель династии придворных мебельщиков Андре Шарль Буль долгие годы возглавлял мастерскую Лувра. Мебель в стиле буль щедро украшена позолоченной резьбой, инкрустирована черепаховым панцирем, перламутром, латунью и бронзой. Сыновья мастера своими руками воплощали принципы рококо для официальной фаворитки Людовика XV Жанны-Антуанетты Пуассон, более известной как маркиза де Помпадур. Их усилиями в дворцовых помещениях маркизы была создана совершенно особенная обстановка (так называемый стиль à la Reine) — гремучая смесь пышности и утонченности, сказочной таинственности и расчетливого эротизма, прообраз гламурных апартаментов.

Но все-таки формально первым в истории дизайна мебельщиком, именем которого был назван стиль, считается английский мастер того же времени Томас Чиппендейл. Его стулья имели решетчатые спинки в духе шинуазри (фр. сhinoiserie — китайщина). Изогнутые ножки делал он тоже ориентальными — в виде птичьих или звериных лап, держащих шар. К слову, стиль голливудских кинодив 1930–40-х годов, эта интерпретация модерна в ар-деко, непредставим без экзотических форм и соответствующих материалов. Кокос, бамбук, слоновая кость, крокодиловая кожа, даже шкурки ящериц — все шло в ход, чтобы угодить экранным властительницам дум и сердец. Выглядевшая как дорогой обтекаемый автомобиль, мебель для Джудит Баррет и Присциллы Лейн, Виктории Уинтон и Эдны Каллахэн обычно покрывалась еще и шпоном красного дерева, за 200 лет до того введенного в западную моду именно Чиппендейлом, поскольку оно было завезено в Англию из колоний на четверть века раньше, чем в страны континентальной Европы.

Раз уж зашла речь о «фабрике грез», то следует упомянуть и о том неожиданном вкладе, что внес в интерьер английский политик XVIII века Филипп Дормер Стэнхоуп, четвертый граф Честерфилд. Стиль честерфилд первоначально представлял собой полностью кожаный и для пущей надежности стеганый диван, заказанный графом, на досуге занимавшимся литературным трудом (свои трактаты в духе Вольтера он публиковал в журнале «Старая Англия» под псевдонимом Джеффри Толстопузый). Диван аристократа-моралиста настолько пришелся по душе прекрасной половине человечества, что постепенно начал ассоциироваться с женским представлением о личном комфорте. Много нынешних кинозвезд не скрывают своей страсти к кожаному честерфилду в различных его вариациях. Граф, однако, не должен быть на них за это в обиде. А в историю он вошел, между прочим, еще и тем, что активно способствовал переходу Великобритании на григорианский календарь, который современники так и называли: «Календарь Честерфилда».

Конечно, женщина царствует не только в искусстве. И все же, когда мы представляем идеальный женский портрет, на ум приходит, пожалуй, не Гипатия Александрийская с первой астролябией в руках, не Сара Мэтер у запатентованного ею перископа и не Стефания Кволек, синтезировавшая кевлар — основу бронежилета. И это даже не Хеди Ламарр, снявшаяся обнаженной в десятиминутной сцене купания в лесном озере, за что фильм «Экстаз» 1933 года был запрещен к показу в большинстве цивилизованных стран, а саму актрису вождь германских нацистов внес в список врагов Третьего рейха (позднее, уже в Америке, Хеди изобрела на досуге секретную систему связи с расширенным спектром — на которой основан современный Wi-Fi). Скорей уж мы вспомним мадам Рекамье, возлежащую посреди своего парижского салона на знаменитой кушетке (кушетка-рекамье) с S-образной линией изголовья, позаимствованной у древнегреческих кресел клисмос, — именно так изображена мадам на знаменитом полотне Жак-Луи Давида.

Метки: живопись, искусство, декор, АЯТ, отношение к женщине
18:58 18.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Eugenio Zampighi

Eugenio Zampighi (1859-1959) родился в Модене, Италия. Он проявил интерес к искусству в раннем возрасте и в тринадцать лет он учился в Академии Дизайна. После окончания курсов он принимал участие в выставках и завоевал шесть медалей за сое творчество. В двадцать лет он выиграл стипендию на обучение в Риме. Здесь он принимал участие в многочисленных выставках и стал почетным членом палаты Академии Модены. В 1884 году он переехал жить во Флоренцию и здесь начал рисовать свои известные предметы жанра, которые были успешно проданы и он получил степень профессора, которая была присуждена ему Советом Академии. Картины художника хранятся в музее искусства в Модене. /

Метки: живопись, искусство, АЯТ
16:18 16.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Дмитрий Левин

Все-таки ужасно приятно иметь еще на земле уголок, куда можно приехать, сесть и слушать, как тикают ходики, и ни о чем почти не думать. ********************* Василий Шукшин
Художник Дмитрий Лёвкин
.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
18:22 14.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Ольга Абрамова

Ольга Абрамова родилась в 1976 году в Москве. В 1996 году окончила Московское Художественное училище Прикладного Искусства имени Калинина (МХУПИ), специальность — художник по тканям. В 2000 году окончила Московский Государственный Открытый Педагогический Университет, художественно графический факультет. Диплом был выполнен в технике пастельной живописи. С тех пор пастельная техника является основным и любимым стилем рисования. Участник многих персональных и групповых выставок в России и за рубежом. Автор статей о живописи в технике пастель. С 2001 года является членом Международного ХудожествеОскар Уайльд

нного Фонда.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
14:44 13.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон (1830-1896

Художник Фредерик Лейтон (Leighton Frederick) (1830–1896)
Автопортрет
Процессия с Мадонной Чимабуэ (Cimabue's Celebrated Madonna)_
Обаятельная девушка Лейтон Фредерик (Leighton Frederick) (1830–1896), английский художник и скульптор. Родился 3 декабря 1830 в Скарборо (графство Йоркшир). Его отец был врачом, а дед, сэр Джеймс Лейтон, придворным врачом русского императора Александра I. В детстве Фредерику Лейтону пришлось много путешествовать по Европе. Лейтон начал изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, а позже в Лондоне, Дрездене и Флоренции. Фредерик Лейтон жил и творил в эпоху королевы Виктории. В 1855 впервые выставил свои произведения в Королевской академии художеств и получил награду за картину, приобретенную впоследствии королевой Викторией.
Пылающий июнь Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Лейтон часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника. Среди наиболее известных картин Лейтона – признанный шедевр "Пылающий июнь", 1895; также "Сиракузская невеста", 1866; "Электра у гробницы Агамемнона", 1869; "Летняя луна", 1872; "Купание Психеи", 1890
"Электра у гробницы Агамемнона"
Купание Психеи
Портрет девушки
Патрицианка
Дездемона_
Дева с желтыми волосами
Портрет Мэй Сарторис
Гюльнихаль
Воспоминания
Мать с ребенком
Элегия
Сад Гесперид

Метки: живопись, искусство, работы, АЯТ, портретист
14:22 08.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Willem Haenraets

+ Танго требует стабильной мимики,максимальной неподвижности тела.Танго серьезен,танго трагичен.Танго грустен,лиричен. В танго нет улыбки. Она запрещена..Танго говорит...о неизбежности роковых законов любви !
Художник Willem Haenraets
Художник Willem Haenraets - 2
Художник Willem Haenraets - 3
Художник Willem Haenraets - 4
Художник Willem Haenraets - 5
=
Метки: живопись, искусство, танец, танго, АЯТ
15:47 07.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Владислав Леонович

=
Есть люди, которые приносят в этот мир добро и радость. К ним относится и Владислав Николаевич Леонович замечательный белорусский художник.. Он пишет свои картины маслом и пастелью и более двадцати лет проработал художником-оформителем.

Метки: живопись, детство, АЯТ
13:51 31.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

РУССКИЕ ПРИНЦЕССЫ ВЛАДИСЛАВА НАГОРНОВА

Владислав Нагорнов (Vladislav Nagornov) родился в 1974 году, и с ранних лет полюбил искусство и все прекрасное. Поступил и окончил Пензенское художественное училище, затем продолжил учебу и совершенствование в Российской Академии Живописи Ваяния и Зодчества.
С 2001 года является членом Союза Художников России, постоянный участник общероссийских выставок и зарубежных аукционов. Работы художника находятся в частных и корпоративных коллекциях в России и за рубежом.
Картины художника Нагорного отражают красоту русских девушек и женщин, а так же напоминают нам о великой истории России. Очень приятно и радостно видеть такие работы. Остается только пожелать художнику долгих лет и больших творческих успехов.

Метки: живопись, портреты, АЯТ
12:05 25.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

СЕКРЕТЫ "АВИНЬОНСКИХ ДЕВИЦ" ПИКАССО

Экспериментаторы привыкли к критике. Публика консервативна и не понимает смелых решений! Но Пабло Пикассо выделился и тут: его картину «Авиньонские девицы» осудили даже друзья и единомышленники.

VS05_039_KulturniyKod.jpg
Нажмите для увеличения

Картина «Авиньонские девицы»
Холст, масло 243,9×233,7 см
1907
Ныне хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке

Когда Анри Матисс, один из самых эпатажных художников в те годы, увидел в мастерской Пикассо эту работу, то оскорбился. Матисс решил, что его младший товарищ просто издевается над сторонниками обновления искусства, прежде всего над ним самим. «Вы как будто хотите заставить нас набрать в рот керосина и выдыхать огонь», — высказал автору свои впечатления от полотна другой живописец, Жорж Брак. «Какая потеря для французского искусства!» — сокрушался о «сбившемся с пути» художнике русский меценат Сергей Щукин. «Работа безумца», — припечатал французский коллекционер Амбруаз Воллар. Еще один художник выразил опасение, что Пикассо в один прекрасный день повесится перед своим непонятым и непринятым произведением.

Картину, позже прославившуюся под названием «Авиньонские девицы», не спешили ни покупать, ни выставлять. Публике ее впервые показали только в 1916 году, спустя девять лет после создания. Однако отношение к произведению менялось. Под влиянием «Авиньонских девиц» тот же Жорж Брак вместе с Пикассо стал отцом-основателем нового направления — кубизма. Впоследствии эту картину назвали шедевром, с которого, возможно, в искусстве по-настоящему начался XX век.

1. Интерьер. Действие происходит в публичном доме. Пикассо так всегда и говорил о картине — «мой „Бордель“». Более пристойное название, «Авиньонские девицы», дал ей в 1916 году друг художника и организатор выставки Андре Сальмон. Авиньон в данном случае не город во Франции, а название оживленной улицы в Барселоне.

2. Женщины. Арт-критик Лео Штейнберг в статье 1972 года одним из первых предположил, что, изобразив этих женщин агрессивными и жуткими, художник дал выход страху заразиться от них венерическим заболеванием — довольно распространенному опасению в Париже начала XX века.

VS05_039_KulturniyKod-3.jpg

3. Фрукты. Кусок дыни, напоминающий острый серп, яблоко и груша, похожие на куски мяса, — зловещие запретные плоды, отражение той же фобии.

VS05_039_KulturniyKod-4.jpg

4. «Африканские маски». Пикассо отрицал влияние африканского искусства в этой картине. Однако известно, что в 1907 году художника впечатлила выставка масок Черного континента в Этнографическом музее в Париже, которую он посетил до того, как завершил шедевр. Традиционное искусство народов Африки считалось примитивным, но Пикассо привлекала экспрессия и свобода от европейских изобразительных канонов.

VS05_039_KulturniyKod-5.jpg

5. «Иберийские скульптуры». Лица этих двух девушек напоминают скульптуры VI–III веков. до н. э., найденные на Иберийском полуострове. Сам Пикассо подтверждал, что учился у древнего иберийского искусства.

VS05_039_KulturniyKod-6.jpg

6. «Таитянка». Американский исследователь Уильям Рубин увидел в этой фигуре отсылку к портретам и скульптурам Поля Гогена — поклонника традиционного искусства Океании.

7. Совмещенные ракурсы. Попытки совместить в двухмерном пространстве изображения предмета с разных точек зрения — шаг к кубизму. По мнению историка науки Артура Миллера, к этому новому принципу Пикассо пришел под влиянием идей математиков Эспри Жуффре и Анри Пуанкаре о визуализации четвертого измерения.

VS05_039_KulturniyKod-7-8.jpg

8. Геометрические элементы. Совет Поля Сезанна, творчество которого Пикассо очень ценил, — различать в природе простые геометрические формы — кубисты взяли на вооружение. Само название нового направления в искусстве появилось в 1908 году, после того как арткритик Луи Восель язвительно высказался о творческой манере Жоржа Брака: художник-де весь окружающий мир сводит к кубам.

Метки: искусство, Пикассо, АЯТ, разбор картины
22:38 04.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Зловещая "Анатомия": в одесском музее выставлены картины с фрагментами расчлененных тел

До 23 мая в Художественном музее (Софиевская, 5а) будет работать выставка известной украинской художницы Влады Ралко. За последние 15 лет автор создала немало полотен, в которых арт-критики видят «препарирование действительности» и «разрушение устойчивых форм».

Неподготовленный зритель будет шокирован сюжетами картин с фонтанирующими кровью фрагментами тел, стреляющими скелетами, прозрачными биороботами, лоскутами снятой кожи… Влада Ралко, как и подобает настоящему художнику, остро ощущает, что жизнь – боль, ее душа уж точно без кожи. Влада – участница Одесской международной биеннале современного искусства и обладательница премии Всеукраинской триеннале живописи. Как и любой художник, она училась рисовать человеческое тело как с натуры, так и по анатомическим моделям.

«Однажды я тайно взяла костяк человеческой ноги домой, так как не успевала нарисовать его в школе, — вспоминает Влада. – Я везла его завернутым в рулон бумаги, на котором собиралась рисовать. Внезапно поезд метро затормозил, и то, что было человеческой ногой, выпало из рулона на пол. Люди, стоявшие рядом, отпрянули с ужасом. Для меня же этот фрагмент скелета не представлялся страшным – он был будничным объектом, рутинной натурой».


Новый директор музея, Александр Ройтбурд, и сам написал немало картин с рассеченными и даже как будто самовольно отпочковавшимися фрагментами тел, а в одном из проектов использовал фото из анатомического театра. «Героями анатомических таблиц, которые потрясены тайнами собственного строения» называет своих персонажей Влада Ралко. Тут нет противоречия, однако, хоть и вход на выставку с детьми не воспрещается, на наш взгляд, «анатомия» адресована прежде всего взрослому, думающему зрителю.

С другой стороны, в прежние годы в выставочных залах демонстрировалось немало китчевого искусства. И от детей его не прятали.

Автор — Ирэн Адлер, фото Владимира Андреева

Метки: выставка, искусство, АЯТ, современность, жуть и кошмар
21:29 03.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из запасников одесского Худмузея

Новый директор Одесского художественного музея Александр Ройтбурд на своей странице в «Фейсбуке» последовательно привлекает внимание к тем музейным экспонатам, которые долгое время хранятся в фондах, не попадая на глаза зрителям. Одним требуется реставрация, другие в достаточно хорошем состоянии (но идеологические причины заставили их убрать подальше), третьим попросту не хватило места в постоянной экспозиции, но каждая из них хранит свою историю. «Думская» выбрала двадцать лучших шедевров из запасников учреждения и предлагает воспользоваться возможностью виртуально приобщиться к прекрасному!

Номером первым в нашей двадцатке — благостная картина Алессандро Риццони «В Ватикане». Алессандро Риццони — итальянец, российский академик, принимавший активное участие в формировании знаменитой коллекции Третьякова. Религиозность не помешала Риццони впасть в грех самоубийства после того как в журнале «Мир искусства» в 1901 году критик Альфред Нурок назвал его самым худшим из всех современных художников, позором русского искусства и призвал общество избавиться от всех его работ. Не выдержав такой несправедливой жестокости, живописец наложил на себя руки на исторической родине, в Риме, в 1902 году. Страшно подумать, что бы с ним сталось, обвини его кто-нибудь, как Ройтбурда, в рисовании гениталий фекалиями…


Второй номер присваиваем идиллически-красивому, откровенно салонному «Пастушку» (1863) художника-передвижника Василия Перова. В запасники полотно «загремело» еще при советской власти, так как Перова хотели видеть в первую очередь певцом тяжелой народной доли («Тройка», «Проводы покойника», «Приезд станового на следствие»), а не салонным живописцем.

Третий номер – сам Илья Репин, картина «Арабы в пустыне» (1870). Название, скорее всего, дано по недоразумению или чтобы намеренно скрыть истинный смысл, так как в композиции явственно просматриваются ни разу не арабы, а Моисей (с посохом), коленопреклоненный Аарон и сидящая прокаженная Мариам, плюс манна небесная в тарелке на переднем плане. А на заднем плане видим гору Синай. Совсем не арабы…

На четвертом месте – варшавянин и живописец-академист Людвиг Веселовский со своей картиной «Две жертвы Тиберия» (1883). Грешный римский император, содомит и насильник, вел столь изощренно-разнузданный образ жизни, что за подробностями, друзья, обращайтесь к музейным экскурсоводам, когда полотно вернется в постоянную экспозицию.

Под номером пять — комсомольская «Юность» Юрия Егорова (1967), одесского живописца, чья выставка проходит в Киеве в Национальном художественном музее Украины.

«Его имя, а тем более творчество, к сожалению, не очень известны киевлянам, — комментирует экспонат Александр Ройтбурд. — А он был самым значимым художником Одессы второй половины ХХ века, живописцем мирового класса. Для одесской школы он был тем же, чем Яблонская для киевской. Понять одесскую школу без Егорова нельзя — ни официальное искусство того времени, ни одесский нонконформизм, ни Хруща, ни Ястреб, ни Фрейдина, ни Басанца, ни Дульфана, ни Шопина, ни Ануфриева-старшего, ни, кстати, Сергея Ануфриева, ни многих других, в том числе Ройтбурда. Я называл Егорова богом одесской живописи».

Шестой номер из запасников ОХМ — снова Юрий Егоров, тревожное полотно «1918 год». Искусствовед Татьяна Басанец увидела в коллективном герое «грядущего хама».

Номер семь – снова Юрий Егоров, «Лето» (1967).

Под восьмым номером уже последний в нашей двадцатке шедевр Юрия Егорова «Девушка, выходящая из воды» (1969) – тонкая талия и прочие прелести фигуры девушки на фоне игры лучей на морской воде.

Девятый номер в экспозицию можно и не возвращать, и так все ясно: Вячеслав Токарев «Октябрь на рабочей окраине».

Десятый номер обязательно вернуть бы: как-никак, это работа члена Общества независимых художников, одессита Павла Нитше. Картина «К идеалу» — это образец дерзкого нового искусства 1914 года. Эмигрировал, окончил жизнь в 1950 году в Ирландии – в советское время таких авторов старались в постоянную экспозицию не пущать.

На одиннадцатом месте — картина, которую мы бы и сами в экспозицию не пустили. Художник (или художница) Лазаренко (имя уточняется) в оптимистичной соцреалистической манере изобразил (-а) добрых
Лазаря Моисеевича и Никиту Сергеевича со счастливыми трудящимися. Сюжет, прямо скажем, не опередил свое время.

Двенадцатое место – глоток свежего воздуха, картина на века, работа неизвестного автор XVIII столетия «Мальчик с птичкой». Охота считалась достойным занятием для благородного ребенка в те времена. Не спешите осуждать!

Тринадцатый номер совсем не случайно мы присваиваем портрету Сталина работы Исаака Бродского. Это вам не сахарный Лазарь Моисеевич с номера одиннадцатого, это работа крупного мастера.

Четырнадцатый номер – «Революционерка» Юлия Бершадского (1900-е годы), неоднозначный и содержательный женский типаж, долгое время присутствовавший в постоянной экспозиции, затем убранный в запасники. А может, вернуть?

Под пятнадцатым номером – нуждающаяся в реставрации «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской (1939), студенческая работа классика украинской живописи. Ройтбурд обещает, что имя подарившего работе вторую жизнь в течение 10 лет будет указано на табличке, а также на обновленном сайте музея. Сейчас полотно реставрируется.

Метки: искусство, одесса, музей, АЯТ, запасник
04:30 02.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Одесском художественном музее отреставрируют еще один шедевр

Еще один шедевр из запасников Одесского художественного музея будет отреставрирован за счет мецената.

Об этом рассказал директор учреждения Александр Ройтбурд.


Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года
Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года

«Стартует процесс лечения, наверное, самого тяжелобольного экспоната, — говорит он. — Это «Христос и грешница» Людвига Веселовского, того самого, который написал «Две жертвы Тиберия». Реставраторы обещают через год вернуть полотно к жизни и в экспозицию».

Картина написана масляными красками на холсте. По словам Ройтбурда, реставрировать ее будут специалисты национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины Илья Поляков и Вадим Оноприенко. Профинансирует работу телеведущий Андрей Суханов («Говорит Украина»).

«Христос и грешница» — уже четвертое полотно из запасников ОХМ, восстановлением которого занялись после смены руководства музея. 11 мая публике представят картину Константина Маковского «Ромео и Джульетта». Она обрела новую раму. Кроме того, сейчас реставрируется «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской и «Мясо» Бориса Яковлева.

Ройтбурд также поделился планами по изменению экспозиции музея: «Мы с главным хранителем Людмилой Ереминой условно назвали грядущие перемены «раскрестьяниванием» — жанровая живопись передвижников и сценки из крестьянского быта ужмутся, чтобы большее место занял, например, некогда репрессированный салон», — отметил руководитель.

А еще Одесский художественный станет первым музеем Украины, в котором появится не просто автоматизированная система продажи билетов, а полноценный билетный принтер. Оборудование, программное обеспечение и клише учреждение получило тоже при поддержке меценатов, привлеченных волонтерской инициативой Museum for Change.

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
06:43 15.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Реставрация оперного театра в Баварии

В Баварии завершена реставрация Маркграфского оперного театра в Байройте, построенного в эпоху барокко и включенного в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Маркграфский оперный театр

Первый спектакль после завершения реставрации Маркграфского оперного театра (Markgräfliches Opernhaus) состоится в Байройте в четверг, 12 апреля. Премьерная публика увидит оперу Иоганна Адольфа Хассе "Артаксеркс", показом которой он был открыт в 1748 году.

Накануне премьеры в театр пригласили фотографов. Сначала посмотрим, на что были потрачены 30 миллионов евро из баварской государственной казны, а затем познакомимся с историей этого уникального места, а также с советами и рекомендациями одного из оперных певцов, выступавших на его сцене.

Отметим также, что большинству любителей классической музыки и знатоков Германии Байройт известен, в первую очередь, как место проведения Фестиваля музыки Рихарда Вагнера. Он проходит здесь — с некоторыми перерывами с 1876 года и постоянно с 1951 года — в специально построенном для этой цели при участии самого композитора театре — Фестивальном доме (Festspielhaus). Байройтский оперный театр появился в этом городе намного раньше.

Фотогалерея: Маркграфский оперный театр

  • Маркграфский оперный театр

    МАРКГРАФСКИЙ ОПЕРНЫЙ ТЕАТР

    Маркграфский оперный театр в Байройте, Бавария


В Европе осталось немного прекрасно сохранившихся оперных театров XVIII века, Маркграфский оперный театр (Markgräfliche Opernhaus) в баварском городе Байройт (Bayreuth) — один из них. В середине 2012 года он был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Уникальный памятник европейского барокко

Торжественное открытие театра состоялось в 1748 году. Его возвели всего за четыре года по заказу маркграфини Вильгельмины Прусской (Wilhelmine von Preußen) — любимой сестры Фридриха Великого (Friedrich der Große) и супруги маркграфа Фридриха Бранденбург-Байрейтского (Friedrich III. von Brandenburg-Bayreuth).

Считается, что этот храм оперного искусства предвосхитил появление театров для широкой публики в XIX веке. Его зал рассчитан на пятьсот зрителей. В нем до сих пор сохранились оригинальная отделка и интерьеры барочной эпохи. Уникальными считаются лепнина, великолепные занавесы из расписной ткани и ложи с резьбой по дереву.

Памятник маркграфине Вилгельмине

Памятник маркграфине Вилгельмине перед театром

Метки: искусство, реставрация, АЯТ, оперный театр
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Анастасия Бузько
Войти